Intermediales Erzählen im zeitgenössischen Bilderbuch

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Green: Exploring the aestheticized use of chroma-key techniques and technologies in two intermedial productions

Peggy Shaw’s RUFF, (USA 2013) and Queensland Theatre Company’s collaboration with Queensland University of Technology, Total Dik!, (Australia 2013) overtly and evocatively draw on an aestheticized use of the cinematic techniques and technologies of Chroma Key to reveal the tensions in their production and add layers to their performances. In doing so they offer invaluable insight where the filmic and theatrical approaches overlap. This paper draws on Eckersall, Grehan and Scheer’s New Media Dramaturgy (2014) to reposition the frame as a contribution to intermedial theatre and performance practices in light of increasing convergence between seemingly disparate discourses. In RUFF, the scenic environment replicates a chroma-key ‘studio’ which facilitates the reconstruction of memory displaced after a stroke. RUFF uses the screen and projections to recall crooners, lounge singers, movie stars, rock and roll bands, and an eclectic line of eccentric family members living inside Shaw. While the show pays tribute to those who have kept her company across decades of theatrical performance, use of non-composited chroma-key technique as a theatrical device and the work’s taciturn revelation of the production process during performance, play a central role in its exploration of the juxtaposition between its reconstructed form and content. In contrast Total Dik! uses real-time green screen compositing during performance as a scenic device. Actors manipulate scale models, refocus cameras and generate scenes within scenes in the construction of the work’s examination of an isolated Dictator. The ‘studio’ is again replicated as a site for (re)construction, only in this case Total Dik! actively seeks to reveal the process of production as the performance plays out. Building on RUFF, and other works such as By the Way, Meet Vera Stark, (2012) and Hotel Modern’s God’s Beard (2012), this work blends a convergence of mobile technologies, models, and green screen capture to explore aspects of transmedia storytelling in a theatrical environment (Jenkins, 2009, 2013). When a green screen is placed on stage, it reads at once as metaphor and challenge to the language of theatre. It becomes, or rather acts, as a ‘sign’ that alludes to the nature of the reconstructed, recomposited, manipulated and controlled. In RUFF and in Total Dik!, it is also a place where as a mode of production and subsequent reveal, it adds weight to performance. These works are informed by Auslander (1999) and Giesenkam (2007) and speak to and echo Lehmann’s Postdramatic Theatre (2006). This paper’s consideration of the integration of studio technique and live performance as a dynamic approach to multi-layered theatrical production develops our understanding of their combinatory use in a live performance environment.

Reduction of dislocations in GaN epilayer grown on Si (111) substrates using a GaN intermedial layer

GaN intermedial layers grown under different pressures are inserted between GaN epilayers and AlN/Si(111) substrates. In situ optical reflectivity measurements show that a transition from the three-dimensional (3D) mode to the 2D one occurs during the GaN epilayer growth when a higher growth pressure is used during the preceding GaN intermedial layer growth, and an improvement of the crystalline quality of GaN epilayer will be made. Combining the in situ reflectivity and transmission electron microscopy (TEM) measurements, it is suggested that the lateral growth at the transition of growth mode is favourable for bending of dislocation lines, thus reducing the density of threading dislocations in the epilayer.

Between “the Housewife” and “the Philosophy Professor”: Music, Narration and Address in Ousmane Sembene's Xala

The acclaimed Senegalese filmmaker Ousmane Sembene conceptualised himself as a modern day griot (West African oral performer), producing often didactic films that address a diverse spectatorship. Examining Xala, this paper argues that this address cannot be fully understood without attention to the film’s complex music/image relationships, which refigure classical and modernist film aesthetics to mobilise a discourse that recalls oral performance. In this way, Sembene negotiates the tensions of address generated by a spectatorship that is situated in the culturally hybrid spaces between the literate and the oral, the urban and the rural, and the global and the local.

Self, mémoire épisodique et narration chez l'enfant de 6 à 9 ans

Le self est une notion polysémique qui fait l'objet d'un consensus relatif dans plusieurs domaines, dont la psychologie du développement. Elle rend compte de la faculté de s'éprouver le même au fil du temps et de distinguer le « je » qui regarde du « moi » regardé. C'est le garant d'un sens de soi plus ou moins cohérent au fil du temps, en dépit des changements qui surviennent au cours de la vie. Le self combine des processus de réflexivité et d'intersubjectivité. Nous en avons analysé trois composantes fonctionnelles : la mémoire de travail, la mémoire épisodique et la narration, à partir d'un protocole expérimental témoignant de son ontogenèse chez des enfants de 6 à 9 ans (n=24 répartis en deux groupes de 6‐7 et 8-9 ans). Nous avons créé le « jeu informatique du lutin » qui propose un parcours semiorienté dans un monde imaginaire. C'est une narration de soi, opérant la mise en sens des temporalités et des espaces auxquels les événements se réfèrent. Deux semaines après cette « aventure », on recueille la narration des souvenirs épisodiques de cette histoire. Nous avons également utilisé un test de mémoire de travail visuospatiale non verbale. Des différences développementales affectent les dimensions narratives de la mémoire de l'épisode du jeu, comme l'efficacité de la mémoire de travail visuospatiale. Ces développements témoignent d'une augmentation de « l'épaisseur temporelle de la conscience» entre 6 et 9 ans. L'épaisseur de la conscience renvoie fondamentalement à la faculté du self de vivre le temps dans une cyclicité incluant le passé, le présent et le futur anticipé. Le développment observé élargit les possibilités de mettre en lien des mémoires et des scénarios futurs, tout comme les mises en sens des relations aux autres et à soi-­même. Self is a polysemic concept of common use in various scientific fields, among which developmental psychology. It accounts for the capacity to maintain the conviction to be « oneself », always the same through circumstances and throughout my life. This important function contributes in maintaining coherence and some sorte of Ariadne's thread in memory. To analyse the ontogeny of the self, we have focused upon three components : working memory, episodic memory and narration in children aged between 6 and 9 years. We used a non verbal working memory task. It was completed by a video game specially designed for our purpose, in which children were engaged in moving an elf in a landscape changing through seasons, in order to deliver a princess from a mischievous wizard. Two weeks after the game, the children had to tell what happened while they moved the elf. It is a self-narrative that creates a link‐up of temporality and spaces to which the events refer. The narrated episode was assessed for its coherence and continuity dimensions. Developmental differences affect the narrative dimensions of the memory of the episode of the game, as the effectiveness of visuospatial working memory. These developments show an increase in "temporal thickness of consciousness" between 6 and 9 years. The thickness of consciousness basically refers to the ability of the self to live in a cyclical time including past, present and anticipated future. The observed development broadens the possibilities to link memories and future scenarios, like setting sense of relations with others and with oneself.

