iGrooving: A Generative Music Mobile Application for Runners

iGrooving is a generative music mobile application specifically designed for runners. The application’s foundation is a step-counter that is programmed using the iPhone’s built-in accelerometer. The runner’s steps generate the tempo of the performance by mapping each step to trigger a kick-drum sound file. Additionally, different sound files are triggered at specific step counts to generate the musical performance, allowing the runner a level of compositional autonomy. The sonic elements are chosen to promote a meditative aspect of running. iGrooving is conceived as a biofeedback-stimulated musical instrument and an environment for creating generative music processes with everyday technologies, inspiring us to rethink our everyday notions of musical performance as a shared experience. Isolation, dynamic changes, and music generation are detailed to show how iGrooving facilitates novel methods for music composition, performance and audience participation.

Pathfinder. Performance at the Sonorities Festival of Contemporary Music 2016

Pathfinder (2016) is an audiovisual performance-game for a solo drummer,exploring the synergies between multiple contemporary creative practices.The work navigates between music composition, improvisation, projection/ light art and game art. At its heart lies a bespoke electro-acoustic instrument,the augmented drum-kit, used not only to provide the sonic content of the work in real-time, but also as a highly expressive game controller that interacts with an instrument-specific game. The musical instrument offers a much wider range of expressive possibilities, control and tactile feedback in comparison to a traditional general-purpose game controller, and as a result it affords a very diverse and nuanced gameplay performance. Live electronics, lights, projections and the drum-kit all make up the performance-game’s universe, within which the performer has to explore, adjust, navigate and complete a journey.

Dynamics and orchestral effects in late Eighteenth-Century portuguese organ music: the works of José Marques e Silva (1782-1837) and the organs of António Xavier Machado e Cerveira (1756-1828)

A maioria dos órgãos históricos portugueses data dos finais do século XVIII ou do princípio do século XIX. Durante este período foi construído um invulgar número de instrumentos em Lisboa e nas áreas circundantes por António Xavier Machado e Cerveira (1756-1828) e outros organeiros menos prolíficos. O estudo desses órgãos, muitos dos quais (restaurados ou não) se encontram próximos das condições originais, permite a identificação de um tipo de instrumento com uma morfologia específica, claramente emancipada do chamado «órgão ibérico». No entanto, até muito recentemente, não era conhecida música que se adaptasse às idiossincrasisas daqueles instrumentos. O recente estudo das obras para órgão de José Marques e Silva (1782-1837) permitiu clarificar esta situação. Bem conhecido durante a sua vida como organista e compositor, José Marques e Silva foi um dos ultimos mestres do Seminário Patriarcal. A importância da sua produção musical reside não só num substancial número de obras com autoria firmemente estabelecida – escritas, na maior parte, para coro misto com acompanhamento de órgão obbligato – mas também na íntima relação entre a sua escrita e a morfologia dos órgãos construídos em Portugal durante a sua vida. Este artigo enfatiza a importância de José Marques e Silva (indubitavelmente, o mais significativo compositor português para órgão do seu tempo) sublinhando a relevância das suas obras para órgão solo, cujo uso extensivo de escrita idiomática e indicações de registação fazem delas um dos mais importantes documentos só início do século XIX sobre a prática organística em Portugal.

The organ verses of Frei Jerónimo da Madre de Deus: Portuguese organ music in the time of D. João V

