O som ao redor do baile: retomada e pós-retomada no cinema produzido em Pernambuco

This dissertation uncovers the path of Pernambuco’s independent cinema of the Retomada, of its production in the second half of the 1990s until mid 2012 when the sector manages to secure a funding edict (Funcultura) for its films and at the same time establishes a few symbolic mechanisms which contributed to the consolidation of a new cycle, the post-Retomada, namely: cinephilia and brodagem. Because it is a cinematography (pernambucana) outside the Rio-São Paulo axis, that is, outside the great center of the brazillian culture industry, the cinema produced in Pernambuco built a very specific modus operandi, in which a material basis, the consolidation of Funcultura, intercrossed with two symbolic practices feeding on each other, cinephilia and brodagem. In this regard, we seek not to establish the material perspective as the primary determination as opposed to the symbolic one. Futhermore, we followed the path of cinephilia in its direct commucation with the brodagem, and how both these logics pressured authorities to institute an incentive funding separated from other artforms in the state. From this point of view, we attempted to trace the trajectory of this cinematography in its external nuances, but also taking into account the internal nuances of its works of art (films). Following this, we created categories to define and distinguish the nuances of the Retomada and post-Retomada productions regarding ethical and aesthetical choices made by directors from both generations.

Para um cinema da crueldade em Antonin Artaud

Antonin Artaud (1896-1948) est un poète, acteur, dramaturge et écrivain français né à Marseille, mais dont la vie artistique se développe principalement à Paris. Artaud est l'auteur de la notion bien connue de Théâtre de cruauté, qui inspire encore aujourd'hui de nombreux groupes de théâtre dans différents coins du monde. Il a écrit sur le théâtre, la poésie, l'art, la philosophie, entre autres. De 1924-1935 est également dédié au cinéma, à la fois dans son théorique et pratique. Une étape un peu inconnu et peu exploré dans sa vie. Elle a joué dans 22 films avec certains des réalisateurs les plus importants dans le monde, et a laissé huit scénarios, dont un seul a été realizé, et huit écrits théoriques sur le cinéma. Cette thèse cherche à examiner précisément cette période insuffisamment étudié dans sa carrière, à partir de trois questions initiales: Artaud développé un sens de la cruauté au-delà du théâtre? Nous pouvons penser à la culture de la cruauté envers les films, en d‘autres termes, un cinéma de la cruauté ? Nous pouvons penser sur le sujet contemporain de cette culture? La réponse à ces trois questions est oui. L'idée de la pensée de la cruauté au cinéma est intervenue concomitamment à leurs expériences et élaborations de ce qu'il a appelé Théâtre de la cruauté. Les deux réflexions sont donnés concomitamment et de manière récursive. Plus que cela, toutes ses productions artistiques, dont la poésie et la peinture, ont été traversés par la notion de cruauté. Nous concluons que leurs élaborations sur un cinéma de la cruauté a eté interrompu au moment même que le développement technique a souligné la possibilité de sa réalisation. De plus, à l'enquête de son travail, nous pouvons voir que presque toute sa pensée a été préparé sous les images, de sorte que nous pouvons même parler d'une pensée cinématographique d‘Antonin Artaud. En conséquence, nous ne concevons pas sa théorie au septième art comme secondaire à leurs intérêts, comme le rapporte la plupart de ses commentateurs, mais absolument essentiel dans le développement de ses écrits, qui jusqu'à maintenant accumulé plus de deux mille pages. En outre, Artaud ne pense pas l'art pour l'art, mais seulement comme un dialogue fructueux et intensif avec l'homme et la culture. L‘art était l'instrument privilégié de proposer un diagnostic et une nouvelle façon de voir la société contemporaine. À travers le film il a imaginé la possibilité d'une reprise de forces éthico-esthétique-politiques perdus sous les décombres de la civilisation occidentale. L'établissement d'une nouvelle relation avec l'image, le sujet de la (post-) modernité pourrait sauver une puissance esthétique du corps et de la pensée que, réinterprété, agiraient envers eux-mêmes et le monde à réinventer.

Para um cinema da crueldade em Antonin Artaud

Antonin Artaud (1896-1948) est un poète, acteur, dramaturge et écrivain français né à Marseille, mais dont la vie artistique se développe principalement à Paris. Artaud est l'auteur de la notion bien connue de Théâtre de cruauté, qui inspire encore aujourd'hui de nombreux groupes de théâtre dans différents coins du monde. Il a écrit sur le théâtre, la poésie, l'art, la philosophie, entre autres. De 1924-1935 est également dédié au cinéma, à la fois dans son théorique et pratique. Une étape un peu inconnu et peu exploré dans sa vie. Elle a joué dans 22 films avec certains des réalisateurs les plus importants dans le monde, et a laissé huit scénarios, dont un seul a été realizé, et huit écrits théoriques sur le cinéma. Cette thèse cherche à examiner précisément cette période insuffisamment étudié dans sa carrière, à partir de trois questions initiales: Artaud développé un sens de la cruauté au-delà du théâtre? Nous pouvons penser à la culture de la cruauté envers les films, en d‘autres termes, un cinéma de la cruauté ? Nous pouvons penser sur le sujet contemporain de cette culture? La réponse à ces trois questions est oui. L'idée de la pensée de la cruauté au cinéma est intervenue concomitamment à leurs expériences et élaborations de ce qu'il a appelé Théâtre de la cruauté. Les deux réflexions sont donnés concomitamment et de manière récursive. Plus que cela, toutes ses productions artistiques, dont la poésie et la peinture, ont été traversés par la notion de cruauté. Nous concluons que leurs élaborations sur un cinéma de la cruauté a eté interrompu au moment même que le développement technique a souligné la possibilité de sa réalisation. De plus, à l'enquête de son travail, nous pouvons voir que presque toute sa pensée a été préparé sous les images, de sorte que nous pouvons même parler d'une pensée cinématographique d‘Antonin Artaud. En conséquence, nous ne concevons pas sa théorie au septième art comme secondaire à leurs intérêts, comme le rapporte la plupart de ses commentateurs, mais absolument essentiel dans le développement de ses écrits, qui jusqu'à maintenant accumulé plus de deux mille pages. En outre, Artaud ne pense pas l'art pour l'art, mais seulement comme un dialogue fructueux et intensif avec l'homme et la culture. L‘art était l'instrument privilégié de proposer un diagnostic et une nouvelle façon de voir la société contemporaine. À travers le film il a imaginé la possibilité d'une reprise de forces éthico-esthétique-politiques perdus sous les décombres de la civilisation occidentale. L'établissement d'une nouvelle relation avec l'image, le sujet de la (post-) modernité pourrait sauver une puissance esthétique du corps et de la pensée que, réinterprété, agiraient envers eux-mêmes et le monde à réinventer.

