The effect of music listening maps on second grade music students' preference for and understanding of orchestral music

This study investigated the use of music listening maps to help learning and the preferences of second graders for orchestral music. Subjects were a population of four 2nd grade classes, and were randomly divided into two groups. The investigation was a counterbalanced, post-test only design, lasting for three consecutive classes. Two treatments/lessons were presented and a third lesson was a review. In Treatment 1 Group I used listening maps first, while Group II received instruction without listening maps. In Treatment 2, the order was reversed. Two post-tests and a comprehensive test were administered. An affective survey was administered after the treatments, measuring student preference and attitude. When listening maps were presented, scores were significantly higher. It did not matter whether the listening maps were presented first or not. Results of the survey show student preference will increase with music listening maps.

The sound of whiteness: early music vocal performance practice in Britain

American Musicological Society annual meeting, San Francisco, 10 Nov. 2011

Contrary Voices: Heine, Holderlin, and Goethe in the music of Hanns Eisler

Contrary Voices examines composer Hanns Eisler’s settings of nineteenth-century poetry under changing political pressures from 1925 to 1962. The poets’ ideologically fraught reception histories, both under Nazism and in East Germany, led Eisler to intervene in this reception and voice dissent by radically fragmenting the texts. His musical settings both absorb and disturb the charisma of nineteenth-century sound materials, through formal parody, dissonance, and interruption. Eisler’s montage-like work foregrounds the difficult position of a modernist artist speaking both to and against political demands placed on art. Often the very charisma the composer seeks to expose for its power to sway the body politic exerts a force of its own. At the same time, his text-settings resist ideological rigidity in their polyphonic play. A dialogic approach to musical adaptation shows that, as Eisler seeks to resignify Heine’s problematic status in the Weimar Republic, Hölderlin’s appropriation under Nazism, and Goethe’s status as a nationalist symbol in the nascent German Democratic Republic, his music invests these poetic voices with surprising fragility and multivalence. It also destabilizes received gender tropes, in the masculine vulnerability of Eisler’s Heine choruses from 1925 and in the androgynous voices of his 1940s Hölderlin exile songs and later Goethe settings. Cross-reading the texts after hearing such musical treatment illuminates faultlines and complexities less obvious in text-only analysis. Ultimately Eisler’s music translates canonical material into a form as paradoxically faithful as it is violently fragmented.

Daughter of Eve, "Femme Fatale", and Persecuted Artist: The Mythic Transgressive Woman in Oscar Wilde's and Richard Strauss's "Salome"

Historically, Salome was an unexceptional figure who never catalyzed John the Baptist's death. However, in Christian Scripture, she becomes the dancing seductress as fallen daughter of Eve.  Her stepfather Herod promises Salome his kingdom if she dances for him, but she follows her mother’s wish to have John beheaded. In Strauss’s opera, after Wilde's Symbolist-Decadent play, Salome becomes independent of Herodias’ will, and the mythic avatar of the femme fatale and persecuted artist who Herod has killed after she kisses John's severed head.  Her signature key of C# major, resolving to the C major sung by Herod and Jokanaan at her death, represent her tragic fate musically.

Music therapy, in tuning at the end of life

In this article music therapy is presented as a helpful tool to support the persons (and their relatives) living at the end of their life and, also, as a non pharmacological and complementary therapy in an integral and holistic medicine. What we report here comes from the direct experience, nourished after many years of interventions and reflections in oncology and palliative care units. We’re talking about silence, music, therapy, models and techniques. We will read and feel therapeutic sessions… but above all, we’re talking about life, conscience and love.

Let The People Sing? Irish Rebel Songs, Sectarianism, and Scotland’s Offensive Behaviour Act

Irish rebel songs afford Scotland’s Irish diaspora a means to assert, experience, and perform their alterity free from the complexities of the Irish language. Yet this benign intent can be offset by how the music is perceived by elements of Scotland’s majority Protestant population. The Scottish Government’s Offensive Behaviour Act (2012) has been used to prosecute those singing Irish rebel songs and there is continuing debate as to how this alleged offence should be dealt with. This article explores the social function and cultural perception of Irish rebel songs in the west coast of Scotland, examining what qualities lead to a song being perceived as ‘sectarian’, by focusing on song lyrics, performance context, and extra-musical discourse. The article explores the practice of lyrical ‘add-ins’ that inflect the meaning of key songs, and argues that the sectarianism of a song resides, at least in part, in the perception of the listener.

