Oeuvres complètes.

Translated from the Dutch.

La maison des ievx academiqves, contenant vn recveil general de tous les ieux diuertissans pour se réjoüir & passer le temps agreablement, et augm. de la lotterie plaisante.

Classified for chess; Le royal jeu des éschecs, p. 276-284.

Comment ne pas perdre la tête? À propos des effets d'intervention dans les interronégatives en comment et de leur suspension dans les questions rhétoriques

Les interrogatives partielles peuvent être marquées par un mot en QU en position initiale de la phrase. Cette position est analysée dans différents cadres génératifs comme mettant en jeu le mouvement du mot QU depuis une position intraprédicative. Ce mouvement serait démontré par le fait qu’il peut être interrompu par différents opérateurs, dont la négation. Cette interruption distinguerait le mouvement des arguments et des non-arguments: les QU sous-catégorisés pourraient passer par-dessus la négation parce que leur prédicat licencie leur trace. Cela prédit que comment, combien, où, pourquoi et quand ne peuvent pas introduire de questions négatives (?* Comment ne lui a-t-il pas parlé?), ce que pourraient qui, que, quoi (À qui n’a-t-il pas parlé?). C’est cette prédiction que teste ce travail qui considère le mot QU comment avec des propositions interrogatives niées. Il se fonde sur le recensement des attestations dans Frantext pour le 20ème siècle, parmi lesquelles prédominent les questions rhétoriques (Comment ne pas perdre la tête?). L’identification de ces dernières face aux interrogations réelles demande des critères que formule ce travail. La raison pour laquelle les questions rhétoriques rendent possible les séquences considérées est envisagée, et sont considérées une hypothèse syntaxique sur un prédicat sous-jacent et une hypothèse interprétative sur le rôle des présuppositions. L’intervention des présuppositions reflète la définition même de la question rhétorique, et suggère que la putative impossibilité des questions négatives avec un QU adverbial tiendrait à des facteurs d’informativité.

Nouveaux développements de l'imparfait

The uses of the French imperfect have undergone a vast extension throughout the history of the French language. It has become prototypical in contexts such as description where old French used simple past. The prototypical uses have resulted in a large number of stylistic uses: hypothesis, free indirect speech, and the so-called forain, hypocoristique, ludique and narratif. The wide range of uses raises the question of the semantic unity of that form in synchrony as well as in diachrony. Here are gathered for the first time discussions of emergent uses of the imperfect, that are tackled through a variety of approaches (Damourette and Pichon’s, Wilmet’s or Guillaume’s systems, logic semantics or relevance theory). This volume will be of interest for theoreticians interested in linguistic meaning and applied linguists concerned with its organization. Le tiroir de l'imparfait a subi une extension considérable de ses usages à travers l'histoire du français. Il est devenu prototypique dans des contextes comme la description où l'ancienne langue utilisait le passé simple. Ces emplois prototypiques ont donné lieu à un large ensemble d'usages stylistiques. : hypothèse, discours indirect libre, imparfait de politesse, forain, hypocoristique, ludique et narratif. La diversité des usages pose la question de l'unité sémantique de la forme, non seulement en synchronie mais aussi dans les cadres de son évolution diachronique et de son acquisition. Ce problème est appréhendé à travers les analyses de Damourette et Pichon et de Wilmet, par le guillaumisme, la sémantique logique et la pragmatique de la pertinence. Ces cadres permettent d'identifier les paramètres en jeu dans chaque emploi, et les modes de leur application à une problématique sémantique particulièrement délicate. Le présent ouvrage saura donc intéresser autant les théoriciens du sens linguistique que les praticiens concernés par son organisation.

