Scénarios d’aveuglement dans la littérature d’Orhan Pamuk, d’Ernesto Sábato, et de José Saramago

Scénarios d’aveuglement dans la littérature d’Orhan Pamuk, d’Ernesto Sábato, et de José Saramago analyse trois œuvres importantes de trois auteurs contemporains : Mon nom est Rouge d’Orhan Pamuk ; « Rapport sur les aveugles » du roman Héros et tombes d’Ernesto Sábato ; et L’aveuglement de José Saramago. Malgré leurs différences, ces romans ont des points communs évidents, synthétisés dans la figure de l’aveuglement. Cette figure signale l’avènement, dans les textes, d’un régime de connaissance alternatif, centré moins sur le primat de la raison et du visuel que sur une nouvelle capacité cognitive, basée sur une logique spéciale du destin. L’aveuglement s’ouvre également sur une nouvelle compréhension de l’histoire, grâce à une capacité du récit de fiction qui passe par le point de fuite de la cécité. Pour Pamuk, l’aveuglement est le couronnement paradoxal d’une vision du monde, gravement mise en crise à la fin du XVIe siècle par le perspectivisme et le réalisme de la Renaissance, la voie d’entrée vers un monde imaginal qui n’est plus accessible à l’imaginaire occidental. Pour Sábato, il représente la variante renversée d’une quête de l’absolu qui passe par les antres de l’inceste, de l’enfer et du crime, tandis que le monde décrit par Saramago est un monde qui sombre sur la pente de la déchéance, en suivant une logique implacable. Il est l’équivalent de plusieurs formes de cécité qui menacent le monde contemporain, comme le fondamentalisme religieux, l’homogénéité préconisée par la société de masse, l’exclusion raciale, l’oppression idéologique. La thèse se divise en trois parties, La violente beauté du monde, Un mythe hérétique de la caverne et Une épidémie à cause inconnue, chacune d’entre elles analysant l’œuvre d’un auteur, mais établissant également des liens avec les autres chapitres. L’approche adoptée est interdisciplinaire, un croisement entre études littéraires, philosophie et histoire de l’art. Dans leur quête de nouveaux concepts et de nouvelles formes de pensée qui s’écartent du modèle rationnel dominant de la modernité, les trois auteurs partent de la présupposition que regarder les choses n’est pas du tout l’équivalent de voir les choses. Ils tentent d’articuler une logique du voir qui ressemble plutôt à la vision et à la clairvoyance qu’à la conformité logique. La figure de l’aveuglement sert de tremplin vers le monde imaginal (Pamuk), la pensée magique (Sábato) et la vision dystopique (Saramago) – des espaces ontologiquement différents où les auteurs mènent leurs attaques contre la rationnalité à tout prix. C’est précisément ces espaces que nous avons choisi d’explorer dans les trois romans. Nous soutenons également que ces trois textes proposent un nouveau régime de « connaissance » qui met en question les règles de pensée héritées de la Renaissance et surtout des Lumières, qui constituent un discours dominant dans la culture visuelle et philosophique moderne.

