Les liens entre l'adhésion aux stéréotypes de genre en mathématiques et en français, la motivation, les buts d'apprentissage, le choix de carrière envisagé et le rendement

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

« En vacances...en voiture...en Pontiac!» : les représentations de genre à travers les loisirs dans la Revue moderne et Châtelaine, 1945-1969.

Ce mémoire analyse les articles et les publicités représentant les loisirs diffusés dans la Revue moderne et Châtelaine après la Seconde Guerre mondiale. Phénomène grandissant à l’ère de la consommation de masse, les loisirs sont de plus en plus populaires et l’abondance de leurs représentations illustre leur importance, notamment auprès des familles de la classe moyenne qui bénéficient de plus en plus de ressources pour en profiter. Ces représentations, utilisées pour faire la promotion de produits à usage quotidien, de produits du tourisme ou de conseils pour les vacances, semblent à première vue illustrer certains aspects de la vie quotidienne des Québécois, mais diffusent principalement certaines valeurs encouragées par la société d’après-guerre. En effet, plusieurs stéréotypes de genre peuvent être observés, dont celui de la mère ménagère et celui du père pourvoyeur. En plus d’être véhiculées dans les médias et par l’ensemble des acteurs sociaux de l’époque, les valeurs associées à la domesticité, la féminité, la masculinité et à la famille nucléaire se retrouvent jusque dans les loisirs, accessibles à de plus en plus de familles.

Violence, sexualité et double : les représentations féminines dans Perfect Blue et Paprika de Kon Satoshi

Le présent mémoire consiste en une analyse thématique des représentations féminines dans l’œuvre de Satoshi Kon, de Perfect Blue à Paprika. L’objectif de ce travail est de démontrer que ces images de la femme reflètent la place des femmes dans la société japonaise contemporaine. À cet effet, nous avons examiné les films du réalisateur selon l’approche des études féministes du cinéma. Nous avons divisé notre analyse en trois thèmes : la violence, la sexualité et le double. Il apparaît que les représentations féminines des longs-métrages de Kon possèdent effectivement des parallèles au sein la société nippone actuelle. Le réalisateur emploie des figures et des motifs narratifs communs au Japon et l’anime afin de produire et reproduire les stéréotypes de genre. Par ailleurs, il utilise les éléments filmiques et les particularités du médium de l’anime pour appuyer ces définitions des rôles sexuels. Cette étude est originale par son angle d’approche féministe et psychanalytique qui est rarement adopté par les théoriciens de l’anime. Les études portant sur ce médium sont d’ailleurs récentes et s’intéressent généralement à l’esthétique de l’anime ou à la formation d’une identité nationale japonaise plutôt qu’à la construction du genre dans un média de culture populaire.

Sexualité et corporéité féminines dans le cinéma de réalisatrices contemporaines : une lecture féministe

Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement cinématographique de la sexualité et de la corporéité féminines dans le travail de réalisatrices contemporaines. Il prend appui sur les films Anatomie de l’enfer (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), et Klip (Maja Milos, 2012). Notre hypothèse est que ces réalisatrices adoptent une posture féministe, affirmée ou non, par leur révision des stéréotypes de genre relatifs au corps et à la sexualité féminine. Dans un premier temps, nous nous intéressons à la dynamique érotique entretenue, à travers l’Histoire, entre la femme comme objet de désir et l’homme comme sujet désirant, au cinéma comme ailleurs. Puis, nous analysons la déconstruction des stéréotypes de genre féminins de pudeur et de passivité au sein du corpus choisi. Nous démontrons ainsi qu’en révisant ces stéréotypes, les réalisatrices déjouent volontairement le spectateur dans son expérience érotique. Enfin, nous examinons les stratégies d’auto-réification du corps féminin récurrentes chez les cinéastes étudiées. Nous estimons que les cinéastes s’inscrivent de la sorte dans une tendance à la subversion observable dans les pratiques artistiques féministes contemporaines.