Une étude générique du metteur en scène au théâtre:son émergence et son rôle moderne et contemporain

The theatre director (metteur en scene in French) is a relatively new figure in theatre practice. It was not until the I820s that the term 'mise en scene' gained currency. The term 'director' was not in general use until the I880s. The emergence and the role of the director has been considered from a variety of perspectives, either through the history of theatre (Allevy, Jomaron, Sarrazac, Viala, Biet and Triau); the history of directing (Chinoy and Cole, Boll, Veinstein, Roubine); semiotic approaches to directing (Whitmore, Miller, Pavis); the semiotics of performance (De Marinis); generic approaches to the mise en scene (Thomasseau, Banu); post-dramatic approaches to theatre (Lehmann); approaches to performance process and the specifics of rehearsal methodology (Bradby and Williams, Giannachi and Luckhurst, Picon-Vallin, Styan). What the scholarly literature has not done so far is to map the parameters necessarily involved in the directing process, and to incorporate an analysis of the emergence of the theatre director during the modem period and consider its impact on contemporary performance practice. Directing relates primarily to the making of the performance guided by a director, a single figure charged with the authority to make binding artistic decisions. Each director may have her/his own personal approaches to the process of preparation prior to a show. This is exemplified, for example, by the variety of terms now used to describe the role and function of directing, from producer, to facilitator or outside eye. However, it is essential at the outset to make two observations, each of which contributes to a justification for a generic analysis (as opposed to a genetic approach). Firstly, a director does not work alone, and cooperation with others is involved at all stages of the process. Secondly, beyond individual variation, the role of the director remains twofold. The first is to guide the actors (meneur de jeu, directeur d'acteurs, coach); the second is to make a visual representation in the performance space (set designer, stage designer, costume designer, lighting designer, scenographe). The increasing place of scenography has brought contemporary theatre directors such as Wilson, Castellucci, Fabre to produce performances where the performance space becomes a semiotic dimension that displaces the primacy of the text. The play is not, therefore, the sole artistic vehicle for directing. This definition of directing obviously calls for a definition of what the making of the performance might be. The thesis defines the making of the performance as the activity of bringing a social event, by at least one performer, providing visual and/or textual meaning in a performance space. This definition enables us to evaluate four consistent parameters throughout theatre history: first, the social aspect associated to the performance event; second, the devising process which may be based on visual and/or textual elements; third, the presence of at least one performer in the show; fourth, the performance space (which is not simply related to the theatre stage). Although the thesis focuses primarily on theatre practice, such definition blurs the boundaries between theatre and other collaborative artistic disciplines (cinema, opera, music and dance). These parameters illustrate the possibility to undertake a generic analysis of directing, and resonate with the historical, political and artistic dimensions considered. Such a generic perspective on the role of the director addresses three significant questions: an historical question: how/why has the director emerged?; a sociopolitical question: how/why was the director a catalyst for the politicisation of theatre, and subsequently contributed to the rise of State-funded theatre policy?; and an artistic one: how/why the director has changed theatre practice and theory in the twentieth-century? Directing for the theatre as an artistic activity is a historically situated phenomenon. It would seem only natural from a contemporary perspective to associate the activity of directing to the function of the director. This is relativised, however, by the question of how the performance was produced before the modern period. The thesis demonstrates that the rise of the director is a progressive and historical phenomenon (Dort) rather than a mere invention (Viala, Sarrazac). A chronological analysis of the making of the performance throughout theatre history is the most useful way to open the study. In order to understand the emergence of the director, the research methodology assesses the interconnection of the four parameters above throughout four main periods of theatre history: the beginning of the Renaissance (meneur de jeu), the classical age (actor-manager and stage designer-manager), the modern period (director) and the contemporary period (director-facilitator, performer). This allows us properly to appraise the progressive emergence of the director, as well as to make an analysis of her/his modern and contemporary role. The first chapter argues that the physical separation between the performance space and its audience, which appeared in the early fifteenth-century, has been a crucial feature in the scenographic, aesthetic, political and social organisation of the performance. At the end of the Middle Ages, French farces which raised socio-political issues (see Bakhtin) made a clear division on a single outdoor stage (treteau) between the actors and the spectators, while religious plays (drame fiturgique, mystere) were mostly performed on various outdoor and opened multispaces. As long as the performance was liturgical or religious, and therefore confined within an acceptable framework, it was allowed. At the time, the French ecclesiastical and civil authorities tried, on several occasions, to prohibit staged performances. As a result, practitioners developed non-official indoor spaces, the Theatre de fa Trinite (1398) being the first French indoor theatre recognized by scholars. This self-exclusion from the open public space involved breaking the accepted rules by practitioners (e.g. Les Confreres de fa Passion), in terms of themes but also through individual input into a secular performance rather than the repetition of commonly known religious canvases. These