Sal: uma abordagem sobre o elemento material na obra de arte

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)

Mulheres recipientes: recortes poéticos do universo feminino nas artes visuais

Mais um lançamento da Coleção Propg Digital, por meio do selo Cultura Acadêmica, Mulheres recipientes se configura como uma obra de grande sensibilidade ao realizar a interseção entre a arte e os sentimentos femininos. Resultado da dissertação de mestrado de Flavia Leme de Almeida, é necessário destacar que este livro não se restringe às generalidades de “estudos de gênero”. A proposta aqui extrapola este conceito. A autora faz uma análise múltipla: como a mulher enxerga a vida e como ela se expressa? Como o feminino aparece na arte? A partir destas questões fundamentais ela vai até os povos ancestrais, desvelar as primeiras esculturas votivas de evocação à fertilidade. Em seguida, faz um estudo de artistas mulheres contemporâneas, evidenciando como cada uma exprime suas angústias e experiências através de suas obras, destacando Frida Khalo, Louise Bourgeois, Celeida Tostes, entre outras. Por fim, Flavia Leme faz uma autoavaliação do próprio trabalho como artista, exprimindo seu processo de criação. Mulheres recipientes realiza um estudo corajoso, que não hesita em revelar para o leitor as aflições, pensamentos e projeções do feminino. Ao analisar a arte, este livro toca no íntimo de muitas mulheres e descobre experiências que não poderiam ser conhecidas de outra forma

Ponciá Vicêncio e Becos da memória de Conceição Evaristo: construindo histórias por meio de retalhos de memória

Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq)

Mestre Galdino: o ceramista poeta de Caruaru - PE

Pós-graduação em Artes - IA

Artista/Câmara de maravilhas

Pós-graduação em Artes - IA

Uma abordagem de isometria em sala de aula

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)

Estudo comparativo in vitro da resistência à remoção de grampos circunferenciais aplicados sobre dentes íntegros e restaurados com resina composta

An experimental study was undertaken in arder to find out lhe behavior of the required force to yield dislodgement of circumierential clasps of removable partial dentures ou two groups of samples. 1 with retentive terminais engaging and acting ou enamel 2 with retentive terminais engaging on enamel and acting on composite resm With this aim a device was designed based on a sewing machine (brand name Elgin) that could repeatedly simulate lhe introduction-removal movement of circunferencial clasps ou the samples. ln addiction the device had a platform to sustain the samples and permit measurements, a cycle counter and a dynamometer. The samples were constructed by inclusion in dental stone of extracted natural molar teeth whose retentive areas were ou natural enamel or composite resin addictions.The clasps were fabricated from wax ups of resin and wax and were cast with chromium cobalt alloy. The composite resin used was one of the last generation, monomodal type, photopolymerized and binded to the enamel by the acid etching technique. Tests were carried out in aqueous enviroment. Is was established a maximum of 5.000 cycles for each of the samples. Observatins were made from 100 to 100 cycles until 2.000 and from 200 to 200 cycles to 5.000. Results showed that variations in the amount of the required force for dislodgement of the clasps from the samples during the test periods had no significancy eather to those with retentive areas on the enamel or to those with retentive fabricated with addictions of composite resin

A utilização da tecnologia nas artes, design e engenharia, como ferramenta de vanguarda e sustentabilidade

Art can be understood as a process in which knowledge is used to perform certain skills. From Latin ARS, technical means and / or ability, in Greece, there was the word art, but "Tekne", which originated from the word "technical." So art and technique are present in sculptures, paintings, shoes or ships. In this sense, designers, engineers and all professionals who use technology can be called artists. Considerations must be made regarding the level of energy embedded in the material from its production until its use, even considering recycling, sustainability and life cycle of materials. This study aimed to present the use of scanning technology and 3D virtual modeling and its application in prototyping with CNC (Computed Numerical Control) as a tool in current use cutting-edge courses in arts, design and engineering and their relations with sustainability.

Entre o sonoro e o visual: relações e processos nas artes

Pós-graduação em Artes - IA

Escultura pública en Gran Canaria entre 1980-2010: recursos didácticos para la enseñanza de algunos procedimientos escultóricos usados en ellas

Programa de doctorado: Formación del Profesorado.