Imagerie Musicale Involontaire : caractéristiques phénoménologiques et mnésiques

L’imagerie musicale involontaire (IMIN) est un phénomène mental extrêmement commun. Il peut être défini en tant que type d’imagerie mentale musicale qui devient consciente sans effort ou intentionnalité et qui n’est pas pathologique. La forme la plus connue d’IMIN est le « ver d’oreille », qui se présente généralement comme un court extrait musical tournant en boucle en tête et dont on se débarrasse difficilement. L’objectif principal de la présente thèse est d’investiguer les mécanismes cognitifs sous-tendant le phénomène puisque, malgré l’intérêt répandu dans les médias populaires, son étude expérimentale est récente et un modèle intégré n’a pas encore été proposé. Dans la première étude, l’induction expérimentale a été tentée et les caractéristiques des images mentales d’épisodes d’IMIN ont été investiguées. Dans le laboratoire, des chansons accrocheuses (versus des proverbes) ont été présentées répétitivement aux participants qui devaient ensuite les chanter le plus fidèlement possible. Ils ont par après quitté le laboratoire, une enregistreuse numérique en mains, avec la consigne d’enregistrer une reproduction vocale la plus fidèle possible de ce qu’ils avaient en tête lors de tous leurs épisodes d’IMIN sur une période de quatre jours, ainsi que de décrire leur timbre. L’expérience a été répétée deux semaines plus tard. Douze des dix-huit participants du groupe expérimental ont rapporté des pièces induites comme épisodes d’IMIN, ce qui confirme l’efficacité de la procédure d’induction. La tonalité et le tempo des productions ont ensuite été analysés et comparés à ceux des pièces originales. Similairement pour les épisodes d’IMIN induits et les autres, les tempi produits et, dans une moindre mesure pour les non-musiciens, les tonalités étaient proches des originaux. Le timbre décrit était généralement une version simplifiée de l’original (un instrument et/ou une voix). Trois études se sont ensuite intéressées au lien entre le potentiel d’IMIN et la mémorabilité. Dans une étude préliminaire, 150 chansons du palmarès francophone radiophonique ont été évaluées en ligne par 164 participants, sur leur niveau de familiarité, d’appréciation et de potentiel d’IMIN. Les pièces ont ensuite été divisées en groupes de stimuli à faible et à fort potentiel d’IMIN, qui ont été utilisés dans une tâche typique de rappel libre/reconnaissance, premièrement avec des francophones (pour qui les pièces étaient familières) et ensuite avec des non-francophones (pour qui les pièces étaient non-familières). Globalement, les pièces à fort potentiel d’IMIN étaient mieux rappelées et reconnues que les pièces à faible potentiel. Une dernière étude a investigué l’impact de la variabilité inter-stimulus du timbre sur les résultats précédents, en demandant à une chanteuse d’enregistrer les lignes vocales des pièces et en répétant l’expérience avec ces nouveaux stimuli. La différence précédemment observée entre les stimuli à fort et à faible potentiel d’IMIN dans la tâche de reconnaissance a ainsi disparu, ce qui suggère que le timbre est une caractéristique importante pour le potentiel d’IMIN. En guise de conclusion, nous suggérons que les phénomènes mentaux et les mécanismes cognitifs jouant un rôle dans les autres types de souvenirs involontaires peuvent aussi s’appliquer à l’IMIN. Dépendamment du contexte, la récupération mnésique des pièces peut résulter de la répétition en mémoire à court terme, de l’amorçage à court et long terme ou de l’indiçage provenant de stimuli dans l’environnement ou les pensées. Une des plus importantes différences observables entre l’IMIN et les autres souvenirs involontaires est la répétition. Nous proposons que la nature même de la musique, qui est définie par la répétition à un niveau micro- et macro-structurel en est responsable.

On the Incorporation of Psychologically-Driven 'Music' Preference Models for Music Recommendation

There are hundreds of millions of songs available to the public, necessitating the use of music recommendation systems to discover new music. Currently, such systems account for only the quantitative musical elements of songs, failing to consider aspects of human perception of music and alienating the listener’s individual preferences from recommendations. Our research investigated the relationships between perceptual elements of music, represented by the MUSIC model, with computational musical features generated through The Echo Nest, to determine how a psychological representation of music preference can be incorporated into recommendation systems to embody an individual’s music preferences. Our resultant model facilitates computation of MUSIC factors using The Echo Nest features, and can potentially be integrated into recommendation systems for improved performance.

"Let Us Sing as We Go": The Role of Music in the United States Suffrage Movement

Music played a prominent role in the United States women’s suffrage movement (1848–1920). Suffragists left behind hundreds of compositions supporting their cause and historical accounts indicate that musical performances were common at suffrage events. With only a few exceptions, scholars have disregarded the music used in this movement, and have underemphasized its significance. This study examines the use of music in the suffrage movement from three perspectives: music with lyrics, titles, and images that espouse women’s enfranchisement; music performed at national suffrage conventions held by the National American Woman Suffrage Association; and music accompanying suffrage parades. Though the music used varies in each case, it is clear that music played an important role in unifying suffragists and underscoring the ideals and goals of the movement.