developments heralded the authorised theatres that began to emerge from the mid-sixteenth century, which in some cases were subsidised in their construction. The construction of authorised indoor theatres associated with the development of printing led to a considerable increase in the production of dramatic texts for the stage. Profoundly affecting the reception of the dramatic text by the audience, the distance between the stage and the auditorium accompanied the changing relationship between practitioners and spectators. This distance gave rise to a major development of the role of the actor and of the stage designer. The second chapter looks at the significance of both the actor and set designer in the devising process of the performance from the sixteenth-century to the end of the nineteenth-century. The actor underwent an important shift in function in this period from the delivery of an unwritten text that is learned in the medieval oral tradition to a structured improvisation produced by the commedia dell 'arte. In this new form of theatre, a chef de troupe or an experienced actor shaped the story, but the text existed only through the improvisation of the actors. The preparation of those performances was, moreover, centred on acting technique and the individual skills of the actor. From this point, there is clear evidence that acting began to be the subject of a number of studies in the mid-sixteenth-century, and more significantly in the seventeenth-century, in Italy and France. This is revealed through the implementation of a system of notes written by the playwright to the actors (stage directions) in a range of plays (Gerard de Vivier, Comedie de la Fidelite Nuptiale, 1577). The thesis also focuses on Leoni de' Sommi (Quatro dialoghi, 1556 or 1565) who wrote about actors' techniques and introduced the meneur de jeu in Italy. The actor-manager (meneur de jeu), a professional actor, who scholars have compared to the director (see Strihan), trained the actors. Nothing, however, indicates that the actor-manager was directing the visual representation of the text in the performance space. From the end of the sixteenth-century, the dramatic text began to dominate the process of the performance and led to an expansion of acting techniques, such as the declamation. Stage designers carne from outside the theatre tradition and played a decisive role in the staging of religious celebrations (e.g. Actes des Apotres, 1536). In the sixteenth-century, both the proscenium arch and the borders, incorporated in the architecture of the new indoor theatres (theatre a l'italienne), contributed to create all kinds of illusions on the stage, principally the revival of perspective. This chapter shows ongoing audience demands for more elaborate visual effects on the stage. This led, throughout the classical age, and even more so during the eighteenth-century, to grant the stage design practitioner a major role in the making of the performance (see Ciceri). The second chapter demonstrates that the guidance of the actors and the scenographic conception, which are the artistic components of the role of the director, appear to have developed independently from one another until the nineteenth-century. The third chapter investigates the emergence of the director per se. The causes for this have been considered by a number of scholars, who have mainly identified two: the influence of Naturalism (illustrated by the Meiningen Company, Antoine, and Stanislavski) and the invention of electric lighting. The influence of the Naturalist movement on the emergence of the modem director in the late nineteenth-century is often considered as a radical factor in the history of theatre practice. Naturalism undoubtedly contributed to changes in staging, costume and lighting design, and to a more rigorous commitment to the harmonisation and visualisation of the overall production of the play. Although the art of theatre was dependent on the dramatic text, scholars (Osborne) demonstrate that the Naturalist directors did not strictly follow the playwright's indications written in the play in the late nineteenth-century. On the other hand, the main characteristic of directing in Naturalism at that time depended on a comprehensive understanding of the scenography, which had to respond to the requirements of verisimilitude. Electric lighting contributed to this by allowing for the construction of a visual narrative on stage. However, it was a master technician, rather than an emergent director, who was responsible for key operational decisions over how to use this emerging technology in venues such as the new Bayreuth theatre in 1876. Electric lighting reflects a normal technological evolution and cannot be considered as one of the main causes of the emergence of the director. Two further causes of the emergence of the director, not considered in previous studies, are the invention of cinema and the Symbolist movement (Lugne-Poe, Meyerhold). Cinema had an important technological influence on the practitioners of the Naturalist movement. In order to achieve a photographic truth on the stage (tableau, image), Naturalist directors strove to decorate the stage with the detailed elements that would be expected to be found if the situation were happening in reality. Film production had an influence on the work of actors (Walter). The filmmaker took over a primary role in the making of the film, as the source of the script, the filming process and the editing of the film. This role influenced the conception that theatre directors had of their own work. It is this concept of the director which influenced the development of the theatre director. As for the Symbolist movement, the director's approach was to dematerialise the text of the playwright, trying to expose the spirit, movement, colour and rhythm of the text. Therefore, the Symbolists disengaged themselves from the material aspect of the production, and contributed to give greater artistic autonomy to the role of the director. Although the emergence of the director finds its roots amongst the Naturalist practitioners (through a rigorous attempt to provide a strict visual interpretation of the text on stage), the Symbolist director heralded the modem perspective of the making of performance. The emergence of the director significantly changed theatre practice and theory. For instance, the