Availability of body art facilities and body art piercing do not predict hepatitis C acquisition among injection drug users in Montreal, Canada: results from a cohort study

Ce manuscrit est une pré-publication d'un article paru dans International Journal of Drug Policy 2010; 21(6): 477-484.

Impossible Identification : Contemporary Art, Politics and the Palestinians in Israel

Quel est le sens donné à l’art par la minorité palestinienne d’Israël dans un contexte où l’État se définit uniquement en termes ethno-nationaux et religieux ? Les écrits sur l’art en contextes coloniaux et postcoloniaux ont tendance à considérer l’art comme une ressource de revendication identitaire face à une situation de domination. Autrement dit, l’art est souvent présenté comme un acte politique de reconnaissance à travers l’affirmation d’une contre-identité. Suite à un travail intensif de terrain ethnographique dans la région, cette recherche démontre que pour les artistes palestiniens en Israël, l’aspect politique de l’art ne vient pas de sa capacité à exprimer des revendications identitaires. À travers l’observation des pratiques et l’analyse des discours des artistes, elle remet en question la relation présumée entre l'art et l'identité. Plus concrètement, elle analyse les pratiques d’un groupe d’artistes issus d’une minorité nationale indigène dont le travail artistique constitue une interruption des régimes spatiotemporels d'identification. L’aspect politique du travail des artistes palestiniens en Israël s’exprime à travers un processus de désidentification, un refus de réduire l’art à des catégories identitaires dominantes. Les œuvres de ces artistes permettent l’expression d’une rupture esthétique, manifestant un « ayant lieu » politique qui se trouve entre l'art et le non-art. Il s’agit d’un espace qui permet la rupture de l’ordre sensible de la société israélienne à travers l’affirmation et la vérification d’une égalité qui existe déjà.

Edgar Degas et le traitement moderne de la figure féminine : un terrain propice à l'éclosion des approches critiques féministes en art du XXe siècle

Edgar Degas, observateur réputé de la vie parisienne du XIXe siècle, réserve tout au long de sa carrière un traitement particulier à la figure féminine. Dès les premières tentatives de tableaux d’histoire et les portraits des débuts, dont un grand nombre concerne des couples et des membres de sa famille, Degas introduit une forme de tension dans les rapports entre les hommes et les femmes. Cette tension se manifeste à la fois dans la structure des œuvres et dans le registre expressif des figures représentées. Elle perdure dans les tableaux de genre qui marquent un intérêt accru de Degas pour les scènes de la vie contemporaine. Ces dernières suggèrent une trame narrative encore aujourd’hui difficile à déchiffrer mais où continue de se manifester une forme d’opposition entre les pôles masculin et féminin de l’image. Ce sont surtout les œuvres représentant des femmes au travail ou à leur toilette, réalisées dans la période de la maturité de l’artiste, qui manifestent cette tension à son maximum et lui confèrent un supplément de résonnance personnelle et sociale. Un pivotement du dispositif figuratif maintient le pôle féminin dans l’espace de représentation alors que le pôle masculin se situe désormais du côté du spectateur. Ces figures de femmes dont la gestuelle, le positionnement dans l’espace et le mode d’adresse suggèrent qu’elles font l’objet d’une effraction du regard qui s’énonce au masculin, résistent par plusieurs aspects au scénario érotique voyeuriste qui se développe à l’époque dans beaucoup de tableaux académiques et dans les illustrations populaires.

Information and attitudes about VIH-SIDA in Portuguese adolescents : State of art and changes in a four year period

Resumen tomado de la publicaci??n

Learning to teach art and design in the secondary school : a companion to school experience.

Este texto ayuda tanto a los estudiantes que se están formando a enseñar arte y diseño como a los profesores con experiencia que han optado por asumir la responsabilidad de impartir esta materia en la etapa 3 (KS3) del programa de estudios inglés, a alumnos de catorce a diecinueve años. Ofrece un marco conceptual y práctico para la comprensión de la naturaleza diversa del arte y el diseño y proporciona apoyo y orientación para su aprendizaje y enseñanza al plantear cuestiones, preguntas ortodoxas pero también para identificar nuevas direcciones.

How Millennials are changing the way we learn : the state of the art of ICT integration in education

Resumen basado en el de la publicaci??n

Plug-in : educaci??n art??stica y nuevos contextos tecnol??gicos

Resumen basado en el de la publicaci??n

Does experience in creative art influence the written self-expression of the deaf child?

This paper discusses whether participation in creative art affects the hearing impaired child's self expression in written language.

Rock art and social life - Revisiting the Neolithic transition in Mediterranean Iberia

This article revisits the Neolithic transition in Mediterranean Iberia taking into account an aspect usually neglected in the archaeological discourse: the rock art styles that emerged in this context. These distinct styles have been generally attributed to different populations, according to a historicist point of view that equates stylistic variability and ethnic identity. However, the recent recognition that they were developed by the same social group requires the formulation of an alternative explanation. My proposal is based on the exploration of the social context of production and consumption of the rock art, through the analysis of the patterns of location of the sites within the landscape and the definition of their archaeological context.

The Dark Monarch: magic and modernity in British art

This major curated exhibition, publication and events builds on Rowlands’ curatorial research. Working in collaboration with co-curators Martin Clark, Artistic Director, Tate St Ives and Michael Bracewell, cultural historian, the exhibition sought to explore new narratives within British art. The innovative curatorial methodology developed from a fiction found in the infamous novel, The Dark Monarch by Sven Berlin, Gallery Press 1962. The research sought specific archival and collection work that allowed thematic strands to emerge that represented influences across generations. The exhibition features two-hundred artworks, from the Tate Collection, archives and other significant British public and private collections. It examines the development of early Modernism, in the UK, as well as the reappearance of esoteric and arcane references in a significant strand of contemporary art practice. Historical works from Samuel Palmer, Graham Sutherland, Henry Moore and Paul Nash are shown alongside contemporary artists including Derek Jarman, Cerith Wyn Evans, Eva Rothschild, Linder and John Russell. The exhibition includes a key work by Damien Hirst ¬ the first time he has been shown at Tate St Ives and a number of contemporary commissions. The Dark Monarch publication extended the discourse of the research critically examining the tension between progressive modernity and romantic knowledge, the book focuses on the way that artworks are encoded with various histories - geological, mythical and magical. Essays examine magic as a counterpoint to modernity’s transparency and rational progress, but also draw out the links modernity has with notions such as fetishism, mana, totem, and the taboo. Often viewed as counter to Modernism, this collection of essays suggest that these products of illusion and delusion in fact belong to modernity. Drawing together 15 different writers commissioned to explore magic as a counterpoint of liberal understanding of modernity, drawing out links that modernity has with notions of fetish, taboo and occult philosophy. Including essays by Marina Warner, Ilsa Colsell, Philip Hoare, Chris Stephens, Jennifer Higgie and Morrissey.