Embodying Self-Determination: Re-placing Food Sovereignty through Everyday Geographies of Indigenous Resurgence

Thesis (Ph.D.)--University of Washington, 2015

Regional collaborations and indigenous innovation capabilities in China: A multivariate method for the analysis of regional innovation systems

In this study we analyse the emerging patterns of regional collaboration for innovation projects in China, using official government statistics of 30 Chinese regions. We propose the use of Ordinal Multidimensional Scaling and Cluster analysis as a robust method to study regional innovation systems. Our results show that regional collaborations amongst organisations can be categorised by means of eight dimensions: public versus private organisational mindset; public versus private resources; innovation capacity versus available infrastructures; innovation input (allocated resources) versus innovation output; knowledge production versus knowledge dissemination; and collaborative capacity versus collaboration output. Collaborations which are aimed to generate innovation fell into 4 categories, those related to highly specialised public research institutions, public universities, private firms and governmental intervention. By comparing the representative cases of regions in terms of these four innovation actors, we propose policy measures for improving regional innovation collaboration within China.

Breaking the Pattern and Creating New Paths – Feminist Mizrahi Women Artists in Israel

This article addresses the work of Mizrahi women artists, i.e., Israeli-Jewish women of Asian or African ethnic origin, using the artist Vered Nissim as a case study. Nissim seeks to affirm the politics of identity and recognition, as well as feminism in order to create a paradigm shift with regards to the local regime of cultural representations in the Israeli art scene. Endeavouring to find ways of undermining the rigid imbalances between different social groups, she calls for a comprehensive reform of the status quo through artistic activism. Nissim employs a style, content, and medium that disrupts the accepted social order, using humour and irony as unique weapons with which she takes liberties with conventional moral, social, and economic values. Placing issues of race, class and gender at the centre of her work, she seeks to undermine and problematize essentialist attitudes, highlighting the political intersections of different identity categories as the critical analysis of intersectionality unfolds.

Partnership for arts integration : exploring the experiences of teachers and artists working with integrated arts programs

This research acknowledges the difficulties experienced by teachers presenting integrated arts curricula. Instructional support is offered by arts organizations that provide arts partnerships with local schools boards. The study focuses on the experiences of 8 teachers from a Catholic school board in southern Ontario who participated in integrated arts programs offered by The Royal Conservatory of Music's Learning Through the Arts™ (LTTATM) program and a local art gallery's Art Based Integrated Learning (ABIL) program and examines their responses to the programs and their perception of personal and professional development through this association. Additionally, questions were posed to the . "aftisfs"from-tneSe]Jfograrrrs;-and"they liiscus·sed·how"participating in-collaboration with teachers in the development of in-school programs enabled them to experience personal and professional development as well. Seven themes emerged from the data. These themes included: teachers' feelings of a lack of preparedness to teach the arts; the value of the arts and arts partnerships in schools; the role of the artists in the education of teachers; professional development for both teachers and artists; the development of collegiality; perceptions of student engagement; and the benefits and obstacles of integrating the arts into the curriculum. This document highlights the benefits to both teachers and artists of arts partnerships between schools and outside arts organizations.

Sinister creativity: a phenomenological exploration of some of the experiences and perceptions of six lefthanded visual artists

Six lefthanded artist-educators were interviewed to attempt to discover any patterns t6 their perceptions and experiences. Artists have their own culture and priorities. According to the literature, lefthanded people appear more likely to suffer from dyslexia, allergies, asthma and other auto-immune diseases as well as machinery and equipment injuries. Patterns emerging suggested that lefthanded people indeed suffer more from dyslexia. More startling was the distinct possibility that many artists have traumatic childhood histories. This would commonly include negative school experiences, and for a significant number sexual assault, perceived or actual abandonment by parents, and/or consistently low selfesteem. The researcher discovered possible reasons why creative people frequently have problems at school, why they tend to be rebellious and anti-establishment oriented, how many of them perceive societal rules, and why they are more likely to be lefthanded. These characteristics all have significant implications for art school administrators.

A Home at School: Building Stronger Indigenous People through Cultural Resurgence in an Urban Ontario Public School Context.

