China's Creative Industries : Copyright, Social Network Markets and the Business of Culture in a Digital Age

China’s Creative Industries explores the role of new technologies, globalization and higher levels of connectivity in re-defining relationships between ‘producers’ and ‘consumers’ in 21st century China. The evolution of new business models, the impact of state regulation, the rise of entrepreneurial consumers and the role of intellectual property rights are traced through China’s film, music and fashion industries. The book argues that social network markets, consumer entrepreneurship and business model evolution are driving forces in the production and commercialization of cultural commodities. In doing so it raises important questions about copyright’s role in the business of culture, particularly in a digital age.

O ethos do compositor da música popular brasileira no contexto da ditadura militar

No período da ditadura militar no Brasil de 1964 a 1985 a arte, especialmente a música produzida no país, assumiu postura de oposição ao regime militar. Para isso, os compositores tinham de utilizar princípios e recursos linguísticos e discursivos que persuadissem o público subliminarmente, já que as manifestações explícitas eram alvos da censura. Esta pesquisa objetiva analisar o ethos discursivo dos compositores da Música Popular Brasileira nesse período histórico, identificando as marcas discursivas e as estratégias persuasivas utilizadas nas canções. Dessa forma, pretendemos comprovar que a construção do ethos se materializa nas escolhas linguísticas e discursivas e nas relações intertextuais e interdiscursivas utilizadas pelos compositores. Trata-se de uma pesquisa bibliográfica, de cunho qualitativo, que considera a realidade histórico-cultural da época e trabalha com um corpus composto por vinte e três canções. No estudo, foram utilizados pressupostos teóricos, históricos, culturais e linguístico-discursivos, principalmente da Análise do Discurso Francesa de Maingueneau e Charaudeau. Conclui-se que, no período, além das estratégias referentes ao domínio artístico, os compositores utilizaram estratégias específicas para driblar a censura e preservar suas faces, construindo ethe que marcaram a memória brasileira e os tornaram reconhecidos como símbolos de resistência ao regime militar

Kwestie kobiece w czesko-słowackiej refleksji filmowej po 1989 roku

Tekst stanowi krytyczną rekapitulację refleksji filmoznawczej prowadzonej w Czechach i Słowacji a dotykającej problematyki tzw. ženskej otázki (kwestii kobiecej). Myśl feministyczna i genderowa pojawiła się w refleksji publicznej i naukowej dopiero po Aksamitnej Rewolucji, napotykając na wstrzemięźliwą i zdystansowaną reakcję środowisk naukowych i twórczych. Dotychczasowa niezbyt rozbudowana refleksja nad kwestiami kobiecymi w kinie czeskim i słowackim, reprezentuje wczesny etap feminizmu akademickiego. Czesko-słowackie women’s studies skupiają się na gromadzeniu wiedzy dotyczącej historii, kultury, życia społecznego i politycznego kobiet. W centrum swojego dyskursu sytuują analizę wizerunków kobiecych, przede wszystkim we wczesnym kinie, rozważania nad kategorią kobiecości, jej specyfiką i przeobrażeniami dokonującymi się w procesie historycznym. Tymczasem w dokonaniach kinematografii Czech i Słowacji coraz większą rolę odgrywają kobiety reżyserki. Współczesne kino kobiet jest tu wyraźnie dostrzegalnym w swojej specyfice jakościowej i ilościowej zjawiskiem artystycznym, który na razie pozostaje obszarem nieeksplorowanym w czesko-słowackiej myśli filmoznawczej ukierunkowanej feministycznie i genderowo.

Filmy dla muzyki. Egar Varèse i Bill Viola

Anno Mungen focuses on “films made for music” and on the rare phenomenon of ‘music depicted by picture’ (S. Kracauer). The narration about historical metamorphoses of varied forms of coexistence between music and picture is accompanied by a reflection on the laws of audiovisual perception. The main examples are discussed, these concentrating on the artistic ideas of Walt Disney’s animated film Fantasia and – first of all – on Edgard Varèse’s bold ideal of spatial music, attained post mortem in Bill Viola’s Déserts (1994). After a detailed analysis of Viola’s film the author admits that the movie pictures deduced from music are able to render the latter its own substantial visual power.

