Nowhere Landscape, for Clarinets, Trombones, Percussion, Violins, and Electronics and “The Map and the Territory: Documenting David Dunn’s Sky Drift”

1. nowhere landscape, for clarinets, trombones, percussion, violins, and electronics

nowhere landscape is an eighty-minute work for nine performers, composed of acoustic and electronic sounds. Its fifteen movements invoke a variety of listening strategies, using slow change, stasis, layering, coincidence, and silence to draw attention to the sonic effects of the environment—inside the concert hall as well as the world outside of it. The work incorporates a unique stage set-up: the audience sits in close proximity to the instruments, facing in one of four different directions, while the musicians play from a number of constantly-shifting locations, including in front of, next to, and behind the audience.

Much of nowhere landscape’s material is derived from a collection of field recordings

made by the composer during a road trip from Springfield, MA to Douglas, WY along US- 20, a cross-country route made effectively obsolete by the completion of I-90 in the mid- 20th century. In an homage to artist Ed Ruscha’s 1963 book Twentysix Gasoline Stations, the composer made twenty-six recordings at gas stations along US-20. Many of the movements of nowhere landscape examine the musical potential of these captured soundscapes: familiar and anonymous, yet filled with poignancy and poetic possibility.

2. “The Map and the Territory: Documenting David Dunn’s Sky Drift”

In 1977, David Dunn recruited twenty-six musicians to play his work Sky Drift in the

Anza-Borrego Desert in Southern California. This outdoor performance was documented with photos and recorded with four stationary microphones to tape. A year later, Dunn presented the work in New York City as a “performance/documentation,” playing back the audio recording and projecting slides. In this paper I examine the consequences of this kind of act: what does it mean for a recording of an outdoor work to be shared at an indoor concert event? Can such a complex and interactive experience be successfully flattened into some kind of re-playable documentation? What can a recording capture and what must it exclude?

This paper engages with these questions as they relate to David Dunn’s Sky Drift and to similar works by Karlheinz Stockhausen and John Luther Adams. These case-studies demonstrate different solutions to the difficulty of documenting outdoor performances. Because this music is often heard from a variety of equally-valid perspectives—and because any single microphone only captures sound from one of these perspectives—the physical set-up of these kind of pieces complicate what it means to even “hear the music” at all. To this end, I discuss issues around the “work itself” and “aura” as well as “transparency” and “liveness” in recorded sound, bringing in thoughts and ideas from Walter Benjamin, Howard Becker, Joshua Glasgow, and others. In addition, the artist Robert Irwin and the composer Barry Truax have written about the conceptual distinctions between “the work” and “not- the-work”; these distinctions are complicated by documentation and recording. Without the context, the being-there, the music is stripped of much of its ability to communicate meaning.

Into the Bends of Time and Musical Forces in Jazz: Group Interaction and Double-time in “My Foolish Heart” as performed by the Bill Evans Trio with Scott LaFaro and Paul Motian.

Into the Bends of Time is a 40-minute work in seven movements for a large chamber orchestra with electronics, utilizing real-time computer-assisted processing of music performed by live musicians. The piece explores various combinations of interactive relationships between players and electronics, ranging from relatively basic processing effects to musical gestures achieved through stages of computer analysis, in which resulting sounds are crafted according to parameters of the incoming musical material. Additionally, some elements of interaction are multi-dimensional, in that they rely on the participation of two or more performers fulfilling distinct roles in the interactive process with the computer in order to generate musical material. Through processes of controlled randomness, several electronic effects induce elements of chance into their realization so that no two performances of this work are exactly alike. The piece gets its name from the notion that real-time computer-assisted processing, in which sound pressure waves are transduced into electrical energy, converted to digital data, artfully modified, converted back into electrical energy and transduced into sound waves, represents a “bending” of time.