In this thesis, I work through the educational narratives of young Aboriginal women and men as I explore the relationship between cultural programming and student engagement. My analysis is structured through a collaborative Indigenous research project. My overarching task is to explore how a cultural support program, the Native Youth Advancement with Education Hamilton (NYA WEH) Program, offered at Sir John A. Macdonald Secondary School, located in Hamilton, Ontario, Canada, attempts to re-imagine Aboriginal education in ways that directly challenge the residential school legacy. In particular, I work to illuminate how particular forms of Aboriginal education are connected to the graduation rates of Aboriginal youth. I argue that the ways in which the NYA WEH Program navigates Native Studies curriculum, relationships, and notions of culture and tradition are significant to the engagement of Aboriginal youth. This research develops theoretical connections between the contemporary experience of Aboriginal social inequality and educational initiatives which attempt to reverse that legacy. By placing the NYA WEH Program narratives side-by-side with literature supporting Aboriginal education for Self-determination, I work to learn how to best support and encourage Aboriginal student engagement in secondary schools across Ontario.

Indigenous Language Reclamation: The Learners Perspective

ABSTRACT This study explored the link between learning an Indigenous language and the meanings second language learners attach to their language recovery experiences. The study delves into the factors that motivate, enhance and serve as barriers to individual language revitalization efforts. With the goal of reasserting an Indigenous world view, the traditional teachings of the Ojibwe medicine wheel were combined with the lessons of the seven Grandfathers to provide a methodological basis for conducting ethical research with and for the benefit of First Nations people. Within the context of our relationships with self, community, spirit and environment, the pairing of Indigenous theory with the practical community experiences of Indigenous second language learners, demonstrates how Indigenous systems of thought and ontology lend themselves well to the critical understanding necessary to enhance the recovery our own endangered languages. These research findings indicate that there is a definite link between ancestral language reclamation and increased levels of self-esteem, a sense of grounded cultural identity and resilience, an overall sense of healing and the social responsibility that comes with receiving the gift of language. The barriers associated with learning an ancestral language intersect on multiple and often simultaneous levels making it difficult for the language learners to discover their origin.This research found that it was important for language learners to identify that they often carry a collective sense of shame associated with an internalized attachment to the modality of Indigeneity. Once the origin of this shame was acknowledged – as resulting from settler/assimilation logics, it was often possible for people to move forward in their language recovery journeys, while at the same time considering more broadly the structural barriers that make individual learning so difficult.

Artists Rendering of Isobel Price

Artist’s rendering in colour of Isobel Price in an oval frame with a hook at the top and a section at the back which contains a lock of hair. This painting was done by Gerald Sinclair Hayward who was a renowned artist whose work was displayed at an exhibition in New York in 1899. He painted Theodore Roosevelt, William K. Vanderbilt and members of the ruling families of Britain, Germany and Russia. The frame is enclosed in a folding case lined with velvet and silk. The silk is quite worn. The outside of the case appears to be leather and has a stand for setting it upright. It closes with a metal latch. This is accompanied by a note by R. Band.

Famous artists

UANL

(Re)Vitalizing Philanthropy: The Emergence of Indigenous Philanthropy and its Implications for Civil Society throughout the Developing World

As developing countries have become more integrated within the global economy, new, developing world-based economic elites have emerged as important philanthropists and development actors. The burgeoning trend of indigenous philanthropy holds particularly important implications for traditionally resource scarce civil society throughout the developing world. Unlike their Western – and particularly US based – counterparts, these foundations emerged from the context in which they focus their projects. This paper explores whether and how the rise of an indigenous philanthropic sector holds promise for the expansion and consolidation of civil society in the developing world in light of the various limited capacities in which this sector operates.

