Creative adaptations: Integrating Feldenkrais principles in contemporary dance technique to facilitate the transition into tertiary dance education

As conservatoire-style dance teaching has traditionally utilised a hierarchical approach through which the student must conform to the ideal requirements of the conventional technique, current discourse is beginning to question how dance training can develop technical acuity without stifling students' ability to engage creatively. In recent years, there has been growing interest in the field of somatics and its relationship to tertiary dance training due to the understanding that this approach supports creative autonomy by radically repositioning the student's relationship to embodied learning, skill acquisition, enquiry and performance. This research addresses an observable disjuncture between the skills of dancers graduating from tertiary training and Australian dance industry needs, which increasingly demand the co-creative input of the dancer in choreographic practice. Drawing from Action Research, this paper will discuss a project which introduces somatic learning approaches, primarily from Feldenkrais Method and Hanna Somatics, to first-year dance students in their transition into tertiary education. This paper acknowledges previous research undertaken, most specifically the Somdance Manual by the University of Western Sydney, while directing focus to the first-year student transition from private dance studio training into the pre-professional arena.

Researching effective approaches to cleaning in hospitals: Protocol of the REACH study, a multi-site stepped-wedge randomised trial

Background The Researching Effective Approaches to Cleaning in Hospitals (REACH) study will generate evidence about the effectiveness and cost-effectiveness of a novel cleaning initiative that aims to improve the environmental cleanliness of hospitals. The initiative is an environmental cleaning bundle, with five interdependent, evidence-based components (training, technique, product, audit and communication) implemented with environmental services staff to enhance hospital cleaning practices. Methods/design The REACH study will use a stepped-wedge randomised controlled design to test the study intervention, an environmental cleaning bundle, in 11 Australian hospitals. All trial hospitals will receive the intervention and act as their own control, with analysis undertaken of the change within each hospital based on data collected in the control and intervention periods. Each site will be randomised to one of the 11 intervention timings with staggered commencement dates in 2016 and an intervention period between 20 and 50 weeks. All sites complete the trial at the same time in 2017. The inclusion criteria allow for a purposive sample of both public and private hospitals that have higher-risk patient populations for healthcare-associated infections (HAIs). The primary outcome (objective one) is the monthly number of Staphylococcus aureus bacteraemias (SABs), Clostridium difficile infections (CDIs) and vancomycin resistant enterococci (VRE) infections, per 10,000 bed days. Secondary outcomes for objective one include the thoroughness of hospital cleaning assessed using fluorescent marker technology, the bio-burden of frequent touch surfaces post cleaning and changes in staff knowledge and attitudes about environmental cleaning. A cost-effectiveness analysis will determine the second key outcome (objective two): the incremental cost-effectiveness ratio from implementation of the cleaning bundle. The study uses the integrated Promoting Action on Research Implementation in Health Services (iPARIHS) framework to support the tailored implementation of the environmental cleaning bundle in each hospital. Discussion Evidence from the REACH trial will contribute to future policy and practice guidelines about hospital environmental cleaning. It will be used by healthcare leaders and clinicians to inform decision-making and implementation of best-practice infection prevention strategies to reduce HAIs in hospitals. Trial registration Australia New Zealand Clinical Trial Registry ACTRN12615000325​505

Self and peer review in dance classes using personal video feedback

Many forms of formative feedback are used in dance training to refine the dancer’s spatial and kinaesthetic awareness in order that the dancer’s sensorimotor intentions and observable danced outcomes might converge. This paper documents the use of smartphones to record and playback movement sequences in ballet and contemporary technique classes. Peers in pairs took turns filming one another and then analysing the playback. This provided immediate visual feedback of the movement sequence as performed by each dancer. This immediacy facilitated the dancer’s capacity to associate what they felt as they were dancing with what they looked like during the dance. The often-dissonant realities of self-perception and perception by others were thus guided towards harmony, generating improved performance and knowledge relating to dance technique. An approach is offered for potential development of peer review activities to support summative progressive assessment in dance technique training.