“FOR THE UNION MAKES US STRONG”: PROTEST MUSIC IN THE 1989−90 PITTSTON STRIKE

Music making was a common practice during the 1989−90 strike against the Pittston Coal Company, an action led by the United Mine Workers of America. The types of music made varied greatly based on the contexts in which musicians and protesters were participating. In this thesis, I discuss how performers and audiences engaged with the music of the Pittston strike, with a focus on how different participatory and presentational contexts included music with similar or the same lyrics to achieve different goals. I argue that the musicians’ understanding of the people around them as potential participants, audiences, or inherent audiences shifted their use of music as they worked to use music strategically and effectively for the strike. The musical methods and considerations of the Pittston strike protesters have had a lasting impact on more recent protest movements.

Contrasts: Quartets and Art Songs of the Nineteenth Century

The nineteenth-century Romantic era saw the development and expansion of many vocal and instrumental forms that had originated in the Classical era. In particular, the German lied and French mélodie matured as art forms, and they found a kind of equilibrium between piano and vocal lines. Similarly, the nineteenth-century piano quartet came into its own as a form of true chamber music in which all instruments participated equally in the texture. Composers such as Robert Schumann, Johannes Brahms, and Gabriel Fauré offer particularly successful examples of both art song and piano quartets that represent these genres at their highest level of artistic complexity. Their works have become the cornerstones of the modern collaborative pianist’s repertoire. My dissertation explored both the art songs and the piano quartets of these three composers and studied the different skills needed by a pianist performing both types of works. This project included the following art song cycles: Robert Schumann’s Dichterliebe, Gabriel Fauré’s Poème d’un Jour, and Johannes Brahms’ Zigeunerlieder. I also performed Schumann’s Piano Quartet in E-flat Major, Op. 47, Fauré’s Piano Quartet in C minor, Op. 15, and Brahms’ Piano Quartet in G minor, Op. 25. My collaborators included: Zachariah Matteson, violin and viola; Kristin Bakkegard, violin; Molly Jones, cello; Geoffrey Manyin, cello; Karl Mitze, viola; Emily Riggs, soprano, and Matthew Hill, tenor. This repertoire was presented over the course of three recitals on February 13, 2015, December 11, 2015, March 25, 2016 at the University of Maryland’s Gildenhorn Recital Hall. These recitals can be found in the Digital Repository at the University of Maryland (DRUM).

Imagerie Musicale Involontaire : caractéristiques phénoménologiques et mnésiques

L’imagerie musicale involontaire (IMIN) est un phénomène mental extrêmement commun. Il peut être défini en tant que type d’imagerie mentale musicale qui devient consciente sans effort ou intentionnalité et qui n’est pas pathologique. La forme la plus connue d’IMIN est le « ver d’oreille », qui se présente généralement comme un court extrait musical tournant en boucle en tête et dont on se débarrasse difficilement. L’objectif principal de la présente thèse est d’investiguer les mécanismes cognitifs sous-tendant le phénomène puisque, malgré l’intérêt répandu dans les médias populaires, son étude expérimentale est récente et un modèle intégré n’a pas encore été proposé. Dans la première étude, l’induction expérimentale a été tentée et les caractéristiques des images mentales d’épisodes d’IMIN ont été investiguées. Dans le laboratoire, des chansons accrocheuses (versus des proverbes) ont été présentées répétitivement aux participants qui devaient ensuite les chanter le plus fidèlement possible. Ils ont par après quitté le laboratoire, une enregistreuse numérique en mains, avec la consigne d’enregistrer une reproduction vocale la plus fidèle possible de ce qu’ils avaient en tête lors de tous leurs épisodes d’IMIN sur une période de quatre jours, ainsi que de décrire leur timbre. L’expérience a été répétée deux semaines plus tard. Douze des dix-huit participants du groupe expérimental ont rapporté des pièces induites comme épisodes d’IMIN, ce qui confirme l’efficacité de la procédure d’induction. La tonalité et le tempo des productions ont ensuite été analysés et comparés à ceux des pièces originales. Similairement pour les épisodes d’IMIN induits et les autres, les tempi produits et, dans une moindre mesure pour les non-musiciens, les tonalités étaient proches des originaux. Le timbre décrit était généralement une version simplifiée de l’original (un instrument et/ou une voix). Trois études se sont ensuite intéressées au lien entre le potentiel d’IMIN et la mémorabilité. Dans une étude préliminaire, 150 chansons du palmarès francophone radiophonique ont été évaluées en ligne par 164 participants, sur leur niveau de familiarité, d’appréciation et de potentiel d’IMIN. Les pièces ont ensuite été divisées en groupes de stimuli à faible et à fort potentiel d’IMIN, qui ont été utilisés dans une tâche typique de rappel libre/reconnaissance, premièrement avec des francophones (pour qui les pièces étaient familières) et ensuite avec des non-francophones (pour qui les pièces étaient non-familières). Globalement, les pièces à fort potentiel d’IMIN étaient mieux rappelées et reconnues que les pièces à faible potentiel. Une dernière étude a investigué l’impact de la variabilité inter-stimulus du timbre sur les résultats précédents, en demandant à une chanteuse d’enregistrer les lignes vocales des pièces et en répétant l’expérience avec ces nouveaux stimuli. La différence précédemment observée entre les stimuli à fort et à faible potentiel d’IMIN dans la tâche de reconnaissance a ainsi disparu, ce qui suggère que le timbre est une caractéristique importante pour le potentiel d’IMIN. En guise de conclusion, nous suggérons que les phénomènes mentaux et les mécanismes cognitifs jouant un rôle dans les autres types de souvenirs involontaires peuvent aussi s’appliquer à l’IMIN. Dépendamment du contexte, la récupération mnésique des pièces peut résulter de la répétition en mémoire à court terme, de l’amorçage à court et long terme ou de l’indiçage provenant de stimuli dans l’environnement ou les pensées. Une des plus importantes différences observables entre l’IMIN et les autres souvenirs involontaires est la répétition. Nous proposons que la nature même de la musique, qui est définie par la répétition à un niveau micro- et macro-structurel en est responsable.