Uruguay. 8 de marzo 2012. El tiempo es ahora

Montevideo, 8 de marzo 2012_ Continúan las movilizaciones por Aborto legal en Uruguay. En la víspera del 8 de marzo un centenar de militantes sociales están en la calle principal de Montevideo para colocar el tema del aborto en el centro de las actividades que se realicen en la ciudad con motivo del 8 de marzo, Día Internacional de las Mujeres. Son hombres y mujeres, la mayoría muy jóvenes, con mucho entusiasmo están colocando en estos momentos manitos y lazos naranjas en los alrededores del Teatro Solís, en la Plaza Cagancha y en la Explanada de la Universidad. Socrates, Cervantes y Dante están a favor de la legalización del aborto. También las esculturas de El Gaucho, El David y el monumento a Blanes lucen manos y telas naranjas. Las tres cuadrillas llenas de telas, cartones y manos naranjas colorean y distorsionan la típica panorámica nocturna de 18 de julio. Hay mucha esperanza y convicción. Se les nota en la cara. Mientras avanzan conversan fuerte. Dicen que vale la pena el esfuerzo, que es necesario que en este 8 de marzo la atención ciudadana pueda ser colocada en el aborto, en lo necesario que es cambiar la legislación. La demanda es clara: aborto legal en Uruguay. El tiempo es ahora. Coordinadora por el aborto legal.

Max Bill: variaciones sobre la búsqueda de la belleza

Max Bill es un artista lógico. Quince variaciones sobre el mismo tema 1938, podría ser el epítome de la lógica de Bill: la obra como resultado de la aplicación de leyes distintas sobre una estructura de orden. La gran diversidad formal de la obra de Max Bill –entre sus diseños de objetos, su tipografía, su pintura, su escultura o su arquitectura no parece haber líneas formales evidentes- se debe a que, para él, cada tarea es diferente y depende de medios y leyes propios. Una diversidad que podría ser erróneamente interpretada como un tipo de eclecticismo. Su conferencia en el Werkbund suizo de 1948 “belleza de la función, belleza como función”, se aleja del discurso funcionalista al proponer la belleza como una igual al resto de funciones. Cada obra ha de satisfacer la finalidad para la que ha sido construida y cumplir todas las funciones que en ella intervienen pero, además, ha de ser bella. La particularidad de Bill estriba en que, reconociéndose a sí mismo como un artista lógico, incluye la belleza como una más de las funciones a cumplir por cualquier objeto. Su famoso aforismo en relación a la configuración del entorno, desde la cuchara a la ciudad, incluiría la arquitectura en el ámbito de los objetos que han de cumplir esta nueva función. La búsqueda de la belleza será una constante en su obra. No una belleza generalizable y determinada a priori, sino una belleza entendida como predicado singular, individualizada para cada tarea. De este modo, podemos analizar, alternativamente, la belleza lógica de sus construcciones geométricas y la belleza simbólica de sus monumentos; la belleza del espacio sin fin en las superficies de una sola cara y la belleza prefabricada en sus más austeras realizaciones; la belleza elemental de sus esculturas y la belleza corriente con que sus arquitecturas se integran en la ciudad. Podemos plantearnos la posibilidad de una belleza de la estructura y entender simultáneamente la belleza cruda de su obra maestra, los edificios de la Escuela de Ulm. La búsqueda de la belleza nos ayudará a entender que, en la obra de Bill, la razón intuitiva -como modo de conocimiento- toma mayor importancia de la que parece. La forma como suma de todas las funciones en unidad armónica, será el resultado de un adecuado equilibrio entre razón lógica y razón intuitiva. ABSTRACT Max Bill is a logical artist. We could consider “Fitfteen variations on the same theme”, 1938, as the Bill’s logic epitome: the work as a result of the application of different tectonic laws on the order structure. The variety of the form in Bill’s work –his designed objects, his typography, his painting, his sculpture, or his architecture do not seem to have, between them, a direct line connecting the form- is due to the fact that, for him, each task is different and it depends on the own means and tectonic laws. A kind of diversity that could be misinterpreted like certain type of eclecticism. His lecture at the Suisse Werkbund (1948) “beauty from function and as function” is far from the functionalist speech, when proposing beauty as an equal to the rest of functions. In his own words, each work has to satisfy the purpose it was built for and fulfill all functions, and furthermore it has to be beautiful. Seeing himself as a logical artist, Bill however introduces beauty as one more of the functions that any object has to fulfill. His famous aphorism related to the environment management, from the spoon to the city, would include architecture as one more of the objects that have to satisfy this new function. The pursuit of beauty is a constant in his work. It won’t be a general beauty determined in advance, but a singular predicate, individualized for each task. That way, we can analyze, alternatively, the logical beauty of his geometric constructions and the symbolical beauty of his monuments; the beauty of the endless space in the single-sided surfaces and the prefabricated beauty in his most stricts constructions; the elemental beauty of his sculptures and the ordinary beauty with which some of his architectures are integrated in the city. We can also try the possibility of a beauty from the structure and understand, at the same time, the raw beauty of his architectural masterpiece, the buildings of the Ulm School of Design. The pursuit of beauty in Bill’s work will help us to understand that intuitive reason, as a way of knowledge, takes more importance than it seems. Form, as the harmonious expression of the sum of all functions, will be the result of an appropriate balance between logical and intuitive reason.