Sexualité et corporéité féminines dans le cinéma de réalisatrices contemporaines : une lecture féministe

Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement cinématographique de la sexualité et de la corporéité féminines dans le travail de réalisatrices contemporaines. Il prend appui sur les films Anatomie de l’enfer (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), et Klip (Maja Milos, 2012). Notre hypothèse est que ces réalisatrices adoptent une posture féministe, affirmée ou non, par leur révision des stéréotypes de genre relatifs au corps et à la sexualité féminine. Dans un premier temps, nous nous intéressons à la dynamique érotique entretenue, à travers l’Histoire, entre la femme comme objet de désir et l’homme comme sujet désirant, au cinéma comme ailleurs. Puis, nous analysons la déconstruction des stéréotypes de genre féminins de pudeur et de passivité au sein du corpus choisi. Nous démontrons ainsi qu’en révisant ces stéréotypes, les réalisatrices déjouent volontairement le spectateur dans son expérience érotique. Enfin, nous examinons les stratégies d’auto-réification du corps féminin récurrentes chez les cinéastes étudiées. Nous estimons que les cinéastes s’inscrivent de la sorte dans une tendance à la subversion observable dans les pratiques artistiques féministes contemporaines.

Étude des relations entre les styles cognitifs et les productions d’artistes professionnels et d’étudiants universitaires en arts visuels

Les recherches démontrent que les arts plastiques à l’école apportent des bénéfices culturels et psychocognitifs majeurs aux enfants (National Endowment for the Arts, 2012; Hoffmann Davis, 2005, 2008; Karkou et Glasman, 2004; Sylwester, 1998; Goetz Zwirn et Graham, 2005; Greene, 1995). Mais en général, plus les garçons avancent en âge au primaire, plus ils éprouvent de difficultés et démontrent un intérêt moindre que celui des filles pour les arts plastiques à l’école. Au secondaire, l’écart ne fait que s’accentuer (Savoie, Grenon et St-Pierre, 2010, 2012; Octobre, 2004; Dumais, 2002; Blaikie, Schönau et Steers, 2003). Même s’ils ne peuvent garantir la réussite de leurs élèves, les enseignants ont une influence considérable sur des variables qui affectent les apprentissages telles que le choix de matériaux didactiques, des environnements éducationnels et la variable qui nous intéresse particulièrement : La prise en compte des comportements des élèves en lien avec leurs styles cognitifs. Pour mieux les aider, notre recherche veut saisir les liens potentiels qui pourraient exister entre les styles cognitifs des individus créateurs et leurs préférences sur le plan de l’expression graphique, plus spécifiquement au regard du langage plastique. En d’autres mots, nous souhaitons fournir des marqueurs utiles à la différenciation pédagogique adaptée aux styles cognitifs (Baron-Cohen, 2005) des filles et des garçons en classe d’art. Nous empruntons des concepts délimités et mesurables qui constituent notre cadre de référence et proviennent des domaines de la psychologie cognitive et de l’enseignement des arts visuels. Notre recherche se fait auprès d’artistes professionnels et d’étudiants adultes en arts visuels, tous genres confondus. Nous mesurons chez eux, dans un premier temps, leurs styles cognitifs à l’aide du test RMET de Baron-Cohen (Ibid.). En rapport avec ces styles, nous tentons ensuite de dégager des marqueurs dans la démarche et les productions artistiques des individus. En d’autres mots, notre étude vise essentiellement à procurer des indicateurs fiables, aux chercheurs et aux enseignants en arts, quant au lien potentiel entre les styles cognitifs et le langage plastique. Ces précieux indicateurs pourront ensuite leur servir, entre autres, à la construction de modèles pédagogiques, d’environnements éducationnels ou d’activités adaptées aux styles des élèves masculins comme féminins. Au plan méthodologique, notre recherche adopte une approche quantitative, pragmatique, quasi expérimentale et exploratoire (Lefrancois, 1997; Kothari, 2004; Grawitz, 1988; Larose, Bédard, Couturier, Grenon, Lavoie, Lebrun, Morin, Savard et Theis, 2011). Notre mode d’analyse se base sur la vérification de faits observables et sur une prise de décision scientifique se servant de techniques statistiques inférentielles (Saporta, 2011; Field, 2009). Notre approche s’appuie donc sur une variable dépendante liée au style cognitif des participants et sur une vingtaine de variables indépendantes liées au langage plastique. Nos résultats démontrent qu’au moins un indicateur de style cognitif ressort significativement dans le langage plastique, soit la variation chromatique. Suite à notre question : Dans les éléments de langage plastique des créateurs en arts visuels, peut-on observer des indicateurs de styles cognitifs? La réponse s’est avérée positive et fiable sur au moins une variable : la couleur. En effet, suite à nos analyses statistiques inférentielles, la variation chromatique est ressorti comme un indicateur très significatif de style cognitif et celui qui ressort le plus de nos résultats. Nous avons clairement mesuré que les individus qui décodent moins bien les émotions chez les autres démontrent une préférence pour des variations de couleurs plutôt monochromes, alors que les individus plutôt empathiques démontrent une préférence pour des univers surtout multichromes. Nous avons mesuré une forte habileté à reconnaitre et à discriminer les émotions, autant chez nos artistes professionnels que chez nos sujets étudiants universitaires. D’autres variables analysées, comme le genre, l’éducation ou l’âge ne se sont pas avérées des indicateurs fiables de styles cognitifs particuliers.