Contrastando com o importante legado dos mestres organistas portugueses dos séculos XVI e XVII, a música portuguesa para órgão pós-1700 parece quase inexistente (excluindo raros exemplos, como as quatro sonatas para órgão de Carlos Seixas). Seja devido à destruição causada pelo grande terramoto de Lisboa em 1755, ou a outras causas, a ausência de fontes é surpreendente, considerando os testemunhos de actividade musical durante aquele período. Este artigo lida com uma fonte até hoje relativamente ignorada: o manuscrito CLI/1-4 nº 7 da Biblioteca do Palácio Ducal de Vila Viçosa (Versos / Sobre o Canto Chão / Para Orgão / De Fr. Jeronimo da M.dre de DS.). Esta colecção de vinte versos para órgão de Jerónimo da Madre de Deus é, de longe, a maior obra portuguesa para órgão da primeira metade do século XVIII até hoje conhecida. Claramente pensadas para o órgão, estas curtas peças testemunham a transformação da escrita para tecla em Portugal durante o reinado de D. João V (nomeadamente através da absorção de influências italianas) e fornecem informações preciosas sobre o tipo de instrumento em que eram tocadas.

Background for Designing an Improved Digital Musical Keyboard Instrument

Electrical keyboard instruments and computer-aided music-making generally base on the piano keyboard that was developed for a tuning system no longer used. Alternative keyboard layout offers at least easier playing, faster adopting, new ways to play and better ergonomics. This thesis explores the development of keyboard instruments and tunings, and different keyboard layouts. This work is preliminary research for an electrical keyboard instrument to be implemented later on.

El Cos com a instrument musical: creativitat i activitat grupal col·laborativa com a proposta didàctica més enllà del context de l'aula

Sabem que l’educació no es circumscriu només en l’àmbit acadèmic ni dins el marc físic d’un centre docent, sinó que la societat i els productes que genera són elements importants a tenir en compte. En base a aquests supòsits, els nous corrents pedagògics de l’Escola Nova sorgits a començaments del segle XX ja recomanaven obrir les escoles a l’entorn immediat i aprofitar les seves possibilitats tant com a recurs educatiu com a contingut curricular en sí mateix. Aquesta premissa –plenament vigent a l’actualitat– es fa palesa especialment a l’àrea de música, no només per la gran quantitat d’informació –immediata i diversificada- i per les possibilitats didàctiques i educatives de caràcter multimèdia i interactiu de les Noves Tecnologies (NNTT), les Tecnologies de la Informació i la Comunicació (TIC) i les Tecnologies de l’Aprenentatge i la Comunicació (TAC) que configuren l’actual realitat virtual a la que ens veiem abocats, sinó per l’ampli ventall d’estils i gèneres que inclouen les programacions d’espectacles musicals al nostre abast. De la mateixa manera que l’audició de música en directe és del tot imprescindible en aquesta àrea artística i humanística per tal de desenvolupar les destreses que li són pròpies, també ho és la participació activa. En aquest sentit, constatem que la realització d’activitats educatives a nivell col·lectiu permet la interacció entre iguals i la descoberta, desenvolupament o aprofundiment d’actituds com la cooperació, la tolerància, el respecte mutu, la cohesió, etc., valors imprescindibles en una societat democràtica i plural com la nostra. I encara més, que l’activitat col·lectiva realitzada amb l’objectiu de produir un producte propi, afavoreix la satisfacció personal final que conduirà a la veritable integració dels continguts a assimilar. Per tant, la pràctica aplicada d’aquestes actituds i destreses socials es fa imprescindible en els estudis dels futurs docents. L'Espai Europeu de Educació Superior (EEES) ens aporta la incorporació d'un concepte provinent del món professional, les competències, que són un nou referent de rang superior que orienta globalment els estudis universitaris. Els objectius i continguts d'aquests tindran sentit en la mesura que contribueixin a desenvolupar algunes d'aquestes competències, ja que seran l'objecte principal d'avaluació de les titulacions. Pensem que a través d’activitats que es poden fer fora de l'aula com la que presentem en aquesta comunicació, s'ajuda a mobilitzar algunes d'aquestes competències que permetran configurar el perfil de graduat que tots desitgem

The musical scale of the Arabs. Medieval organ pipes and their bearing on the history of the scale. The natural diatonic scale.

From the Proceedings of the American Association for the Advancement of Science, v. 48, 1899.

Portraits of musical celebrities; a book of notable testimonials. Steinway, the instrument of the immortals.