rehearsal period became a clear work in progress, a platform for both developing practitioners' techniques and staging the show. This chapter explores and contrasts several practitioners' methods based on the two aspects proposed for the definition of the director (guidance of the actors and materialisation of a visual space). The fourth chapter argues that the role of the director became stronger, more prominent, and more hierarchical, through a more political and didactic approach to theatre as exemplified by the cases of France and Germany at the end of the nineteenth-century and through the First World War. This didactic perspective to theatre defines the notion of political theatre. Political theatre is often approached by the literature (Esslin, Willett) through a Marxist interpretation of the great German directors' productions (Reinhardt, Piscator, Brecht). These directors certainly had a great influence on many directors after the Second World War, such as Jean Vilar, Judith Molina, Jean-Louis Barrault, Roger Planchon, Augusto Boal, and others. This chapter demonstrates, moreover, that the director was confirmed through both ontological and educational approaches to the process of making the performance, and consequently became a central and paternal figure in the organisational and structural processes practiced within her/his theatre company. In this way, the stance taken by the director influenced the State authorities in establishing theatrical policy. This is an entirely novel scholarly contribution to the study of the director. The German and French States were not indifferent to the development of political theatre. A network of public theatres was thus developed in the inter-war period, and more significantly after the Second World War. The fifth chapter shows how State theatre policies establish its sources in the development of political theatre, and more specifically in the German theatre trade union movement (Volksbiihne) and the great directors at the end of the nineteenth-century. French political theatre was more influenced by playwrights and actors (Romain Rolland, Louise Michel, Louis Lumet, Emile Berny). French theatre policy was based primarily on theatre directors who decentralised their activities in France during both the inter-war period and the German occupation. After the Second World War, the government established, through directors, a strong network of public theatres. Directors became both the artistic director and the executive director of those institutionalised theatres. The institution was, however, seriously shaken by the social and political upheaval of 1968. It is the link between the State and the institution in which established directors were entangled that was challenged by the young emerging directors who rejected institutionalised responsibility in favour of the autonomy of the artist in the 1960s. This process is elucidated in chapter five. The final chapter defines the contemporary role of the director in contrasting thework of a number of significant young theatre practitioners in the 1960s such as Peter Brook, Ariane Mnouchkine, The Living Theater, Jerzy Grotowski, Augusto Boal, Eugenio Barba, all of whom decided early on to detach their companies from any form of public funding. This chapter also demonstrates how they promoted new forms of performance such as the performance of the self. First, these practitioners explored new performance spaces outside the traditional theatre building. Producing performances in a non-dedicated theatre place (warehouse, street, etc.) was a more frequent practice in the 1960s than before. However, the recent development of cybertheatre questions both the separation of the audience and the practitioners and the place of the director's role since the 1990s. Secondly, the role of the director has been multifaceted since the 1960s. On the one hand, those directors, despite all their different working methods, explored western and non-western acting techniques based on both personal input and collective creation. They challenged theatrical conventions of both the character and the process of making the performance. On the other hand, recent observations and studies distinguish the two main functions of the director, the acting coach and the scenographe, both having found new developments in cinema, television, and in various others events. Thirdly, the contemporary director challenges the performance of the text. In this sense, Antonin Artaud was a visionary. His theatre illustrates the need for the consideration of the totality of the text, as well as that of theatrical production. By contrasting the theories of Artaud, based on a non-dramatic form of theatre, with one of his plays (Le Jet de Sang), this chapter demonstrates how Artaud examined the process of making the performance as a performance. Live art and autobiographical performance, both taken as directing the se(f, reinforce this suggestion. Finally, since the 1990s, autobiographical performance or the performance of the self is a growing practical and theoretical perspective in both performance studies and psychology-related studies. This relates to the premise that each individual is making a representation (through memory, interpretation, etc.) of her/his own life (performativity). This last section explores the links between the place of the director in contemporary theatre and performers in autobiographical practices. The role of the traditional actor is challenged through non-identification of the character in the play, while performers (such as Chris Burden, Ron Athey, Orlan, Franko B, Sterlac) have, likewise, explored their own story/life as a performance. The thesis demonstrates the validity of the four parameters (performer, performance space, devising process, social event) defining a generic approach to the director. A generic perspective on the role of the director would encompass: a historical dimension relative to the reasons for and stages of the 'emergence' of the director; a socio-political analysis concerning the relationship between the director, her/his institutionalisation, and the political realm; and the relationship between performance theory, practice and the contemporary role of the director. Such a generic approach is a new departure in theatre research and might resonate in the study of other collaborative artistic practices.