The Aesthetics of Madame de Staël and Mary Shelley

L’esthétique de Madame de Staël and Mary Shelley discute l’art de l’improvisation et le concept de l’enthousiasme dans les écrits de ces deux auteurs. Dans ce projet, j’explore l’esthétique d’improvisation et d’enthousiasme de Madame de Staël dans Corinne, en me référant à son autre roman Delphine, à sa pièce de théâtre Sapho, et à ses nouvelles ainsi qu’à ses textes philosophiques comme De l’Allemagne, De l’influence des passions, et De la littérature. J’argumente que Madame de Staël représente à travers le caractère de Corinne une esthétique anti-utilitaire. J’explique qu’elle évoque des valeurs cosmopolites qui valorisent une culture indigène qui est en opposition avec l’impérialisme de Napoléon. De plus, j’examine comment les improvisations de Corinne dérivent d’un enthousiasme qui est associé à la définition que Platon offre du terme. Ceci est évident par la signification que Madame de Staël présente du terme dans De L’Allemagne. J’interprète la maladie de Corinne comme étant d’origine psychosomatique qui est manifesté par la perte de son génie et par un suicide lent qui est une expression de colère contre la patriarchie. Le caractère de Corinne permet à Madame de Staël d’explorer le conflit que les femmes artistes éprouvaient entre ayant une carrière artistique et adhérant à l’idéologie domestique. Chapitre deux se concentre sur l’intérêt que Shelley démontre sur l’art de l’improvisation comme elle l’exprime dans ses lettres à propos de l’improvisateur Tommaso Sgricci. Malgré sa fascination avec la poésie extemporanée, Shelley regrette que cette forme d’art soit évanescente. Aussi, j’examine son enthousiasme pour un autre artiste, Nicolò Paganini. Son enchantement avec se violoniste virtuose est lié à des discours concernant le talent surnaturel des improvisateurs. J’argumente qu’il y a un continuum d’improvisation entre les balades orales du peuple et les improvisations de culture sophistiqué des improvisateurs de haute société. J’estime que les Shelleys collaboraient à définir une théorie d’inspiration à travers leurs intérêts pour l’art de l’improvisation. Chapitre trois considère le lien entre cosmologie et esthétique d’inspiration à travers la fonction de la musique, spécialement La Création de Joseph Haydn, dans The Last Man de Shelley. J’examine la représentation du sublime des Alpes dans le roman à travers de discours qui associent les Alpes avec les forces primordiales de la création. Les rôles de la Nécessité, Prophétie, et du Temps peuvent être compris en considérant la musique des sphères. Chapitre quatre explore les différentes définitions de terme enthousiasme dans les écrits de Shelley, particulièrement Valperga et The Last Man. Je discute l’opinion de Shelley sur Madame de Staël comme suggéré dans Lives. J’analyse les caractères qui ressemblent à Corinne dans les écrits de Shelley. De plus, je considère les sens multiples du mot enthousiasme en relation avec la Guerre civil d’Angleterre et la Révolution française. Je présente comment le terme enthousiasme était lié au cours du dix-septième siècle avec des discours médicales concernant la mélancolie et comment ceci est reflété dans les caractères de Shelley.

The Hybridity of Violence : Location, Dislocation, and Relocation in Contemporary Canadian Multicultural and Indigenous Writing