Horizonte construido. Tramsformación del paisaje en la Casa Huarte

La Casa Huarte (Madrid, 1966) representa, ante todo, una actuación en el paisaje. Mediante una transformación topográfica sus creadores, los arquitectos José Antonio Corrales y Ramón Vázquez Molezún, construyeron un lugar en el que el horizonte, entendido como el paisaje formado por el encuentro de planos donde converge nuestra mirada, fue modificado. Cuando esto ocurre se produce una alteración de la mirada del observador, se ?construye? un nuevo horizonte visual, que es en definitiva el horizonte de la arquitectura. En esta construcción del nuevo horizonte, en la creación de nuevas experiencias visuales, las esculturas situadas en los patios de la Casa Huarte se convirtieron en referencias visuales que alteraban los ángulos de visión previamente establecidos por la arquitectura. Las esculturas, también los árboles como esculturas naturales mutantes, incorporaban nuevos puntos de referencia en ese horizonte, entre la posición del observador y el infinito. Corrales y Molezún evolucionaron un sistema ya contrastado en proyectos anteriores (Instituto en Herrera de Pisuerga, Residencia en Miraflores, Pabellón de Bruselas) de relación de la edificación con el entorno y con el paisaje, donde alteraban la orografía natural del terreno esculpiendo unas plataformas artificialmente escalonadas en función de la modulación de la estructura de la edificación.

Lucentum, oy la ciudad de Alicante en el reyno de Valencia : relacion de las inscripciones, estatuas ... halladas entre sus ruinas ...

Sign.: [2], a-h4, i2

Vanguardias en competición. Aportaciones gráficas en los proyectos de van Doesburg, Gabo, Oteiza y Palazuelo

La exigente dinámica del concurso de arquitectura ha permitido integrar las investigaciones gráficas de territorios fronterizos al ensimismado mundo arquitectónico. Algunos autores plásticos han encontrado en este formato un nuevo escenario que trasciende las limitaciones de su soporte habitual, desde el que dotar a su andamiaje teórico de una dimensión urbana. En esta comunicación se pretende analizar esta enriquecedora alianza establecida entre diversas corrientes artísticas y el proyecto gráfico presentado en los concursos. Para ello se han escogido cuatro proyectos no realizados que ilustraban las emergentes teorías de las vanguardias europeas del siglo XX. En el proyecto presentado en 1924 para una galería comercial con café-restaurante en La Haya, Theo van Doesburg y Cornelis van Eesteren ejemplarizaban las premisas del neoplasticismo. Con las variantes axonometrías se atisban el principio astático, y la coloración selectiva de planos que desvela la armonía de las relaciones arquitectónicas. Naum Gabo entregó en 1931 su propuesta para el Palacio de los Soviets en Moscú, donde pone en juego las sinergias compositivas de sus esculturas constructivistas en la narración gráfica, siguiendo su sistema estereométrico. Dentro del panorama nacional, destaca el concurso para el Monumento a José Batlle en Montevideo, presentado por Jorge Oteiza y Roberto Puig en 1958. Oteiza pretendía mostrar la desocupación del espacio por medio de una esencialidad geométrica, por lo que se sirve de alzados lejanos de apariencia analítica. Finalmente se escoge la propuesta presentada en 1961 por Pablo Palazuelo junto a su hermano Juan, Fernando Aguirre y Ramón Melgarejo para un hotel en Madrid. Intervino en la definición de la envolvente con un intenso trabajo en planta y en la representación perceptiva final. Tomando como base los trabajos de los referentes internacionales, se pretende desvelar las conexiones ocultas que se establecen con dos de las figuras más importantes del ámbito artístico español del pasado siglo. Para esta investigación se emplearán los fondos gráficos inéditos que he estado catalogando para la Fundación Pablo Palazuelo.