Mode of access: Internet.

Análise da problemática da exposição dos músicos ao ruído: perceção ao ruído e determinação dos níveis de pressão sonora na prática musical em contexto escolar

A atenção face dada à problemática da perda auditiva induzida pelo ruído nos profissionais da música tem sido enfatizada estudos nos últimos anos. No entanto, no que respeita aos alunos de música, são ainda poucos os estudos que analisam esta problemática de modo a permitir compreender se estes poderão estar expostos a elevados níveis de ruído no decorrer da sua formação e desenvolver problemas auditivos. O presente estudo pretende caraterizar os níveis de pressão sonora a que alunos de música estão expostos no decorrer das aulas e analisar a perceção do risco dos mesmos e potenciais efeitos sobre o sistema auditivo. Foram analisadas duas Orquestras de Jazz e uma Orquestra Sinfónica de uma Escola Superior de Música (ESM) e de um Conservatório de Música (CM). No total foram selecionados 24 alunos de acordo com o seu instrumento, e medidos os níveis de pressão sonora em diversas aulas, ao longo de duas semanas com recurso a 8 dosímetros. Foi aplicado um questionário para a análise da perceção dos alunos ao ruído e realizados exames audiométricos para a avaliação auditiva dos alunos. Em geral, os resultados demostraram que os alunos estão expostos a níveis elevados de ruído no decurso das aulas de instrumento e ensaios. Foram obtidos elevados níveis de Lp,A,eqT na bateria, vibrafone, saxofone, trombone, clarinete e trompa. Nas três escolas, verificou-se valores mais baixos de exposição no contrabaixo, nomeadamente nas Aulas Individuais. Os valores de Lp,Cpico ultrapassaram o valor de ação inferior de 135 dB(C) na percussão e saxofone. Nas aulas teóricas os valores obtidos ultrapassaram recomendação de 35 dB(A). No que respeita à perceção dos alunos verificou-se que em geral consideram que a exposição a elevados níveis de pressão sonora não tem efeitos significativos na saúde. Apesar de se ter verificado que todos os alunos avaliados apresentam uma audição normal, tinnitus, hiperacusia, distorção e diplacusia foram identificados por um número significativo de alunos. Os resultados obtidos neste estudo refletem a necessidade de implementação de medidas de prevenção e controlo dos níveis de exposição dos alunos de música com vista a um aumento da sua consciencialização do risco.

Phenotip - a web-based instrument to help diagnosing fetal syndromes antenatally.

Prenatal ultrasound can often reliably distinguish fetal anatomic anomalies, particularly in the hands of an experienced ultrasonographer. Given the large number of existing syndromes and the significant overlap in prenatal findings, antenatal differentiation for syndrome diagnosis is difficult. We constructed a hierarchic tree of 1140 sonographic markers and submarkers, organized per organ system. Subsequently, a database of prenatally diagnosable syndromes was built. An internet-based search engine was then designed to search the syndrome database based on a single or multiple sonographic markers. Future developments will include a database with magnetic resonance imaging findings as well as further refinements in the search engine to allow prioritization based on incidence of syndromes and markers.

Système de superposition arborescente et aspect soliste (le vibraphone et le bending tone) : éléments de détermination d’un langage musical personnel

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU).

MusiCam: an instrument to demonstrate chromaphonic synesthesia

Inspired by a type of synesthesia where colour typically induces musical notes the MusiCam project investigates this unusual condition, particularly the transition from colour to sound. MusiCam explores the potential benefits of this idiosyncrasy as a mode of human computer interaction (1-10), providing a host of meaningful applications spanning control, communication and composition. Colour data is interpreted by means of an off-the-shelf webcam, and music is generated in real-time through regular speakers. By making colour-based gestures users can actively control the parameters of sounds, compose melodies and motifs or mix multiple tracks on the fly. The system shows great potential as an interactive medium and as a musical controller. The trials conducted to date have produced encouraging results, and only hint at the new possibilities achievable by such a device.