Paulo Emílio Salles Gomes e a eficácia discursiva de sua intepretação histórica: reflexões sobre história e historiografia do cinema brasileiro

We intend with this research to contribute to the contemporary debate pertinent to the history of Brazilian cinema, its historiography and its writing procedures. Thereunto, we sustain the view that the historical interpretation composed by the essays Panorama do Cinema Brasileiro: 1896/1966 (1966) and Cinema: trajetória no subdesenvolvimento (1973) arranged by the critic and historian Paulo Emilio Salles Gomes, due to their epistemological postulates and narrative strategies, constitutes a version about the history of national cinema of expressive discursive efficacy.

Eficácia política de uma crítica: Paulo Emílio Salles Gomes e a constituição de uma teia interpretativa da história do cinema brasileiro

This work aims to contribute to theoretical and methodological analysis of writing the history of Brazilian cinema. The object of this study the trilogy of articles in Cinema: the trajectory of underdevelopment regimented, the critic and historian Paulo Emílio Salles Gomes, seeks to understand the process of setting up a web interpretative history of our film based on this work and how to rescue its historicity.

História, literatura e cinema: um debate sobre a historicidade das imagens dos piratas e da pirataria

We seek, through this work, to understand the construction of the pirates’ images from the Golden Age of Piracy (late seventeenth through early eighteenth century) through the observation of the circulation of these images, which are not limited to one field of knowledge. We take into account the importance of the book “A General History of the robberies and murders of the most notorious pirates...” written by Charles Johnson for these constructions, not only literary, but also historiographical provided that the stories of pirates and piracy gained ground in historiography from the twentieth century on. We also seek to show that this historiographical space arises opposed to an apparent historiographical silence about these stories that lasts for about two centuries, related to a new way of writing history in the aesthetic regime, where it arises as a science through a poetics of knowledge, of which the philosopher Jacques Rancière helps us reflect. Lastly, reflecting upon how these images of pirates circulate nowadays, we seek to understand the historicity of the pirates’ images within that aesthetic regime based on some scenes of the film series Pirates of the Caribbean by Disney™.

Dancing heroines : sexual respectability in the Hindi cinema of the 1990s

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

An Amorous Prehistory of Hong Kong Queer Cinema

Depiction of homoerotic relationships among women in commercial costumed films was a unique phenomenon in 1970s - 1980s Hong Kong cinema. What are the possible cinematic meanings of lesbian images that we can perceive in these films? How should we evaluate the exact representation of a sexuality that had been perceived as deviant in that society? In this essay, I close-read homoerotic scenes and trace through the trajectories of cultural and industrial changes enabling the emergence of two representative films: Intimate Confessions of A Chinese Courtesan (1972) and An Amorous Woman of Tang Dynasty (1984). I do this with a continuous concern for historical context in order to provide an in-depth understanding of how lesbian images are constructed in cinema.

Dancing heroines : sexual respectability in the Hindi cinema of the 1990s

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Screening the RSC stage: the 2014 Live from Stratford-upon-Avon cinema broadcasts

During the Royal Shakespeare Company's 2014 summer season, both parts of Henry IV and The Two Gentlemen of Verona were presented as Live from Stratford-upon-Avon broadcasts in cinemas around the world. This article presents a case study of these broadcasts, drawing on the author's observations and insights as their producer as well as interview contributions from those involved in both the stage and screen presentations. Recognising that the hybrid form of “live cinema” performance has developed rapidly over the past five years but is as-yet little-documented, the study develops an analytical approach to its creative processes and to its aesthetics. This discussion is combined with a consideration of the history of earlier screen adaptations of RSC productions at Stratford-upon-Avon. The article details the stages of the production process for the Live from Stratford-upon-Avon broadcasts in 2014 and considers the ways in which the broadcast teams collaborate with the casts and creative teams of the theatre productions. In addition, the article explores processes of adaptation in the journey from stage to screen, the poetics of multi-camera presentation and questions of “live-ness”, the social experience of viewing performance in the cinema, and possible developments for live theatre on screen.

The Cinema of Raul Ruiz: Impossible Cartographies

This book is the first major academic engagement with the idiosyncratic Chilean-born filmmaker Raul Ruiz. It examines his work from the context of Allende's Chile to France and Europe from the 1970s, examining such themes as aesthetics and politics, simulation, multiplicity and theories of the image