A escrita do corpo na psicose.

Ao longo desta tese, investiga-se a relação do sujeito com o corpo, em especial na clínica da psicose que, em decorrência do mecanismo da foraclusão que marca essa estrutura, não é regido por uma norma fálica, sendo problemática a construção da ficção de um corpo próprio. Examina-se a hipótese de que as práticas corporais, na psicose, são tentativas do sujeito de inscrever um corpo, correlativas às tentativas de estabilização. Para isso, se percorrem as concepções de corpo, bem como o funcionamento da estrutura da psicose na obra de Sigmund Freud e Jacques Lacan. As práticas corporais como tentativas de fazer marcas se diferenciam quanto à sua complexidade, desde os cortes à criação artística, mas têm em comum a urgência de uma escrita pulsional, que não cessa de não se escrever. Verifica-se que o sinthoma é a forma princeps de suplência simbólica, que por meio da arte, poderá dar um suporte simbólico ao corpo. A perspectiva oferecida pela concepção de sinthoma transforma o psicótico em um artesão, que, por meio de um artifício poderá inventar aquilo que fará uma estabilização. Através do conceito de corpo dançante de Didier-Weill, analisa-se o caso do bailarino Nijinsky para que se discuta o possível alcance da criação artística para a psicose. Conclui-se que a criação artística poderá ser uma saída de mestre, onde o psicótico poderá fazer mestria de sua arte e, juntamente com ela, inventar uma nomeação para si, assim como um lugar no discurso que poderá fazer laço social. Assim, o trabalho permanente encontrado na psicose constitui-se em uma possibilidade de entrada do discurso analítico. Se há um trabalho do lado do analista com relação à psicose, é no acolhimento dessas tentativas de inscrição, como escritas da psicose.

Discriminação e preconceito no universo balé clássico

Nessa dissertação, procuro compreender como são construídas algumas formas de discriminação racial no mundo do balé clássico. Ou seja, como ser negro ou ser branco é um diferencial nesse contexto, e como esta discriminação é subjetivamente experimentada pelos bailarinos negros. O estudo qualitativo realizado teve por base as entrevistas realizadas com bailarinos daquele universo, que me ajudaram a compor o quadro das relações vivenciadas, revelando reciprocidades e disputas. O ponto de partida desse estudo foi a minha própria trajetória neste universo e a análise das biografias de Eros Volúsia, dançarina brasileira que se projetou internacionalmente, através de coreografias próprias, inspiradas na cultura brasileira e de Mercedes Baptista, a primeira bailarina negra a pertencer ao corpo de baile do Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Meu foco principal foram as relações sociais construídas no contexto do balé clássico, bem como as estruturas de poder. Apostei na ideia de que estas se constituíam em um bom caso para se pensar como determinadas modalidades de relações raciais se apresentam no Brasil.

On the way to 'duende' (through Lorca's 'Elogio de Antonia Merce, 'la Argentina', 1930)

This article analyzes how Lorca develops the concept of ‘duende’, finding a crucial missing link in the Elogio de Antonia Mercé, ‘la Argentina’ (1930). ‘Duende’ crystallizes around 1929/1930 when the poet explicitly takes into account the art of the dancer in performance. Three aspects of performance are singled out and systematically traced through Lorca's evolving reflections on popular art and the struggle of the modern artist to create the new – from his first lecture on the cante jondo in 1922 to the Arquitectura del cante jondo (1930) and finally Juego y teoría del duende (1933). The conclusion is drawn that it is in the performance and reception of a text – whether it is heard or read – that the artist's agonistic stand between tradition and modernity, repetition and singularity, is played out, in an invitation to the listener or reader to celebrate his or her mortality.