A educação musical como agente facilitador do processo de aprendizagem

Esta monografia parte de pressuposto de que a música desenvolve o equilíbrio emocional do indivíduo e sua sensibilidade para e belo. Essa premissa alerta para a importância do estudo em questão, especialmente em relação a outras áreas de ensino, considerando-se a educação musical como um instrumento auxiliar no aprendizado das outras disciplinas. Trata-se de um estudo teórico, com implicações pedagógicas, visande a demonstrar a importância da educação musical - não descobrir talentos para a música e valores musicais --, aperfeiçoar o indivíduo, criando platéias que saibam ouvir música e, desenvolvendo a sua capacidade perceptiva, criar um estado propiciador da aprendizagem. São expostos alguns aspectos essenciais, básicos, demonstrando que a educação musical nas escolas é fator de integração emocional do educando, e que favorece o trânsito interdisciplinar e facilita a aprendizagem.

The effects of different styles of musical auditory stimulation on cardiac autonomic regulation in healthy women

The literature investigated the effects of chronic baroque music auditory stimulation on the cardiovascular system. However, it lacks in the literature the acute effects of different styles of music on cardiac autonomic regulation. To evaluate the acute effects of baroque and heavy metal music on heart rate variability (HRV) in women. The study was performed in 21 healthy women between 18 and 30 years old. We excluded persons with previous experience with music instrument and those who had affinity with the song styles. All procedures were performed in the same sound-proof room. We analyzed HRV in the time (standard deviation of normal-to-normal respiratory rate (RR) intervals, root-mean square of differences between adjacent normal RR intervals in a time interval, and the percentage of adjacent RR intervals with a difference of duration greater than 50 ms) and frequency (low frequency [LF], high frequency [HF], and LF/HF ratio) domains. HRV was recorded at rest for 10 min. Subsequently they were exposed to baroque or heavy metal music for 5 min through an earphone. After the first music exposure they remained at rest for more 5 min and them they were exposed again to baroque or heavy metal music. The sequence of songs was randomized for each individual. The power analysis provided a minimal number of 18 subjects. Shapiro-Wilk to verify normality of data and analysis of variance for repeated measures followed by the Bonferroni test for parametric variables and Friedman's followed by the Dunn's post-test for non-parametric distributions. During the analysis of the time-domain indices were not changed. In the frequency-domain analysis, the LF in absolute units was reduced during the heavy metal music stimulation compared to control. Acute exposure to heavy metal music affected the sympathetic activity in healthy women.

La estructura del himno ambrosiano y su relación con las funciones tonales de la escala musical

La utilización del himno religioso en Occidente, como una forma de control ideológico frente al avance de las heterodoxias, fue instaurada definitivamente por Ambrosio, obispo de Milán, al conciliar el material himnódico precedente con las necesidades catequísticas que la época le impuso. El episcopus milanés logró concebir un modelo poético, estrófico y rítmico de fácil recepción que funcionaba como instrumento de conversión e instrucción doctrinal y un regulador de las oraciones litúrgicas. El himno ambrosiano no fue, sin embargo, el primero que se ajustó a los principios del credo niceno en la lucha contra diversas formas de herejía, en particular el arrianismo, pero sí fue el primero que innovó desde lo musical y lo rítmico. Su popularidad, basada en su modo ?cantable?, se cimentó a partir de la novedad de su estructura compositiva, en la que se pueden advertir frecuentes correspondencias métricas y acentuales que posibilitaba una más rápida memorización. A través de esta comunicación se procurará exponer las innovaciones estructurales de la himnodia ambrosiana en materia rítmica, las cuales giran en torno a la repetición arbitraria del número ocho; asimismo el número ocho contiene funciones temático-emotivas comparables con las funciones tonales de la escala musical y, en especial, el modo jónico que es el que llegó hasta hoy como escala mayor natural