A VOICE OF THEIR OWN: MUSIC AND SOCIAL COHESION IN TURKISH ALEVI LIFE

This dissertation examines the role that music has played in the expression of identity and revitalization of culture of the Alevis in Turkey, since the start of their sociocultural revival movement in the late 1980s. Music is central to Alevi claims of ethnic and religious difference—singing and playing the bağlama (Turkish folk lute) constitutes an expressive practice in worship and everyday life. Based on research conducted from 2012 to 2014, I investigate and present Alevi music through the lens of discourses on the construction of identity as a social and musical process. Alevi musicians perform a revived repertoire of the ritual music and folk songs of Anatolian bards and dervish-lodge poets that developed over several centuries. Contemporary media and performance contexts have blurred former distinctions between sacred and secular, yet have provided new avenues to build community in an urban setting. I compare music performances in the worship services of urban and small-town areas, and other community events such as devotional meetings, concerts, clubs, and broadcast and social media to illustrate the ways that participation—both performing and listening—reinforces identity and solidarity. I also examine the influence of these different contexts on performers’ musical choices, and the power of music to evoke a range of responses and emotional feelings in the participants. Through my investigation I argue that the Alevi music repertoire is not only a cultural practice but also a symbol of power and collective action in their struggle for human rights and self-determination. As Alevis have faced a redefined Turkish nationalism that incorporates Sunni Muslim piety, this music has gained even greater potency in their resistance to misrecognition as a folkloric, rather than a living, tradition.

“In The Good Old Days of Long Ago": Echoes of Vaudeville and Minstrelsy in the Music of Uncle Dave Macon

Uncle Dave Macon provided an essential link between nineteenth-century, urban popular stage music (especially the minstrel show and vaudeville) and commercialized country music of the 1920s. He preserved through his recordings a large body of songs and banjo techniques that had their origins in urban-based, nineteenth-century vaudeville and minstrelsy. Like the minstrel and vaudeville performers of the nineteenth century, Macon told jokes and stories, employed attention-grabbing stage gimmicks, marketed himself with boastful or outrageous slogans, and dressed with individual flair. At the same time, Macon incorporated many features from the rural-based folk music of Middle Tennessee. Overall, Macon’s repertoire, musical style, and stage persona (which included elements of the rube, country gentleman, and old man) demonstrated his deep absorption, and subsequent reinterpretation, of nineteenth-century musical traditions. Macon’s career offers a case study in how nineteenth-century performance styles, repertoire, and stage practices became a part of country music in the 1920s. As an artist steeped in two separate, but overlapping, types of nineteenth-century music—stage and folk—Macon was well-positioned to influence the development of the new commercial genre. He brought together several strains of nineteenth-century music to form a modern, twentieth-century musical product ideally suited to the new mass media of records, radio, and film. By tracing Macon’s career and studying his music, we can observe how the cross-currents of rural and popular entertainment during the nineteenth and early twentieth centuries interacted to form the commercial genre we now know as country music.