Les lauriers sont coupés: a exibição do pensamento e da linguagem

Ce travail a comme point de départ l’oeuvre Les lauriers sont coupés, de l’écrivain Edouard Dujardin. Le livre, écrit en 1887, n’est devenu connu qu’en 1924, lorsque James Joyce a déclaré s’inspirer de cette œuvre pour écrire le monologue de Molly Bloom, personnage d’Ulysse, en utilisant une technique nommée monologue intérieur, qu’aucun écrivain n’avait jusqu’alors utilisée. Dujardin s’est proposé d’écrire un livre où le personnage dévoile sa pensée avant même de subir une quelconque censure. Ecrit à la fin du siècle, Les lauriers sont coupés présente des caractéristiques du symbolisme: la synesthésie, la musicalité, le jeu de mots et la subtitution du sentiment, propre aux romantiques, par les sens. Pour une génération d’écrivains ayant vécu à Paris à la fin du siècle, la métaphore est remplacée par la métonymie. Dans ce sens, notre auteur se trouve inséré dans son temps, c’est-à-dire, à la fin du XIXe siècle, subissant l’influence de Mallarmé et de Wagner dans l’écriture de son oeuvre. A Canção dos Loureiros, titre de la traduction en portugais d’Élide Valarini (1989), de l’oeuvre Les lauriers sont coupés, a été analysée, en essayant à la fois d’identifier les éléments du Symbolisme et de montrer que l’auteur, en écrivant cette œuvre, suppose que le lecteur, partage la pensée du personnage principal en employant la technique du monologue intérieur. Outre cette analyse, nous faisons la traduction en portugais d’un essai de Dujardin, qui n’avait pas été traduit jusqu’à présent et où il a pu lui-même revoir son œuvre et où il explique comment il a eu l’idée de travailler la technique adoptée ainsi que la réception de cette œuvre auprès de ses contemporains.