Ὁ ἐν οὐρανῷ Ἅιδης : la naissance du purgatoire dans l'Antiquité

Le but de la présente thèse est d’étudier les témoignages sur la doctrine de l’« Hadès ouranien » du IVe siècle avant J.-C. au VIe siècle après J.-C. et de dégager les éléments essentiels. L’« Hadès ouranien », traduction de l’expression ὁ ἐν τῷ οὐρανῷ ᾍδης, est un thème de pensée qui caractérise tout un millénaire de la philosophie et de la religion de l’Antiquité païenne. En traitant ce thème historico-religieux, on se veut le plus complet possible mais tout en étant prudent envers nos sources, qui sont fragmentaires et qui proviennent, pour la majorité, de la tradition platonico-péripatéticienne et de ses commentateurs. Aussi, s’efforce-t-on de montrer que l’Hadès ouranien est un lieu de purification pour l’âme et donc, un purgatoire. D’une manière générale, notre recherche est la première entièrement consacrée au sujet de l’Hadès ouranien et à son évolution durant l’Antiquité. Pour ce faire, sur la base d’une approche contextualisée, nous croyons devoir distinguer en réalité trois lieux où l’Hadès céleste a été situé : il y a d’un côté l’emplacement dans la Voie Lactée (Héraclide du Pont) ; il y a aussi un effort, assez divers en ses formes, de situer ce Purgatoire entre la Lune et la terre ou aux alentours de la Lune (les académiciens, les stoïciens, Cicéron, Virgile, Plutarque, les écrits hermétiques) ; finalement, Numénius et les néoplatoniciens latins l’ont situé entre la sphère des fixes et la terre. Quant à l’évolution des éléments qui constituent notre thème, la thèse montre que le platonisme et le néoplatonisme ont fourni un milieu propice pour le développement et la propagation dans l’empire gréco-romain des doctrines sur l’Hadès céleste. De plus, ces mouvements ont aidé à la spiritualisation progressive de cet espace purgatoire. Par ailleurs, on établira certaines caractéristiques de notre thème : l’échappée de l’âme hors du corps, l’allégorie physique et la division, ontologique et physique, entre les mondes sublunaire et supralunaire. Dans une première partie, on traitera de la doctrine de l’Hadès ouranien dans l’ancienne Académie platonicienne (Héraclide, Xénocrate, Philippe d’Oponte) et dans le stoïcisme. La deuxième partie est consacrée à l’analyse du Purgatoire chez Plutarque de Chéronée. La doctrine du Purgatoire selon Cicéron et Virgile et chez leurs interprètes néoplatoniciens, ainsi que dans l’hermétisme et le gnosticisme sera traitée dans la troisième partie. Dans la quatrième et dernière partie, on explorera la doctrine du Purgatoire dans le Oracles chaldaïques et dans les écrits de Proclus, particulièrement dans son Commentaire sur la République de Platon.

L’allégorie nationale à l’épreuve du cinéma : le cas d’Iracema

Cette étude s’inscrit dans un questionnement entourant les notions d’identité nationale et de construction allégorique. Elle s’inscrit également dans une problématique touchant les questions de la matérialité de la littérature et du cinéma. Dans la première partie de cette recherche, nous allons d’abord définir les notions d’allégorie et d’allégorie nationale. Par la suite, à partir de l’histoire d’Iracema, nous allons questionner deux œuvres qui travaillent la rencontre entre une autochtone et un blanc de manière distincte. La première œuvre est Iracema : lenda do Ceará de José de Alencar, un écrivain connu du XIXe siècle au Brésil. Véritable allégorie nationale de fondation, cette œuvre cherche à unir allégoriquement les différences sociales pour fonder une identité qui serait brésilienne. Le film Iracema : uma transa amazônica reprend cette histoire de construction nationale dans un contexte de dictature et montre ses contradictions et ses limites. En mettant l’accent sur les travailleurs et les marginalisés de l’imaginaire national, le film altère la sensibilité visuelle des spectateurs. Puisque l'oeuvre de Bodansky et Senna se situe à la limite entre le documentaire et la fiction, nous avons posé notre regard sur les résistances qu’offrent des images documentaires à l’interprétation allégorique de la nation.

Ordnung hilffen. Vorreformatorische Geschlechterordnung: Erste deutsche Bibel und Der Ackermann aus Böhmen