Cette thèse explore la relation entre les littératures autochtones et multiculturelles du Canada. Même si les critiques littéraires examinent les littératures dites mineures de plus en plus, ces dernières sont rarement étudiées sans la présence médiatrice de la littérature canadienne considérée comme étant dominante. Afin de produire une telle analyse, cette thèse mobilise le concept d’hybridité en tant que catégorie d’analyse de texte qui, en plus de son histoire raciale et coloniale, décrit convenablement les formes d’expérimentations stylistiques que les écrivains autochtones et multiculturels emploient afin de représenter et questionner leur marginalisation. Ne voulant pas reproduire les interprétations fétichistes qui réduisent les littératures autochtones et multiculturelles à leurs représentations de concepts d’altérité, j’examine ces textes dans leurs relations avec différents discours et débats ayant marqué les études littéraires canadiennes, notamment, le long poème canadien, l’écriture des prairies canadiennes, la littérature urbaine, le multiculturalisme, et les premières nations. Ma méthode d’analyse repose sur la façon dont chaque texte étudié alimente ces catégories d’analyse littéraire tout en les modifiant radicalement. De plus, je développe un cadre conceptuel et théorique permettant l’étude de la relation entre les textes autochtones et multiculturels sans toutefois confondre ou réduire les contextes d’où proviennent ces littératures. Ma thèse et ma méthode d’analyse se concrétise par l’interprétation des textes écrits par Armand Garnet Ruffo, Suzette Mayr, Rawi Hage, et Jeannette Armstrong. Le chapitre d’introduction détaille la façon dont la relation entre les textes autochtones et multiculturels a été appréhendée jusqu’à présent. J’y élabore mon cadre théorique qui joint et réinterprète de manière critique diverses théories, dont celle du postcolonialisme, de l’hybridité, et de la mondialisation, et la façon dont ces théories se rapportent aux études littéraires canadiennes. Dans mon deuxième chapitre, j’analyse le long poème d’Armand Garnet Ruffo, Grey Owl: The Mystery of Archie Belaney, en m’attardant particulièrement aux stratégies d’expérimentations stylistiques et génériques que Ruffo développe afin de rendre le genre du long poème canadien autochtone et de questionner l’identité de Grey Owl. Mon troisième chapitre examine Venous Hum, un roman de Suzette Mayr. Ce texte remet en question la tradition de « prairie writing », le multiculturalisme canadien, et le conservatisme albertain à travers son style expérimental, son usage des métaphores et du réalisme magique. Mon quatrième chapitre interprète le roman montréalais Cockroach, de Rawi Hage, en examinant la façon dont ses unités locales, nationales, et globales rencontrent le colonialisme et contestent les discours nationaux une fois que sa critique de la mondialisation se trouve réarticulée dans une approbation des discours d’interventions humanitaires de l’occident. Mon dernier chapitre explore le roman de Jeannette Armstrong, Whispering in Shadows, afin de démontrer les limites de ma méthode d’analyse. Puisque l’hybridité sous-entend inévitablement la notion d’assimilation, son application dans le contexte de l’œuvre d’Armstrong s’avèrerait réductrice. Pour cette raison, ce chapitre utilise des concepts autochtones définis par Armstrong afin de développer une méthode de lecture non-hégémonique. Ma thèse examine donc la façon dont chaque texte déploie le concept d’hybridité pour à la fois contester et enrichir les discours critiques qui tentent de contenir ces textes. Elle contribue aux études postcoloniales de la littérature canadienne en élargissant leur champ habituel pour inclure les complexités des théories de la mondialisation, et en examinant quelles stratégies littéraires les textes autochtones et multiculturels partagent, mais mobilisent à des fins différentes.

Impossible Identification : Contemporary Art, Politics and the Palestinians in Israel

Quel est le sens donné à l’art par la minorité palestinienne d’Israël dans un contexte où l’État se définit uniquement en termes ethno-nationaux et religieux ? Les écrits sur l’art en contextes coloniaux et postcoloniaux ont tendance à considérer l’art comme une ressource de revendication identitaire face à une situation de domination. Autrement dit, l’art est souvent présenté comme un acte politique de reconnaissance à travers l’affirmation d’une contre-identité. Suite à un travail intensif de terrain ethnographique dans la région, cette recherche démontre que pour les artistes palestiniens en Israël, l’aspect politique de l’art ne vient pas de sa capacité à exprimer des revendications identitaires. À travers l’observation des pratiques et l’analyse des discours des artistes, elle remet en question la relation présumée entre l'art et l'identité. Plus concrètement, elle analyse les pratiques d’un groupe d’artistes issus d’une minorité nationale indigène dont le travail artistique constitue une interruption des régimes spatiotemporels d'identification. L’aspect politique du travail des artistes palestiniens en Israël s’exprime à travers un processus de désidentification, un refus de réduire l’art à des catégories identitaires dominantes. Les œuvres de ces artistes permettent l’expression d’une rupture esthétique, manifestant un « ayant lieu » politique qui se trouve entre l'art et le non-art. Il s’agit d’un espace qui permet la rupture de l’ordre sensible de la société israélienne à travers l’affirmation et la vérification d’une égalité qui existe déjà.