Tabelle di Young e statistiche sulle permutazioni

La presente tesi è suddivisa in due parti: nella prima parte illustriamo le definizioni e i relativi risultati della teoria delle tabelle di Young, introdotte per la prima volta nel 1900 da Alfred Young; mentre, nella seconda parte, diamo la nozione di numeri Euleriani e di Polinomi Euleriani. Nel primo capitolo abbiamo introdotto i concetti di diagramma di Young e di tabelle di Young standard. Inoltre, abbiamo fornito la formula degli uncini per contare le tabelle di Young della stessa forma. Il primo capitolo è focalizzato sul teorema di Robinson-Schensted, che stabilisce una corrispondenza biunivoca tra le permutazioni di Sn e le coppie di tabelle di Young standard della stessa forma. Ne deriva un'importante conseguenza che consiste nel poter trovare in modo efficiente la massima sottosequenza crescente di una permutazione. Una volta definite le operazioni di evacuazione e "le jeu de taquin" relative alle tabelle di Young, illustriamo una serie di risultati riferibili alla corrispondenza biunivoca R-S che variano in base alla permutazione che prendiamo in considerazione. In particolare, enunciamo il teorema di simmetria di M.P.Schüztenberger, che dimostriamo attraverso la costruzione geometrica di Viennot. Nel secondo capitolo, dopo aver dato la definizione di discesa di una permutazione, descriviamo altre conseguenze della corrispondenza biunivoca R-S: vediamo così che esiste una relazione tra le discese di una permutazione e la coppia di tabelle di Young associata. Abbiamo trattato approfonditamente i numeri Euleriani, indicati con A(n,k) = ]{σ ∈ Sn;d(σ) = k}, dove d(σ) indica il numero di discese di una permutazione. Descriviamo le loro proprietà e simmetrie e vediamo che sono i coefficienti di particolari polinomi, detti Polinomi Euleriani. Infine, attraverso la nozione di eccedenza di una permutazione e la descrizione della mappa di Foata arriviamo a dimostrare un importante risultato: A(n,k) conta anche il numero di permutazioni di Sn con k eccedenze.

Procéduralisme épistémique et légitimité démocratique : une défense de l'égalité politique

Ce mémoire explore la relation qui lie démocratie et légitimité politique, dans une perspective épistémique. La démocratie, dans son acception la plus générale, confère à chacun la possibilité de faire valoir les intérêts qu'il estime être les siens et ceux de sa communauté, en particulier à l’occasion d’un scrutin. Cette procédure décisionnelle qu’est le vote consacre ainsi en quelque sorte la liberté et l’égalité dont profitent chacun des citoyens, et confère une certaine légitimité au processus décisionnel. Cela dit, si le vote n’est pas encadré par des considérations épistémiques, rien ne garantit que le résultat politique qui en découlera sera souhaitable tant pour les individus que pour la collectivité: il est tout à fait permis d’imaginer que des politiques discriminatoires, économiquement néfastes ou simplement inefficaces voient ainsi le jour, et prennent effet au détriment de tous. En réponse à ce problème, différentes théories démocratiques ont vu le jour et se sont succédé, afin de tenter de lier davantage le processus démocratique à l’atteinte d’objectifs politiques bénéfiques pour la collectivité. Au nombre d’entre elles, la démocratie délibérative a proposé de substituer la seule confrontation d’intérêts de la démocratie agrégative par une recherche collective du bien commun, canalisée autour de procédures délibératives appelées à légitimer sur des bases plus solides l’exercice démocratique. À sa suite, la démocratie épistémique s’est inspirée des instances délibératives en mettant davantage l’accent sur la qualité des résultats obtenus que sur les procédures elles-mêmes. Au final, un même dilemme hante chaque fois les différentes théories : est-il préférable de construire les instances décisionnelles en se concentrant prioritairement sur les critères procéduraux eux-mêmes, au risque de voir de mauvaises décisions filtrer malgré tout au travers du processus sans pouvoir rien y faire, ou devons-nous avoir d’entrée de jeu une conception plus substantielle de ce qui constitue une bonne décision, au risque cette fois de sacrifier la liberté de choix qui est supposé caractériser un régime démocratique? La thèse que nous défendrons dans ce mémoire est que le concept d’égalité politique peut servir à dénouer ce dilemme, en prenant aussi bien la forme d’un critère procédural que celle d’un objectif politique préétabli. L’égalité politique devient en ce sens une source normative forte de légitimité politique. En nous appuyant sur le procéduralisme épistémique de David Estlund, nous espérons avoir démontré au terme de ce mémoire que l’atteinte d’une égalité politique substantielle par le moyen de procédures égalitaires n’est pas une tautologie hermétique, mais plutôt un mécanisme réflexif améliorant tantôt la robustesse des procédures décisionnelles, tantôt l’atteinte d’une égalité tangible dans les rapports entre citoyens.

