Del cinematógrafo a los multicines: arquitectura para el séptimo arte en Alicante

El presente artículo efectúa un recorrido por los 100 años de salas de cine y cinematógrafos (1895-1996) de la ciudad de Alicante desde el punto de vista arquitectónico y urbano. Se distinguen cuatro fases: 1) La época efímera (1895-1920) de barracones desmontables, 2) la época dorada (1920-50) de grandes cinemas en la edad del cine sonoro y en color, 3) la época comercial (1950-80) de grandes cines dentro de los edificios y 4) la época de la reconversión (1980-1995) de minicines y multisalas. Se trata de un estudio tipológico que analiza la evolución del tipo de cine dentro de las tipologías arquitectónicas y en relación a las morfologías urbanas donde se inserta. La reflexión se pone en paralelo con los avances del cine: mudo, en BN, sonor, a color, en cinemascope y formato tv, así como se traen a colación cuestiones relativas al espacio, la publicidad, el ocio y los hábitos sociales.

Os espectadores de cinema em Portugal nos últimos 40 anos: o caso da cidade de Bragança

O número de espetadores de cinema tem variado ao longo dos tempos. Nos últimos 40 anos, em Portugal, o sentido é globalmente descendente devido sobretudo à internet e às novas tecnologias de comunicação. Esta informação pode ser comprovada com os números fornecidos pela base de dados “ Pordata” e por alguns estudos realizados nesta área. O cinema é uma arte em constante mudança e que influencia a sociedade, mas é ao mesmo tempo influenciado por ela, constituindo mesmo o seu autorretrato. Sem a interação com a sociedade contemporânea a sétima arte não evolui nem desperta paixões. Este facto pode determinar os altos e baixos na história do cinema

Identities and oppressions: Jean-Claude Lauzon's Léolo (1992)

This article approaches the fragmentation of identities characteristic of contemporary Western societies through the 1992 film Léolo by Jean-Claude Lauzon. Although it does explore linguistic, social, religious and ethnic divisions, this major piece of the Quebec repertoire recasts the sociolinguistic conflict between vernacular and formal practices (Labov 1972; Blanche-Benveniste 2002), raising questions of status and choice. This conflict is subsumed by the dialectics between primary and secondary culture. The cultural and linguistic opposition finds a primary metaphor in the film's central motif of the duality of dream and reality. No more than the cultural and linguistic can this opposition find a synthesis. This impossible reconciliation defines the constitutive rupture of the human psyche itself.

The manufacture and utilisation of architectural terracotta and faience.

The revival of terracotta and faience in British architecture was widespread, dramatic in its results and, for two decades, the subject of intense debate. However the materials have been frequently denigrated and more generally disregarded by both architects and historians. This study sets out to record and explain the rise and fall of interest in terracotta and faience, the extent and nature of the industry and the range of architectural usage in the Victorian, Edwardian and inter-war periods. The first two chapters record the faltering use of terracotta as an 'artificial stone', until the material gained its own identity, largely through the appreciation of Italian architecture. In the mid-Victorian period, terracotta will be seen to have become symbolic of the philosophy of the Victoria and Albert Museum and its Art School in attempting to reform both architecture and the decorative arts. The adoption of terracotta was furthered as much by industrial as aesthetic factors; three chapters examine how the exploitation of coal-measure clays, developments in the processes of manufacture, the changing motivation of industrialists and differing economics of production served to promote and then to hinder expansion and adaptation. The practical values of economy, durability and fire-resistance and the aesthetic potential, seen in terms of colour and decorative and sculptural modelling, became inter-related in the work of the architects who made extensive use of architectural ceramics. A correlation emerges between the free Gothic style, exemplified by the designs of Alfred Waterhouse and the use of red terracotta supplied from Ruabon, and between the eclectic Renaissance style and a buff material produced by different manufacturers.These patterns were modified as a result of the adoption of faience for facing external walls as well as interiors, and because of the new architectural requirements and tastes of the twentieth century. The general timidity in exploiting the scope for polychromatic decoration and the increasing opposition to architectural ceramics is contrasted with the most successful schemes produced for cinemas, chain-stores and factories. In the last chapter, those undertaken by the Hathern Station Brick and Terracotta Company between 1896 and 1939 are used as a case study; they confirm that manufacturers, architects and clients were all committed to creating a modern and yet decorative architecture, appropriate for new building types and that would appeal to and be comprehensible to the public.