Le sport comme espace de reproduction et de contestation des représentations stéréotypées de la féminité

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le sport comme espace de reproduction et de contestation des représentations stéréotypées de la féminité

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

La question des stéréotypes sexuels dans les aspirations professionnelles des filles et des garçons de 4e et 5e secondaire

Cet essai traite de la présence des stéréotypes sexuels en rapport avec les aspirations professionnelles des filles et des garçons de 4e et 5e secondaire. Ainsi, malgré le fait que divers travaux de recherche se sont penchés sur les facteurs d’influence des choix d’orientation d’élèves du secondaire, peu d’études se sont spécifiquement attardées à considérer la place qu’occupent les stéréotypes sexuels dans les aspirations professionnelles de ces jeunes. Pour ce faire, une analyse des aspirations professionnelles recueillies l’aide du Questionnaire de maturité vocationnelle (QMV) (Fangeaux, Gingras, Yergeau, Yergeau et Thériault, 2014; Gingras, Yergeau et Bolduc, 2014) administré à 1416 jeunes a été effectuée de façon globale et en fonction du genre. Cette démarche a permis de procéder au classement des aspirations professionnelles des filles et des garçons selon le secteur de la formation professionnelle et technique représenté ainsi qu’en fonction de la profession mentionnée. Les résultats démontrent que ces élèves ont tendance à indiquer des aspirations professionnelles qui se retrouvent dans certains secteurs du monde du travail en particulier et que la majorité de celles-ci réfèrent à des stéréotypes sexuels. En ce sens, les filles aspirent généralement à des professions et des secteurs du monde du travail qui sont traditionnellement féminins alors que pour les garçons, ces secteurs et professions sont dans la plupart des cas, traditionnellement masculins. D’autres recherches pourraient être menées afin quantifier l’influence des stéréotypes sexuels sur les aspirations professionnelles de ces jeunes ainsi que pour vérifier si ceux-ci se maintiennent ou non dans le temps.

At breaking point? Challenges for Australian film policy through the lens of genre (horror) films

Cultural policy settings attempting to foster the growth and development of the Australian feature film industry in era of globalisation are coming under increasing pressure. Global forces and emerging production and distribution models are challenging the “narrowness” of cultural policy – mandating a particular film culture, circumscribing certain notions of value and limiting the variety of films produced through cultural policy driven subvention models. Australian horror film production is an important case study. Horror films are a production strategy well suited to the financial limitations of the Australian film industry with competitive advantages for producers against international competitors. However, emerging within a “national” cinema driven by public subsidy and social/cultural objectives, horror films – internationally oriented with a low-culture status – have been severely marginalised within public funding environments. This paper introduces Australian horror film production, and examines the limitations of cultural policy, and the impacts of these questions for the Producer Offset.