The Bill Evans Trio featuring bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian is widely regarded as one of the most important and influential piano trios in the history of jazz, lauded for its unparalleled level of group interaction. Most analyses of Bill Evans’ recordings, however, focus on his playing alone and fail to take group interaction into account. This paper examines one performance in particular, of Victor Young’s “My Foolish Heart” as recorded in a live performance by the Bill Evans Trio in 1961. In Part One, I discuss Steve Larson’s theory of musical forces (expanded by Robert S. Hatten) and its applicability to jazz performance. I examine other recordings of ballads by this same trio in order to draw observations about normative ballad performance practice. I discuss meter and phrase structure and show how the relationship between the two is fixed in a formal structure of repeated choruses. I then develop a model of perpetual motion based on the musical forces inherent in this structure. In Part Two, I offer a full transcription and close analysis of “My Foolish Heart,” showing how elements of group interaction work with and against the musical forces inherent in the model of perpetual motion to achieve an unconventional, dynamic use of double-time. I explore the concept of a unified agential persona and discuss its role in imparting the song’s inherent rhetorical tension to the instrumental musical discourse.

Perspectives esthétique et compositionnelle d’une dialectique entre le son et la musique

Visant à contribuer à la pérennité de la musique d’art instrumentale, cette thèse aborde plusieurs sujets la concernant, autant sur les plans théorique et esthétique que pratique et compositionnel. Les deux principaux contextes observés sont ceux de la modernité et de l’économie de marché. Le premier, par le triomphe de la raison technicienne, aurait conduit à l’autonomie de l’art désormais confronté aux risques de l’autoréférence. Le deuxième, par la pression exercée sur le compositeur à la base de la chaîne création-production-diffusion, compromettrait cette autonomie qu’elle avait pourtant contribuée à rendre possible. Or, l’autonomie de l’art, en tant que conquête sur les plans esthétique, social, politique, économique et intellectuel, représente un enjeu de taille, puisque d’éventuelles compromissions envers des impératifs extérieurs impliquent un recul sur tous ces plans. Pour répondre à cette problématique, la thèse explore des pistes de réflexions et d’opérations pour réaffirmer – en le revendiquant – ce que la musique d’art possède en propre et qui mérite encore d’être entendu, militant ainsi pour la survie de ce qui la rend possible. Plus précisément, la dialectique du son et de la musique que je développe ici me permet, dans un premier temps, d’aborder les médiations successives conduisant des ondes mécaniques à se structurer dans notre conscience jusqu’à se transmettre à nous sous forme de patrimoine; puis, dans un deuxième temps, de décrire ma propre intention de communication par la musique en analysant deux œuvres de ma composition : Musique d’art pour quintette à cordes et Musique d’art pour orchestre de chambre II (partie 1.). Musique d’art pour quintette à cordes est une œuvre-concert de soixante-cinq minutes pour quatuor à cordes et contrebasse, spatialisation, traitement et mise en espace des musiciens. Il s’agit d’un projet de recherche-création de mon initiative que j’ai aussi mené à titre de producteur. Musique d’art pour orchestre de chambre II (partie 1.) est une œuvre de commande de quatorze minutes. Le retour critique portant sur l’ensemble des composantes caractéristiques du média ouvre la voie à une corrélation plus étroite entre son contenu et sa forme privilégiée de présentation, le concert. Cette corrélation peut amener le public à désirer visiter les œuvres et apprécier leur signification, préservant la musique d’art comme mode spécifique de connaissance du monde.

Geochemistry of lower and middle Keuper sediments in the Central Thuringian Syncline

Cuttings of Lower and Middle Keuper sediments of the INFLUINS-drilling in the central Thuringian Syncline were geochemically analysed. Indications about shifting depositional environments are interpreted from ratios of whole-rock element contents. For the middle part of sandstone cycle S 2 high heavy metal contents imply precipitation of sufidic ores during a short marine interval. Element contents are compared with potential source rocks in the southern part of the Baltic Shield, in the Lausitz Anticline Zone, in the Erzgebirge, in the moldanubian part, in the broad sense, of the Bohemian Massif, in the Münchberg Gneiss Massif and the Fichtelgebirge. The geochemical coincidence of investigated Keuper sediments is highest with grantioid and gabbroic rocks of southern Scandinavia. Granodiorite rocks of the Lausitz are also possible sources, whereas granites of the Fichtelgebirge and the Bohemian Massif are less probable.