Étude du syncrétisme de l’assiko à travers le geste et le foyer socioculturel d’un guitariste Bassa

Ce mémoire porte sur le rôle du geste musical dans le développement de styles musicaux devenus syncrétiques. Il s’attarde à définir dans le détail le style de guitare populaire assiko propre aux Bassa du Cameroun du Sud lequel est représenté internationalement par le guitariste et percussionniste traditionnel Atna Njock. Grâce à une approche dialogique et participative, les techniques du jeu assiko sont explorées et comparées à des exemples de jeu de guitare européenne, afro-américaines et africaines. Les influences qui définissent le jeu d’Atna découlent de la culture Bassa et de son histoire marquée par l’influence coloniale et missionnaire, mais sont aussi alimentées par la «philosophie» (voire la spiritualité) et le passé musical de l’artiste. L’approche participative fournit une perspective émique, c’est-à-dire interne à la culture, de la gestuelle et de la structure du jeu assiko même si nous confrontons les propos du musicien à notre propre regard analytique. La comparaison avec divers instruments de percussion auxquels Atna a été initié montre comment ceux-ci ont forgé son jeu guitaristique. Son rôle de « garant » de la tradition musicale Bassa influence son approche et se manifeste par une préoccupation particulière pour l’« authenticité » dans la reproduction des rythmes d’un « langage » musical donné. Ses liens avec la culture Bassa, s’expriment notamment par le biais de sa reproduction du style de jeu de son maître, Jean Bikoko « Aladin ». La contribution particulière d’Atna à la technique de guitare de Bikoko est comprise comme un ajout à la lignée ancestrale. Une analyse d’un morceau du répertoire assiko issu du plus récent album d’Atna illustre d’ailleurs comment son incorporation de styles « modernes » reproduit les processus traditionnels en intégrant des éléments culturels étrangers.

Les confidences de Zéro Legel, ou la poésie à bas bruit de Gilbert Langevin

L'une des particularités de l'univers de Gilbert Langevin consiste dans la création d'un double énigmatique, Zéro Legel (et de tout un cortège d'alias), qui accompagnera son oeuvre poétique de ses commencements jusqu'à la toute fin. Non sans raison, ces Écrits de Zéro Legel — fragments, aphorismes, proses diverses — ont souvent suscité un certain malaise chez les lecteurs de Langevin. Cette étude examine la première réception de ces textes inclassables et iconoclastes, et tente de réévaluer leur portée à partir des enjeux textuels mais aussi philosophiques qui y étaient engagés pour le poète. Relus dans cette perspective, l'investissement onomastique, les jeux de mots et autres détournements de maximes et de lieux communs pratiqués de manière extensive par Langevin témoignent surtout exemplairement de son rapport à la langue, les rapports troubles entre nom et identité de Zéro Legel relevant dès lors de la même opération qui pousse le poète à constamment s'affronter, à travers proverbes et aphorismes, à la loi de la langue.

Diez de Juan Emar y la tétrada pitagórica : iniciación al simbolismo hermético

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Décoloniser Kateri Tekakwitha