Trouble and autoethnography in assessment genre : a case for postnational design in online internationalized pedagogy

This chapter is interested in the difference between local places with implicit codes and more global spaces with explicit directions, through the case study of the design and conduct of assessment in an online internationalized MBA unit. Online learning is understood to offer new ways of belonging in 'postnational' communities less reliant on locality for their frames of reference. This study reports and analyses firstly a series of troubles which erupted over the international students' desire for more explication of the desired genre for their assessment task. Then it analyses the different, 'autoethnographic' genre structure that emerged when students started to acknowledge the diverse backgrounds within the class.The chapter then offers practical considerations for the design of online internationalized programs.

Contradictions : Genre, causal layered analysis and analysis of institutional change

In what follows, I put forward an argument for an analytical method for social science that operates at the level of genre. I argue that generic convergence, generic hybridity, and generic instability provide us with a powerful perspectives on changes in political, cultural, and economic relationships, most specifically at the level of institutions. Such a perspective can help us identify the transitional elements, relationships, and trajectories that define the place of our current system in history, thereby grounding our understanding of possible futures.1 In historically contextualising our present with this method, my concern is to indicate possibilities for the future. Systemic contradictions indicate possibility spaces within which systemic change must and will emerge. We live in a system currently dominated by many fully-expressed contradictions, and so in the presence of many possible futures. The contradictions of the current age are expressed most overtly in the public genres of power politics. Contemporary public policy—indeed politics in general-is an excellent focus for any investigation of possible futures, precisely because of its future-oriented function. It is overtly hortatory; it is designed ‘to get people to do things’ (Muntigl in press: 147). There is no point in trying to get people to do things in the past. Consequently, policy discourse is inherently oriented towards creating some future state of affairs (Graham in press), along with concomitant ways of being, knowing, representing, and acting (Fairclough 2000).

Rethinking genre studies through distribution analysis : issues in international horror movie circuits

The existence of any film genre depends on the effective operation of distribution networks. Contingencies of distribution play an important role in determining the content of individual texts and the characteristics of film genres; they enable new genres to emerge at the same time as they impose limits on generic change. This article sets out an alternative way of doing genre studies, based on an analysis of distributive circuits rather than film texts or generic categories. Our objective is to provide a conceptual framework that can account for the multiple ways in which distribution networks leave their traces on film texts and audience expectations, with specific reference to international horror networks, and to offer some preliminary suggestions as to how distribution analysis can be integrated into existing genre studies methodologies.

Towards an understanding of Australian genre cinema and entertainment : beyond the limitations of ‘Ozploitation’ discourse

While Australian cinema has produced popular movie genres since the 1970s, including action/adventure, road movies, crime, and horror movies, genre cinema has occupied a precarious position within a subsidised national cinema and has been largely written out of film history. In recent years the documentary Not Quite Hollywood (2008) has brought Australia’s genre movie heritage from the 1970s and 1980s back to the attention of cinephiles, critics and cult audiences worldwide. Since its release, the term ‘Ozploitation’ has become synonymous with Australian genre movies. In the absence of discussion about genre cinema within film studies, Ozploitation (and ‘paracinema’ as a theoretical lens) has emerged as a critical framework to fill this void as a de facto approach to genre and a conceptual framework for understanding Australian genres movies. However, although the Ozploitation brand has been extremely successful in raising the awareness of local genre flicks, Ozploitation discourse poses problems for film studies, and its utility is limited for the study of Australian genre movies. This paper argues that Ozploitation limits analysis of genre movies to the narrow confines of exploitation or trash cinema and obscures more important discussion of how Australian cinema engages with popular movies genres, the idea of Australian filmmaking as entertainment, and the dynamics of commercial filmmaking practises more generally.