Resonances: Noise and Contemporary Music

Noise seems to stand for a lack of aesthetic grace, to alienate or distract rather than enrapture. And yet the drones of psychedelia, the racket of garage rock and punk, the thudding of rave, the feedback of shoegaze and post-rock, the bombast of thrash and metal, the clatter of jungle and the stuttering of electronica, together with notable examples of avant-garde noise art, have all found a place in the history of contemporary musics, and are recognised as representing key evolutionary moments. Noise therefore is the untold story of contemporary popular music, and in a critical exploration of noise lies the possibility of a new narrative – one that is wide-ranging, connects the popular to the underground and avant-garde, fully posits the studio as a musical instrument, and demands new critical and theoretical paradigms of those seeking to write about music. Resonances is a compelling collection of new essays by scholars, writers and musicians – all seeking to explore and enlighten this field of study.

Commentary on Bach v. Longman (1777)

A case, initiated by two composers, Johann Christian Bach and Karl Friedrich Abel, concerning whether or not printed music fell within the protection of the Statute of Anne 1710 (uk_1710). Lord Mansfield holds that published music is protected as ‘writing' within the terms of the legislation.
The commentary explores attitudes to the protection of music throughout the eighteenth century on the part of publishers, composers and musicians, and in particular the use of the printing privilege by some composers to secure the right to publish their work, and the efforts of the music publishers to secure legislative protection in the mid-eighteenth century.

Imagerie Musicale Involontaire : caractéristiques phénoménologiques et mnésiques

L’imagerie musicale involontaire (IMIN) est un phénomène mental extrêmement commun. Il peut être défini en tant que type d’imagerie mentale musicale qui devient consciente sans effort ou intentionnalité et qui n’est pas pathologique. La forme la plus connue d’IMIN est le « ver d’oreille », qui se présente généralement comme un court extrait musical tournant en boucle en tête et dont on se débarrasse difficilement. L’objectif principal de la présente thèse est d’investiguer les mécanismes cognitifs sous-tendant le phénomène puisque, malgré l’intérêt répandu dans les médias populaires, son étude expérimentale est récente et un modèle intégré n’a pas encore été proposé. Dans la première étude, l’induction expérimentale a été tentée et les caractéristiques des images mentales d’épisodes d’IMIN ont été investiguées. Dans le laboratoire, des chansons accrocheuses (versus des proverbes) ont été présentées répétitivement aux participants qui devaient ensuite les chanter le plus fidèlement possible. Ils ont par après quitté le laboratoire, une enregistreuse numérique en mains, avec la consigne d’enregistrer une reproduction vocale la plus fidèle possible de ce qu’ils avaient en tête lors de tous leurs épisodes d’IMIN sur une période de quatre jours, ainsi que de décrire leur timbre. L’expérience a été répétée deux semaines plus tard. Douze des dix-huit participants du groupe expérimental ont rapporté des pièces induites comme épisodes d’IMIN, ce qui confirme l’efficacité de la procédure d’induction. La tonalité et le tempo des productions ont ensuite été analysés et comparés à ceux des pièces originales. Similairement pour les épisodes d’IMIN induits et les autres, les tempi produits et, dans une moindre mesure pour les non-musiciens, les tonalités étaient proches des originaux. Le timbre décrit était généralement une version simplifiée de l’original (un instrument et/ou une voix). Trois études se sont ensuite intéressées au lien entre le potentiel d’IMIN et la mémorabilité. Dans une étude préliminaire, 150 chansons du palmarès francophone radiophonique ont été évaluées en ligne par 164 participants, sur leur niveau de familiarité, d’appréciation et de potentiel d’IMIN. Les pièces ont ensuite été divisées en groupes de stimuli à faible et à fort potentiel d’IMIN, qui ont été utilisés dans une tâche typique de rappel libre/reconnaissance, premièrement avec des francophones (pour qui les pièces étaient familières) et ensuite avec des non-francophones (pour qui les pièces étaient non-familières). Globalement, les pièces à fort potentiel d’IMIN étaient mieux rappelées et reconnues que les pièces à faible potentiel. Une dernière étude a investigué l’impact de la variabilité inter-stimulus du timbre sur les résultats précédents, en demandant à une chanteuse d’enregistrer les lignes vocales des pièces et en répétant l’expérience avec ces nouveaux stimuli. La différence précédemment observée entre les stimuli à fort et à faible potentiel d’IMIN dans la tâche de reconnaissance a ainsi disparu, ce qui suggère que le timbre est une caractéristique importante pour le potentiel d’IMIN. En guise de conclusion, nous suggérons que les phénomènes mentaux et les mécanismes cognitifs jouant un rôle dans les autres types de souvenirs involontaires peuvent aussi s’appliquer à l’IMIN. Dépendamment du contexte, la récupération mnésique des pièces peut résulter de la répétition en mémoire à court terme, de l’amorçage à court et long terme ou de l’indiçage provenant de stimuli dans l’environnement ou les pensées. Une des plus importantes différences observables entre l’IMIN et les autres souvenirs involontaires est la répétition. Nous proposons que la nature même de la musique, qui est définie par la répétition à un niveau micro- et macro-structurel en est responsable.