Du western au crépusculaire : textualités et narrativités du genre pour une approche de l'image-fin

Notre étude porte le western crépusculaire et cherche plus précisément à extraire le « crépusculaire » du genre. L'épithète « crépusculaire », héritée du vocabulaire critique des années 1960 et 1970, définit généralement un nombre relativement restreint d'œuvres dont le récit met en scène des cowboys vieillissants dans un style qui privilégie un réalisme esthétique et psychologique, fréquemment associé à un révisionnisme historique, voire au « western pro-indien », mais qui se démarque par sa propension à filmer des protagonistes fatigués et dépassés par la marche de l'Histoire. Par un détour sur les formes littéraires ayant comme contexte diégétique l’Ouest américain (dime-novel et romans de la frontière), nous effectuons des allers et retours entre les formes épique et romanesque, entre l’Histoire et son mythe, entre le littéraire et le filmique pour mieux saisir la relation dyadique qu’entretient le western avec l’écriture, d’une part monumentale et d’autre part critique, de l’Histoire. Moins intéressée à l’esthétique des images qu’aux aspects narratologiques du film pris comme texte, notre approche tire profit des analyses littéraires pour remettre en cause les classifications étanches qui ont marqué l’évolution du western cinématographique. Nous étudions, à partir des intuitions d’André Bazin au sujet du sur-western, les modulations narratives du western ainsi que l’émergence d’une conscience critique à partir de ses héros mythologiques (notamment le cow-boy). Notre approche est à la fois épistémologique et transhistorique en ce qu’elle cherche à dégager du western crépusculaire un genre au-delà des genres, fondé sur une incitation à la narrativisation crépusculaire de la part du spectateur. Cette dernière, concentrée par une approche deleuzienne de l’image-cristal, renvoie non plus seulement à une conception existentialiste du personnage dans l’Histoire, mais aussi à une mise en relief pointue du hors-cadre du cinéma, moment de clairvoyance à la fois pragmatique et historicisant que nous définissons comme une image-fin, une image chronogénétique relevant de la contemporanéité de ses figures et de leurs auteurs.

Power, Arab media Moguldum & gender rights as entertainment in the Middle East

Discourse is a giant field of research and gender related rights are still a disputed area of thinking. Thus, when Arab transnational satellite televisions produce dialogues, images, stories and narratives about the disputed “universal” gender rights in the Middle East, the big questions remain how and why. According to De Beauvoir (1949), one becomes woman and to Butler (1990) one is not born a gender at all but is “done” and “undone” to become one via discourse. Islamic feminism speaks of a cultural/religious specificity in defending women rights and even gender diversity based on new Quranic interpretations. The gender, “Al-Naw’u”, remains synonym to sex “Al Jins” as gender and queer theories never developed in Arabic in tandem with the European institutions or the theories of the19th century– especially those ideas emerging from studies of the mental asylum. This research tries to understand gender related “rights” and “wrongs” as manifest in the discursive institutions owned by media mogul Prince Al Waleed Ben Talal Al Saud. The trouble of such a study is lexical, ideological and institutional at the same time. Since we lack a critique of the discourses and narratives addressed in the pan-Arab satellite channels, in general it is difficult to understand their significance and influence in everyday life practices. What language is used to speak of gender rights or wrongs? Which ideology is favoured in this practice of legitimisation and/or policing? Using case studies, CDA of social and religious talk shows, narrative analysis of Arabic cinemas, this research adapted triangulation to show the complexity of conversing and narrating gender related content at the micro and macro levels within an institution of power. Using semi-structured interviews from fieldwork in Egypt (2009) and Lebanon (2011), archive research and online ethnography, the research exposes the power structure under which gender discourses evolve. It emerges that gender content is abundant on the Pan Arab satellite space, “manufactured” on talk shows and plotted tactfully in the cinematic “creative-act”. The result is a complex discourse of gender content that scratches the surface calling for interpretation. So how and why do gender rights and wrongs find place on Prince Al Waleed’s Media Empire?