La rencontre des contraires : attraction/narration et immersion/réflexivité dans le film en IMAX 3-D

Ce mémoire est consacré à la question de la réception spectatorielle des films en IMAX 3-D. Dans un premier temps, nous retracerons l’histoire du cinéma stéréoscopique, des origines jusqu’à l’inauguration de l’IMAX 3-D en 1986. Nous verrons que le modèle de l’attraction cinématographique s’est maintenu de tout temps dans l’économie de ce format, ce qui a contribué aux échecs de son institutionnalisation dans les années 50 et 80. En un deuxième temps, nous nous intéresserons à l’« expérience IMAX », afin de cerner la position qui y est attribuée au spectateur. Nous montrerons que les films IMAX misent à la fois sur leur potentiel immersif et sur la mise en évidence du dispositif. L’état d’immersion du spectateur entre donc en dialogue avec la réflexivité du médium. Par l’analyse des films Sea Monsters : A Prehistoric Adventure et Haunted Castle, il sera démontré que cette tension entre immersion et réflexivité sert un discours de glorification de l’IMAX. Aussi, nous interrogeons les liens entre la structure ponctuelle imposée par le modèle attractionnel et le fil narratif immanquablement mis en place dans les films IMAX.

Vers une poétique de la narration : films populaires et romance au cinéma bollywoodien des années 1990

Dans ce mémoire, nous étudions les productions bollywoodiennes issues de la foisonnante industrie du film de Mumbai. Nous explorons la forme populaire que ce cinéma propose et la nouvelle tendance qui émerge dans les années 1990, à travers laquelle se développent des représentations liées à la nouvelle classe moyenne indienne. Cette étude cherche à interroger les films les plus populaires des années 1990 afin de comprendre comment ils déploient leurs narratifs et leur narration. En procédant à des analyses descriptives et poétiques des récits, l’étude est principalement préoccupée par le traitement de la romance, un thème majeur de cette décennie. À travers ce thème, nous analysons les motifs narratifs, les procédés stylistiques, les détours de l’expression des sentiments ainsi que les dynamiques entre les sphères privée, publique et familiale. Essentiellement, nous mettons en lumière comment la distribution des informations narratives place le spectateur dans une position privilégiée organisant les plaisirs de sa participation aux films bollywoodiens.

Les nouveaux médias, ou, L’ère du labyrinthe intermédial

Avec l’émergence des nouveaux médias, une nouvelle façon de raconter les histoires s’impose. Les structures connues de l’esthétisme classique semblent désuètes par rapport aux dispositions des nouvelles plateformes de diffusion. Mieux encore, ces plateformes propulsent le récit, lui permettent de sortir de la rigidité de la ligne narrative : elles intègrent la technique au logos. L’intermédialité devient omniprésente; la diversité des types médiatiques employés dans une œuvre sont rendus visibles et sont articulés par la mise en récit. Méchoulan dira que dans l’« être-entre », dans l’espace reliant chacune des unités sémantiques, que l’événement de la pensée advient; pour Rodowick c’est le « figural ». Une figure particulière s’impose : le labyrinthe. Multipliant les possibilités narratives spécifiques aux nouveaux médias, le labyrinthe fait converger les composantes intermédiales. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, une œuvre dirigée par Norman Klein, pose le labyrinthe comme élément structurel en y tissant un réseau où s’inscrit une pratique intermédiale. On y adresse le temps comme une opération fragmentaire, qui se sectionne, se réorganise en rompant avec la linéarité classique. Il nous faudra alors voir comment le labyrinthe réfléchit dans l’étude du temps certains éléments de la mythologie grecque. Les réflexions de Gervais sur le labyrinthe permettront d’étayer pareille hypothèse. Nous analyserons Bleeding Through à la lumière de ces théories pour ainsi dégager l’essence de cette figure qui a infiltrée la narration contemporaine. En somme, le labyrinthe se présente dans l’écologie médiatique actuelle comme une figure inhérente à la mise en récit.