Marie Sallé as muse, Handel's music for mime

Considers Handel's musical response to a dancer-choreographer in line with then-current styles of dance

'Dancing at the English Opera':'Marie Salle's letter to the Duchess of Richmond

A letter from dancer Marie Salle to her patroness dated 1731 reveals her ambitions to dance at the English opera.

'Michel Blondi'

Highlights the significance of this dancer-choreographer to musicologists.

Performer as perceiver: perceiver as performer

The proposition in the title of this paper is intended to draw a link between psychological processes involved in aesthetic gestural performance (e.g. music, dance) for both performers and perceivers. In the performance scenario, the player/dancer/etc., perceptually guides their actions, and acquires the skill for a performance through their previous perceptions. On the other side, the perceiver watching, listening to and experiencing another’s motor performance, simulates the actions of the performance within the range of their own motor capabilities. These phenomena are possible due to common mechanisms of action and perception, and in tandem provide the basis for the rich experience of gestural performance.
This paper reviews evidence for these claims, using examples from the domains of music and dance performance. Questions that arise from these propositions are addressed and suggested empirical explorations of these ideas are given. Further problems in incorporating these theories about gestural performance experience within Enaction are highlighted for future discussion.

Efeitos especiais mediados por Kinect em contexto de espetáculo de dança ao vivo

A dança e os espetáculos foram atividades desenvolvidas e praticadas pelo homem desde praticamente a sua existência. Ao longo de todo esse período de tempo e até aos dias atuais estas atividades foram sofrendo evoluções que as fizeram manterem-se relevantes e de grande importância na sociedade humana e na sua cultura. A evolução não se fez sentir apenas no estilo das danças e espetáculos mas também nos acessórios e efeitos que estas implementam de forma a torna-las mais atrativas para quem as vê. Apesar desta evolução, a maioria dos efeitos não permite um nível de interação com a dança ou espetáculo, fazendo com que exista uma clara separação entre a componente pura da dança e o cenário do espetáculo no que diz respeito á componente acessória de efeitos. Com o intuito de colmatar esta clara divisão de componentes, iniciamos um estudo no sentido de criar um sistema que permitisse derrubar essa barreira e juntar as duas componentes com o intuito de criar efeitos que interajam com a própria dança tornando o espetáculo mais interativo, e que não seja apenas mais um componente acessório, isto ao mesmo tempo torna todo o espetáculo mais apelativo para o público em geral. Para conseguir criar tal sistema, recorremos às tecnologias de sensores de movimento atuais para que a ponte de ligação entre o artista e os efeitos fosse conseguida. No mercado existem diversas ofertas de sensores de movimentos que serviriam para criar o sistema, mas apenas um poderia ser escolhido, então para tal numa primeira parte foi feito um estudo para determinar qual destes sensores seria o mais adequado para ser utilizado no sistema, tendo em conta uma diversidade de fatores. Após a escolha do sensor foi então desenvolvido o sistema MoveU e tendo no final sido feitos uma série de testes que permitiram validar o protótipo e verificar se os objetivos propostos foram atingidos. Por fim, o MoveU foi demonstrado a uma série de pessoas (dançarinos e espectadores), para que pudessem opinar sobre ele e indicar possíveis melhoramentos. Foram também criados uma série de questionários para que o público a quem foi demonstrado o protótipo, com a finalidade de realizar uma análise estatística para determinar se este sistema seria do agrado das pessoas e também permitir retirar conclusões sobre este trabalho.