Screening the RSC stage: the 2014 Live from Stratford-upon-Avon cinema broadcasts

During the Royal Shakespeare Company's 2014 summer season, both parts of Henry IV and The Two Gentlemen of Verona were presented as Live from Stratford-upon-Avon broadcasts in cinemas around the world. This article presents a case study of these broadcasts, drawing on the author's observations and insights as their producer as well as interview contributions from those involved in both the stage and screen presentations. Recognising that the hybrid form of “live cinema” performance has developed rapidly over the past five years but is as-yet little-documented, the study develops an analytical approach to its creative processes and to its aesthetics. This discussion is combined with a consideration of the history of earlier screen adaptations of RSC productions at Stratford-upon-Avon. The article details the stages of the production process for the Live from Stratford-upon-Avon broadcasts in 2014 and considers the ways in which the broadcast teams collaborate with the casts and creative teams of the theatre productions. In addition, the article explores processes of adaptation in the journey from stage to screen, the poetics of multi-camera presentation and questions of “live-ness”, the social experience of viewing performance in the cinema, and possible developments for live theatre on screen.

Víctor Erice en la Escuela Oficial de Cinematografía. Elogio de la incomunicación

Aunque Víctor Erice es uno de los directores españoles más estudiados del cine español, sus trabajos en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, que más tarde pasará a llamarse Escuela Oficial de Cinematografía, no se han analizado en profundidad. Salvo su práctica de tercer curso, Los días perdidos, el resto de los cortometrajes y los guiones escritos se han considerado obras menores, piezas sin importancia relevante o directamente títulos extraviados. Sin embargo, estos trabajos se encuentran en buen estado en el archivo de la Escuela Oficial de Cine custodiado por la Filmoteca Española. De Víctor Erice se conservan cuatro cortometrajes y cinco guiones cinematográficos para piezas breves. En este artículo, resumen de una investigación realizada sobre dicho material inédito, se quiere mostrar cómo estas obras presentan un valor en sí mismas y deben ser analizadas como parte importante de la filmografía de este autor. En todos estos trabajos, sin dejar de ser ejercicios de escuela, se muestra la mirada de un cineasta pleno. Así, existen elementos que serán clave en el posterior universo temático y estético de Víctor Erice. Además, el creador aborda como problemática central de sus prácticas el tema de la comunicación humana, o más propiamente el de la incomunicación. En los guiones y los cortometrajes cata­logados de la etapa en la EOC se observa cómo Erice, influenciado en parte por Michelangelo Antonioni, investiga estéticamente el modo de narrar y mostrar los procesos que conducen a la incomunicación y al aislamiento de sus protagonistas.

No la toques más, Sam : algunas notas sobre Adorno y el cine

En este artículo se trata de apuntar algunas de las líneas fundamentales que guían la crítica que Th.W. Adorno llevó a cabo sobre el mundo cinematográfico en vinculación a su reflexión sobre la industria cultural. Adorno abordó el cine desde múltiples perspectivas, que van desde el ámbito musicológico (gracias a su trabajo colaborativo con Hanns Eisler) hasta el sociológico (relacionado con textos tan importantes como Dialéctica de la Ilustración, que escribió a cuatro manos con Max Horkheimer). Uno de los objetivos de este artículo es el de relativizar la extendida idea del disgusto que le produjo el cine al filósofo alemán, tratando de justificar su postura con respecto al séptimo arte en el contexto de su obra completa.

Symbiotic Cities: Buenos Aires, Montevideo, and Mass Culture, 1910-1960

This dissertation examines how Buenos Aires emerged as a creative capital of mass culture and cultural industries in South America during a period when Argentine theater and cinema expanded rapidly, winning over a regional marketplace swelled by transatlantic immigration, urbanization and industrialization. I argue that mass culture across the River Plate developed from a singular dynamic of exchange and competition between Buenos Aires and neighboring Montevideo. The study focuses on the Argentine, Uruguayan, and international performers, playwrights, producers, cultural impresarios, critics, and consumers who collectively built regional cultural industries. The cultural industries in this region blossomed in the interwar period as the advent of new technologies like sound film created profitable opportunities for mass cultural production and new careers for countless theater professionals. Buenos Aires also became a global cultural capital in the wider Hispanic Atlantic world, as its commercial culture served a region composed largely of immigrants and their descendants. From the 1920s through the 1940s, Montevideo maintained a subordinate but symbiotic relationship with Buenos Aires. The two cities shared interlinked cultural marketplaces that attracted performers and directors from the Atlantic world to work in theatre and film productions, especially in times of political upheaval such as the Spanish Civil War and the Perón era in Argentina. As a result of this transnational process, Argentine mass culture became widely consumed throughout South America, competing successfully with Hollywood, European, and other Latin American cinemas and helping transform Buenos Aires into a cosmopolitan metropolis. By examining the relationship between regional and national frames of cultural production, my dissertation contributes to the fields of Latin American studies and urban history while seeking to de-center the United States and Europe from the central framing of transnational history.