Die Dissertation leistet einen Beitrag zur Konstruktion von Geschlechterverhältnissen in der Ehe vor der Reformation. Untersucht werden zwei Texte des 15. Jahrhunderts: Die sogenannte Erste deutsche Bibel (EDB) und die Dichtung Der Ackermann aus Böhmen von Johannes von Tepl. Die Wort-für-Wort-Analyse beider Texte hat aus der zeitgebundenen deutschen Sprachgestalt spezifi-sche Denkfiguren erschlossen. Zentral ist die Gestaltung des Verhältnisses zwischen Gott und Menschen als Rechtsbeziehung Lehen. Das erste Kapitel analysiert und interpretiert die für Ehe- und Geschlechterkonzepte grund-legenden Aussagen von Genesis 1 - 4,1 und den Kanon der fünf Weisheitsbücher der EDB mit folgenden Ergebnissen: 1. Die EDB ist als Rechtsbuch zu lesen, dessen Zentrum die göttliche Herrschaft mit ihrer Rechts-ordnung ist. In diesem Rahmen wird für Mann und Frau die Ordnung Paar definiert. 2. Beide Geschlechter sind gleichwertig. Das kommt in ihren jeweiligen Handlungsfeldern (Werkordnungen) zum Ausdruck. 3. Der Begriff hilffen für die Ehefrau bedeutet Hilfe zum Heil ihres Mannes und eine spezifische Gottesnähe. Dies ist ein entscheidender Unterschied zu Luthers Bibelübersetzung, welche die Frau als untergeordnete Gehilfin des Mannes gestaltet. (Anhang III stellt die EDB-Verse der Lu-therübersetzung von 1545 gegenüber.) 4. Der Sündenfall wird als Rechtsbruch beschrieben, der den Wechsel von der Schöpfungsord-nung im Paradies zur Weltordnung auslöst, die mit den Urteilen Gottes über Frau und Mann beginnt (Genesis 3). Die Urteile fassen die Ehe in einem Diagonalkreuz, welches vier Faktoren untrennbar verbindet: Herrschaft mit Unterordnung sowie hilffen (Gebären) mit Tod. Die Ge-schlechterunterschiede sind konstituierend für die Ehe im Diagonalkreuz. In der EDB lassen sich drei Paarkonstellationen unterscheiden: die Ehe im Diagonalkreuz zwischen dem guten weib und dem weisen Mann, die Ehe ohne Diagonalkreuz zwischen dem un-weib und dem unweisen Mann und die nichteheliche Geschlechterbeziehung zwischen dem gemeinem weib und dem ee-brecher. Das zweite Kapitel der Dissertation vergleicht die alttestamentarischen Ehekonzepte der EDB mit denen der Dichtung Ackermann aus Böhmen. Die rhetorische Form des Streitgesprächs zwischen Witwer und hern Tot zeigt die Struktur eines deutschrechtlichen Prozesses. In diesem Rahmen gewinnen die gegensätzlichen Aussagen über die Ehe die Bedeutung von Rechtspositionen, die in konträren göttlichen Herrschaftsordnungen verortet werden. Die vom Witwer vertretene Herrschaftsordnung beruht auf der alttestamentarischen Rechtsordnung der EDB, während die Positionen des hern Tot diese Rechtsordnung verkehren, indem er die Herrschaftsordnung der Welt als sein Eigen definiert. Ein weiteres Ergebnis des Vergleichs zwischen der EDB und dem Ackermann aus Böhmen ist, dass sowohl die alttestamentarischen Bücher als auch die Dichtung Rechtsfiguren präsentieren. Entscheidend sind in beiden Texten die Urteile Gottes, die jeweils einen Paradigmenwechsel kon-stituieren. In der EDB wird nach dem Sündenfall die (paradiesische) Rechtsordnung in die Rechtsordnung ee gewandelt. Im Ackermann wird die alttestamentarische Rechtsordnung ee der EDB durch die ordenung Tod ersetzt, mit der zugleich die Ordnung Paar nicht mehr gilt. Die Urtei-le Gottes in der EDB definieren das Paar als zweigeschlechtlichen Menschen, das Urteil im Ackermann charakterisiert zwei Einzelmenschen: Mann oder Frau. Damit wird die zentrale Bedeutung der Ehefrau als hilffen zum Heil ihres Mannes aufgehoben, weil die wechselseitige Angewiesenheit von Mann und Frau nicht mehr gegeben ist. Insofern ist hier ein wichtiger Schritt zum reformatorischen Eheverständnis zu erkennen.

Alegoría e historia en La hoguera bárbara (Del Historiador y el Ensayista)

El autor estudia La hoguera bárbara como texto inscrito en una doble tradición de la literatura latinoamericana, vigente hasta los años 60: reconstruye la vida de un caudillo, aspirando a refundar el sentido de lo nacional, y, por otro lado, problematiza los límites entre historia y literatura, en tanto el texto es alegoría de lo nacional y narrativa biográfica. La hoguera bárbara plantea una visión histórica en la que el héroe ocupa el lugar central, tiene un claro carácter nacionalista, lo que permite comprender la recuperación de este personaje histórico después del conflicto con el Perú de 1941. Más allá de su valor literario, el autor propone que La hoguera bárbara sea leída como un texto histórico.

Constructing Melchior Lorichs's 'Panorama of Constantinople'

In Constructing Melchior Lorichs's Panorama of Constantinople, Nigel Westbrook, Kenneth Rainsbury Dark, and Rene Van Meeuwen propose that Melchior Lorichs's 1559 Panorama of Constantinople was created by using a viewing grid. The panorama is thus a reliable graphic source for the lost or since-altered Ottoman and Byzantine buildings of the city. The panorama appears to lie outside the conventional symbolic mode of topographical depiction common for its period and constitutes a rare "scientific" record of an encounter of a perspicacious observer with a vast subject. The drawing combines elements of allegory with extensive empirical observation. Several unknown structures, shown on the drawing, have been located in relation to the present-day topography of Istanbul, as a test-case for further research.