Processing of hierarchical syntactic strusture in music

Hierarchical structure with nested nonlocal dependencies is a key feature of human language and can be identified theoretically in most pieces of tonal music. However, previous studies have argued against the perception of such structures in music. Here, we show processing of nonlocal dependencies in music. We presented chorales by J. S. Bach and modified versions inwhich the hierarchical structure was rendered irregular whereas the local structure was kept intact. Brain electric responses differed between regular and irregular hierarchical structures, in both musicians and nonmusicians. This finding indicates that, when listening to music, humans apply cognitive processes that are capable of dealing with longdistance dependencies resulting from hierarchically organized syntactic structures. Our results reveal that a brain mechanism fundamental for syntactic processing is engaged during the perception of music, indicating that processing of hierarchical structure with nested nonlocal dependencies is not just a key component of human language, but a multidomain capacity of human cognition.

Deep Decline

Thesis (Ph.D.)--University of Washington, 2016-08

Music Learning Networks: Supporting the Music Learning of Adolescents

Thesis (Ph.D.)--University of Washington, 2016-08

"Le serment de Procné" (Jean Geschwin, 1962): una alegoría dramática de los horrores de la guerra

Análisis de la tragedia legendaria en tres actos publicada en 1962 por el dramaturgo francés Jean Geschwin, en la que, a partir de una original recreación del mito de Progne y Filomela, se expresa la preocupación y el desasosiego provocados por las dos décadas de sangrientos conflictos bélicos casi ininterrumpidos que estaban desgarrando a Francia.

Saraswati Sings: The Slide-Guitar in India

Thesis (Ph.D.)--University of Washington, 2016-08

Music teacher biography and its impact on teaching practice

This paper describes research carried out as part of a wider doctoral study on ‘the biography of music teachers, their understanding of musicality and the implications for secondary music education’. Music teachers will come from a range of diverse backgrounds, though research data would suggest that most seem to have been educated as ‘classical’ music performers which will have an affect on what they perceive to be central competencies in the development of young musicians. In turn, this will determine, to some extent, what is taught and learned in the secondary music classroom. This study explores the impact of the biography of secondary music teachers as they seek to develop the musicianship of their pupils and present the activities in which the young people will be expected to participate. A mixed methods approach has been taken, including surveys, observation and interviews. Surveys amongst a sample of experienced and trainee teachers have produced a range of quantitative data on respondents’ experience of and values related to music education; whilst qualitative data in the form of lesson observation notes and transcription of semi-structured interviews have been the result of working with a small sub-set of participants. The outcomes of study have suggested a clear link between biography and classroom practice but that there are also other potential tensions which arise, such as in the subject knowledge development of practitioners as they move from musician to teacher. Implications for a variety of stakeholders in secondary music education include a consideration of the development of subject knowledge together with potential review of national and local education policy, the nature of undergraduate music study and the ‘shape’ of initial teacher training in England.