Forum mondial théologie et libération, Montréal, 8 août 2016

Expertise sportive et entraînement perceptivo-cognitif de l’athlète

Pour être performant au plus haut niveau, les athlètes doivent posséder une capacité perceptivo-cognitive supérieure à la moyenne. Cette faculté, reflétée sur le terrain par la vision et l’intelligence de jeu des sportifs, permet d’extraire l’information clé de la scène visuelle. La science du sport a depuis longtemps observé l’expertise perceptivo-cognitive au sein de l’environnement sportif propre aux athlètes. Récemment, des études ont rapporté que l’expertise pouvait également se refléter hors de ce contexte, lors d’activités du quotidien par exemple. De plus, les récentes théories entourant la capacité plastique du cerveau ont amené les chercheurs à développer des outils pour entraîner les capacités perceptivo-cognitives des athlètes afin de les rendre plus performants sur le terrain. Ces méthodes sont la plupart du temps contextuelles à la discipline visée. Cependant, un nouvel outil d’entraînement perceptivo-cognitif, nommé 3-Dimensional Multiple Object Tracking (3D-MOT) et dénué de contexte sportif, a récemment vu le jour et a fait l’objet de nos recherches. Un de nos objectifs visait à mettre en évidence l’expertise perceptivo-cognitive spécifique et non-spécifique chez des athlètes lors d’une même étude. Nous avons évalué la perception du mouvement biologique chez des joueurs de soccer et des non-athlètes dans une salle de réalité virtuelle. Les sportifs étaient systématiquement plus performants en termes d’efficacité et de temps de réaction que les novices pour discriminer la direction du mouvement biologique lors d’un exercice spécifique de soccer (tir) mais également lors d’une action issue du quotidien (marche). Ces résultats signifient que les athlètes possèdent une meilleure capacité à percevoir les mouvements biologiques humains effectués par les autres. La pratique du soccer semble donc conférer un avantage fondamental qui va au-delà des fonctions spécifiques à la pratique d’un sport. Ces découvertes sont à mettre en parallèle avec la performance exceptionnelle des athlètes dans le traitement de scènes visuelles dynamiques et également dénuées de contexte sportif. Des joueurs de soccer ont surpassé des novices dans le test de 3D-MOT qui consiste à suivre des cibles en mouvement et stimule les capacités perceptivo-cognitives. Leur vitesse de suivi visuel ainsi que leur faculté d’apprentissage étaient supérieures. Ces résultats confirmaient des données obtenues précédemment chez des sportifs. Le 3D-MOT est un test de poursuite attentionnelle qui stimule le traitement actif de l’information visuelle dynamique. En particulier, l’attention sélective, dynamique et soutenue ainsi que la mémoire de travail. Cet outil peut être utilisé pour entraîner les fonctions perceptivo-cognitives des athlètes. Des joueurs de soccer entraînés au 3D-MOT durant 30 sessions ont montré une amélioration de la prise de décision dans les passes de 15% sur le terrain comparés à des joueurs de groupes contrôles. Ces données démontrent pour la première fois un transfert perceptivo-cognitif du laboratoire au terrain suivant un entraînement perceptivo-cognitif non-contextuel au sport de l’athlète ciblé. Nos recherches aident à comprendre l’expertise des athlètes par l’approche spécifique et non-spécifique et présentent également les outils d’entraînements perceptivo-cognitifs, en particulier le 3D-MOT, pour améliorer la performance dans le sport de haut-niveau.

Étude de quelques populations structurées : processus de coalescence et abondance d’une stratégie

Le fichiers qui accompagnent mon document ont été réalisés avec le logiciel Mathematica

Relations parents-enfant et fonctions exécutives des enfants à l’âge de l’entrée scolaire : l’importance des pères

De nombreuses études empiriques ont démontré que la qualité des relations parent-enfant est importante pour le développement des fonctions exécutives (FE) des enfants. Cependant, la majorité des études ont porté sur des échantillons de mères ou de pères, mais non des deux. Le présent mémoire contient un article empirique qui poursuit deux buts. Premièrement, l’article a examiné la contribution unique de la qualité des interactions mère-enfant et père-enfant avec leur bambin (toddler) à la prédiction des FE en milieu scolaire. Deuxièmement, l’article a investigué les effets d'interactions entre la qualité des relations mère-enfant et père-enfant. L’étude a été menée auprès de 46 familles intactes (mère-père-enfant). Lorsque les enfants avaient 18 mois, la qualité des interactions mère-enfant et père-enfant a été mesurée par observation de séquences indépendantes de jeu avec le Mutually Responsive Orientation scale. À la maternelle, les problèmes exécutifs des enfants furent rapportés par le professeur à l’aide du Behavior Rating Inventory of Executive Function. Les résultats indiquent que les enfants qui ont des interactions de meilleure qualité avec leur père à 18 mois sont ensuite considérés par leur professeur de maternelle comme ayant moins de déficits exécutifs. Cela suggère que la relation père-enfant peut être un facteur important à considérer en ce qui concerne le développement des FE des enfants. Les implications théoriques et empiriques ainsi que les implications pratiques, notamment celles concernant les professeurs, sont abordées lors de la conclusion de ce mémoire.