Panaméricas Utópicas: entranced and transient nations in 'I Am Cuba' and 'Land in Trance'

This Chapter looks at two political films, Land in Trance (Glauber Rocha, 1967) and I Am Cuba (Mikhail Kalatozov, 1964), which address the subject of the nation through the enactment of trance. Rejecting all forms of naturalistic account, both films adopt a series of anti-realist devices, such as poetic language, synecdoche, personification, parable and allegory, as a means of expanding the concept of the nation beyond territorial borders and conveying the meaning of revolution through the film form rather than its content.

Paraméricas Utópicas: entranced and transient nations in "I Am Cuba" (1964) and "Land in Anguish" (1967)

This article examines the astonishing similarities between two political films, Land in Trance (Glauber Rocha, 1967) and I Am Cuba (Mikhail Kalatozov, 1964). Both address the subject of revolution through the enactment of trance. Both reject all forms of naturalistic account, adopting a series of anti-realist devices, such as poetic language, synecdoche, personification, parable and allegory, as a means of expanding the concept of the nation beyond territorial borders and conveying the meaning of revolution through the film form, rather than its content. Because there is no evidence that Glauber Rocha had seen I Am Cuba before he shot Land in Trance, these coincidences are treated as an intellectual 'transit' between film-makers whose art was fuelled by cinephilia and the belief in the reality of the film medium.

Femininity, feminism and the terrorist

This chapter aims to discuss the relationship between femininity and representations of women involved in violence, focussing on visual representations. Miranda Alison has made the point that the repeated necessity to qualify the term 'combatant' with the descriptor 'female' draws attention to how women soldiers, female freedom fighters, female suicide bombers and female terrorists are exceptional figures. That the female combatant or the female terrorist is an aberration or a deviation from a masculine norm is undermined by the lengthy history of women as warriors, fighters, and terrorists. In that sense it is not so much that fighting women are rare but that there is amnesia within cultural memories concerning the woman fighter. However, in representations of conflict, the dominant image associated with femininity is passive; that is as the defenceless and the defended, or as the allegory of peace. Moreover, representations of men in wars as defeated or wounded means feminising such figures. Miriam Cooke, in her Women and the War Story, 1996, points out how a mythic war story provides men with political roles, in the politikon or public arena, whereas women are domesticated in the space of the oikon. In the mythic war story women may function as Mater Dolorosa, Patriotic Mother or Spartan Mother. It follows then that there are conditions in which it is permissible to represent women fighting on behalf of their children or in defence of the home, and in the absence of men. These images are also found in wider culture: Sarah Connor in Terminator or Ripley in Alien, for example. Images of the female terrorist raise new issues but I want to argue that it is also the case that discussing femininity and the terrorist must involve relating such imagery to representations of the female warrior over a longer timespan. Some questions have shifted since the late twentieth century. Dating from the early 1990s, most Western nations increasingly incorporated women into combat roles within their armed forces. This paper will aim to unpick some of the intricate connections between the increasing presence of women in the armed forces, what relationship this has to emancipation and the participation of women in violence classed as terrorist.

Class Struggle, Elitism and Social Collectivism in Ngugi wa Thiong’o’s Devil on the Cross : A Marxist Approach

Ngugi wa Thiong’o’s Devil on the Cross represents both an insightful interpretation and a scathing critique of Kenyan politics and society during the period of neo-colonialism. The present thesis aims to explore, with the help of Marxist ideology and criticism, the relevance of the issues of class struggle, elitism and social collectivism in the novel. At the same time, this study will attempt to define Devil on the Cross as a "national allegory" depicting situations that are common to almost all post-colonial societies, and in particular, how the novel's ideological and political commitment is an important feature as it reflects Ngugi’s effort to draw attention to how Kenya and Africa as a whole suffered from imperialism, neo-colonialism, and a corrupt and greedy capitalist society.

Vinicius de Moraes e Shelley: um exercício de desleitura .