La Petite danseuse de quatorze ans : une analyse de la fonction subversive de l’œuvre

La Petite danseuse de quatorze ans (1881) de l’artiste français Edgar Degas (1834-1917) représente et déforme plusieurs catégories sociales et artistiques de son époque. L’œuvre peut ainsi être lue comme une mise en abyme à la fois des changements sociaux et des peurs qu’ils suscitent quant aux redéfinitions du rôle et de la place de la sculpture dans l’art et de l’art, des classes sociales, de la science et de la femme dans la société qui s’opèrent dans la seconde moitié du 19e siècle. D’une mise en contexte de l’œuvre à une analyse de la figure de la ballerine, en passant par une lecture du monde de la poupée et de la criminalité, nous chercherons à montrer comment l’œuvre offre une lecture subversive des valeurs qui sous-tendent ces catégories structurelles du Paris industriel. Ce jeu des catégories fait de la Petite danseuse une œuvre instable et ambiguë à l’image, peut-être exacerbée, de la société. La sculpture de Degas joue avec et surtout entre ces divers pôles de la société parisienne, décloisonnant ceux-ci et proposant une autre façon de comprendre la société contemporaine. Prenant ancrage dans un discours critique postmoderne, féministe et postcolonialist, le présent travail se propose ainsi de réactualiser la fonction critique de l’œuvre.

La melancolía en Atlántida de Oscar Villegas : representación teatral del carácter nacional mexicano

Les images qui représentent le Mexicain le montrent habituellement sous les traits d’un être extrêmement mélancolique qui fait face à un destin tragique. Les nombreux mythes entourant le Mexicain, issus de la culture même, sont effectivement reliés de près ou de loin à la peur et la tristesse, soit deux composantes essentielles de la mélancolie. L’anthropologue Roger Bartra dans La jaula de la melancolía: identidad y metamorfosis del mexicano analyse ces éléments clés qui constitueraient la personnalité du Mexicain. L’objectif de cette recherche est de démontrer que Atlántida d’Oscar Villegas est l’œuvre par excellence qui représente cette mélancolie toute mexicaine. Dans sa pièce de théâtre, Villegas raconte l’histoire d’une jeune artiste de cabaret qui vit de nombreuses désillusions dans un monde vulgaire et pervers où les valeurs humaines font défaut. Le dramaturge met en scène le Mexico urbain des années quarante et montre le désespoir et l’impossibilité pour les habitants de ses quartiers pauvres de changer le cours de leur vie. En plus d’être une pièce de théâtre qui, tant au niveau de son contenu que de sa forme, porte en elle les marques de la mélancolie, Atlántida met en relief ces caractéristiques devenues au fil du temps représentatives de l’image nationale du Mexicain. L’étude de cette œuvre s’appuie sur les théories d’analyse du texte théâtral d’Anne Ubersfeld qui propose une approche centrée sur l’action et les conditions de communication contenues dans les dialogues. Faire le pont entre la pièce de théâtre de Villegas et l’essai de Bartra permet d’explorer le lien intrinsèque qui semble s’établir entre Mexicain et mélancolie.

Les cours de danse africaine à Montréal, émergence d’une production socioculturelle et esthétique

Ce mémoire traite de l’enseignement de la danse africaine en France et au Canada. Cette recherche a débuté en 2007, lorsque l’auteur a participé à un échange étudiant. À la fin de cette expérience, l’auteur en était arrivé à la conclusion que la danse africaine au Québec était abordée comme un bien de consommation et/ou une production socioculturelle relevant de l’imaginaire. La présente analyse explore les avantages et les limites de l’approche méthodologique adoptée par l’anthropologue (qui est, dans ce cas-ci, une ancienne danseuse classique), et les conditions de la rencontre entre les Africains et les occidentaux par la danse. Tandis qu’il reste à démontrer que les critiques postmodernes de l’art de masse s’appliquent dans ce cas-ci, l’analyse montre ici clairement que l’on trouve dans les cours de danse africaine au Québec une forme de conscience professionnelle. Les critiques de la danse et de d’autres formes de démocratisations artistiques tendent à se confondre dans la peur du discours populaire. L’objectif principal de cette recherche est par conséquent d’établir les limites du fétichisme par rapport à la danse africaine et d’explorer en détail les implications de la « hantise du Troisième Homme » communiquée par la recherche ethnographique et l’analyse anthropologique