Du western au crépusculaire : textualités et narrativités du genre pour une approche de l'image-fin

Notre étude porte le western crépusculaire et cherche plus précisément à extraire le « crépusculaire » du genre. L'épithète « crépusculaire », héritée du vocabulaire critique des années 1960 et 1970, définit généralement un nombre relativement restreint d'œuvres dont le récit met en scène des cowboys vieillissants dans un style qui privilégie un réalisme esthétique et psychologique, fréquemment associé à un révisionnisme historique, voire au « western pro-indien », mais qui se démarque par sa propension à filmer des protagonistes fatigués et dépassés par la marche de l'Histoire. Par un détour sur les formes littéraires ayant comme contexte diégétique l’Ouest américain (dime-novel et romans de la frontière), nous effectuons des allers et retours entre les formes épique et romanesque, entre l’Histoire et son mythe, entre le littéraire et le filmique pour mieux saisir la relation dyadique qu’entretient le western avec l’écriture, d’une part monumentale et d’autre part critique, de l’Histoire. Moins intéressée à l’esthétique des images qu’aux aspects narratologiques du film pris comme texte, notre approche tire profit des analyses littéraires pour remettre en cause les classifications étanches qui ont marqué l’évolution du western cinématographique. Nous étudions, à partir des intuitions d’André Bazin au sujet du sur-western, les modulations narratives du western ainsi que l’émergence d’une conscience critique à partir de ses héros mythologiques (notamment le cow-boy). Notre approche est à la fois épistémologique et transhistorique en ce qu’elle cherche à dégager du western crépusculaire un genre au-delà des genres, fondé sur une incitation à la narrativisation crépusculaire de la part du spectateur. Cette dernière, concentrée par une approche deleuzienne de l’image-cristal, renvoie non plus seulement à une conception existentialiste du personnage dans l’Histoire, mais aussi à une mise en relief pointue du hors-cadre du cinéma, moment de clairvoyance à la fois pragmatique et historicisant que nous définissons comme une image-fin, une image chronogénétique relevant de la contemporanéité de ses figures et de leurs auteurs.

Figure(s) de sang : amours secrètes, troubles fratries et « miscégénation » dans The Searchers, The Unforgiven et The Missing

International audience

Mulheres negras e (in)visibilidade : imaginários sobre a intersecção de raça e gênero no cinema brasileiro (1999-2009)

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2016.

Poïétique de la création sonore au cinéma : la figure de l’artiste-poïéticien

Nous proposons, dans ce mémoire, d’explorer les possibilités pratiques et pédagogiques d’une approche autopoïétique de la création sonore au cinéma. Notre principal souci sera de saisir les modalités de l’ascèse propre aux artistes qui se livrent à une telle activité, comprise comme un « apprentissage de soi par soi » (Foucault), afin de faire celui qui peut faire l’œuvre (processus de subjectivation), et le rôle descriptif et opératoire de cet exercice - en tant qu’effort pour penser de façon critique son propre savoir-faire -, dans le faire-œuvre et l’invention de possibles dans l’écriture audio-visuelle cinématographique. Pour ce faire, d’une part, nous étudierons, à partir de témoignages autopoïétiques, le rapport réflexif de trois créateurs sonores à leur pratique et leur effort pour penser (et mettre en place) les conditions d’une pratique et d’une esthétique du son filmique comme forme d’art sonore dans un contexte audio-visuel, alors qu’ils travaillent dans un cadre normalisant : Randy Thom, Walter Murch et Franck Warner. D’autre part, nous recourrons à différentes considérations théoriques (la théorie de l’art chez Deleuze et Guattari, la « surécoute » chez Szendy, l’histoire de la poïétique à partir de Valéry, etc.) et pratiques (la recherche musicale chez Schaeffer, la relation maître-apprenti, les rapports entre automatisme et pensée dans le cinéma moderne chez Artaud et Godard, etc.), afin de contextualiser et d’analyser ces expériences de création, avec l’objectif de problématiser la figure de l’artiste-poïéticien sur un plan éthique dans le sillage de la théorie des techniques de soi chez Foucault.