Using Harold Bloom s methodology known as dialectical revisionism we undertake the task of misreading of Vinícius de Moraes (1913- 1980) poems Poética (1950), Operário em construção (1955), Poética II (1960) against Percy Bysshe Shelley (1792-1822) and his poem A Song: Men of England, suggesting that the Brazilian poet trammeled a battle with his poetic triad, in which Operário em Construção is Vinicius s main weapon. It is suggested here that each one of Vinícius´poem represents a step of what Bloom calls anxiety of influence . The misreading proposed confronts the themes and the imagery of the poems, arguing that Shelley and Vinícius are similar when they approach exploitation and working class consciousness according to the Dialectic Marxism pattern, and that Vinícius´s poem was not only inspired by Shelley s, but using one of the strategies suggested by Bloom, he corrects the ideological flaws of Shelley s poem. It is also discussed the possibility that both poems are inspired by Plato´s (428-7 a 348-7 a.C.) allegory of the cave, his concept of justice and the moral construction of the polis defended in A República. Thus, considering the process of misreading, these five poems constitute what Bloom calls a family romance , which is characterizes the phenomenon of melancholy of creativity

Olhar em terra de cego: a visualidade em Ensaio sobre a Cegueira

"Looking at earth from blind: travel in the visuality of the test on Blindness" is a literary Essay resulted from the experience of different points of view regarding the Essay on Blindness (1996), not only showing a Modern aesthetical tendency in dialog with the Baroque one, but also discussing subjects related to the History of Mentalities. The chapters are disposed as follows: The first one presents a short Excursus about the author and his work; the second one introduces the concept of Allegory exemplifying it with representative images of Romance; the third one presents tragic elements in dialog with the Bataille Eroticism in an Allegory of Feeling; the fourth one shows Stylistic Features used as a display mean of Comedy in Romance going towards the musicalness, being the features used to provoke laugh; the fifth and last one discusses about the study pertinence. To conclude, in favor of a Sight Education, the study considered authors such as: Ariès (1977), Bataille (2003), Bakhtin (2002, 2000, 1999), Benjamin (2000, 1996), Chauí (2005, 2000), Foucault (2006, 2005, 2004, 2002), Freud (1970), Hansen (2006), Lino (2004), Sartre (2005), Vovelle (1996)

O FRAGMENTO EM TUTAMÉIA E NO LIVRO SOBRE NADA

This study is connected to the research line Poéticas da Modernidade e Pós -Modernidade, of the Programa de Pós-Graduação em Estudos da Linguagem, in the subarea: Comparative Literature - CCHLA/UFRN. Its main goal is to see fragmentation of writing as an aesthetic resource highlighted in the work of Tutaméia by Guimarães Rosa (1908-1967), and in Livro sobre nada by Manoel de Barros (1916). We undertake as a starting point the view that these works are allegorical expressions. We have as a basis the German philosopher Walter Benjamin (1984) conception about baroque allegory, that uses amorphous fragment and constitutes a dialectical expression, in which each person, each thing, each relation, may mean any other one (1984, p. 196). We see the stylistic features as used by Guimarães Rosa and by Manoel de Barros in the construction of poetics capable of breaking the boundaries between artistic genres, literary and discursive, adding oral, musical and plastic elements to writing. We also analyze the development of fragmentary poetics, in which the voice of the narrator/lyrical I, the characters, space, plot and time exhibit the fragment as a factor that contributes to the great ambiguity of the two works and to create a new language, performative and vibrant, rich in alluring images, allegories

O Ateneu e a nostalgia na forma

The actual study proposes Raul d‟Ávila Pompéia‟s O Ateneu (1888) among the most significant works in Brazilian Literature panorama, according to the perspective of verbal materiality of the Romanesque genre under a form nostalgia sign that, in its turn, ascends to the archaic origin poetry of fable. Along with large rereading of pertinent bibliography, it is gone here toward narrator Sergio‟s crônica de saudades on pursuit of showing it, firstly, as poetic language allegory updated in the novel technique; secondly, as radical metalanguage that still renders problematic several aspects of modern fictional prose

A perfeição da justiça em Platão uma análise comparativa entre a alegoria da linha dividida e os personagens d A República

The allegory of the divided line presents one structure that divides itself into four levels of reality. Two of them move in the world of appearances or opinion, and the others into the world of being or intelligibility: eikasia and pistis, and dianoia and noesis. The difficulty is the following: if there are four levels of reality each with their respective objects that are apprehended according to a type of knowledge involved, is there an interpretation of the justice according to each level? Accordingly, our intention, after presenting the types of knowledge in the allegory of the divided line, is to demonstrate how the justice is comprehended at each level of reality. We understand that Plato uses the characters to represent levels involving different types of knowledge. The characters are Cephalus, Polemarchus, Thrasymachus, Glaucon, Adimantus and Socrates, and the comprehension about what is the justice at each level follows what these characters understand justice to be