Composition portfolio and commentaries

In an attempt to provide an analytical entry point into my compositional practice, I have identified eight themes which are significantly recurrent: reduction – the selection of a small number of elements; imperfection – a damaged or warped characteristic of sound; hierarchy – a concern with the roles of instruments with regard to their relative prominence; motion – apparently static sound masses consist of fine internal movement; listener perception – expectations for change influence the experience of affect; translation – the transitioning of electronic sounds to the acoustic realm, and vice versa; immersion – the creation of an accommodating soundscape; blurring – smearing and overlapping sounds or genres. Each of these eight factors is associated with relevant precedents in the history and theory of music that have been influential on my work. These include the minimalist compositions of Steve Reich and Arvo Pärt; the lo-fi aesthetic of Boards of Canada and My Bloody Valentine; concerns with political hierarchy in the work of Louis Andriessen; the variations of dynamics and microtonal shifts of Giacinto Scelsi; Leonard B. Meyer's account of expectation in music; cross-fertilisation of the acoustic and electronic in pieces by Gérard Grisey and Gyorgy Ligeti; the immersive technique of Brian Eno's ambient music; and the overlapping sounds of Aphex Twin. These eight factors are variously applicable to the eleven submitted pieces, which are individually analysed with reference to the most significant of the categories. Together they form a musical language that sustains the interaction of a variety of techniques, concepts and genres.

MUSICAL EXOTICISM EXPLORED IN PIANO WORKS FROM THE EIGHTEENTH CENTURY THROUGH THE EARLY TWENTIETH CENTURY

Musical exoticism is the evocation of a culture different from that of the composer. It occurs anytime a composer tries to conjure up the music of a country not his own. Although there have been studies of exoticism in the piano works of an individual composer, namely Debussy, there has not been a comprehensive study of musical exoticism in the piano literature as a whole. Upon chronological examination of the piano repertoire, general trends exhibiting exoticism become evident. The first general trend is the emergence of the Turkish style (alia turca) in the eighteenth century. Turkish style soon transmuted to the Hungarian-Gypsy style (all 'ongarese or style hongrois). [In Beethoven's Op. 129, it is alia ingharese.] Composers often alternated between the two styles even in the same composition. By the late nineteenth century, style hongrois was firmly entrenched in the musical language of Austro-German composers, as seen in the works of Brahms. In the nineteenth century, composers turned to the Middle East, North Africa and Spain for inspiration. In particular are several compositions emulating Spanish dance music, culminating in the Spanish works of Debussy and Ravel. The gamelans from Indonesia and objects from the Far East of Japan and China, brought by advances in trade and transportation, captivated the imagination of composers at the turn of the twentieth century. Also in the early twentieth century, composers tried emulating dance and jazz music coming from the Americas, such as the cakewalk, minstrelsy, and the blues. One sees the ever widening sphere of exotic inspiration for western music composers: from the Turkish invasions to the traveling Gypsies of Hungary; to the captivating dance rhythms, soulful cante jondo sections, and guitar flourishes of Spain; expanding further to the far reaches of Asia and the jazzy rhythms of the Americas. This performance dissertation consists of three recitals presented at the University of Maryland, and is documented on compact disc recordings which are housed within the University of Maryland Library System. The recordings present the music of Balakirev, Beethoven, Brahms, Chopin, Debussy, Haydn, Hummel, Milhaud, Moszkowski, Mozart, Ravel, and Schubert.

Les conditions d'une musicalité du sonore : étude comparative sur le statut musical du bruit en musique et au cinéma

La création cinématographique de l’étudiante qui accompagne ce mémoire sous la forme d’un DVD est disponible à la Médiathèque de la Bibliothèque des lettres et sciences humaines sous le titre : Qui va droit son chemin.(http://atrium.umontreal.ca/notice/UM-ALEPH002343834)

Le nerf du corps : racines, correspondances et contamination des images de folles au cinéma

Ce mémoire de maîtrise étudie la mise en scène de la folie des femmes au cinéma. Notre hypothèse est qu’il est possible d’appréhender la folie en tant que forme esthétique et ainsi, d’isoler un répertoire de figures essentielles à la mise en scène et à la mise en jeu des corps féminins. En partant d’une définition « fuyante » de la folie, il s’agit de dégager la folle de la pathologie et d’examiner plutôt comment les images peuvent se faire écho et rejouer dans l’Histoire une série de « procédés figuratifs » à l’écran. Nous nous intéressons d’abord au grand bassin imaginaire dans lequel se construit l’iconographie de la folie des femmes au cinéma. Nous montrons ainsi comment la mémoire visuelle de la folie est tirée de tous les côtés par un réseau d’images plus anciennes et soulignons l’importance du spectaculaire dans ce bassin esthétique. Ensuite, nous étudions le mouvement des corps fous au cinéma. Nous démontrons comment la mise en scène de la folie donne accès à un répertoire de formes d’expressions reconnaissables : syncope, rire hystérique, jouissance, chutes, redressements, tics, contractures, etc. Finalement, en nous appuyant sur les notions d’emprunt et de contagion, nous démontrons l’importance du geste dans la compréhension des corps délirants au cinéma.

L’influence réciproque qu’exerce la pratique conjointe de la composition de musique à l’image et de la composition de musique de concert sur le développement de mon langage musical

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).

Centor : concept d’interface de spatialisation sonore additive

Cette recherche porte un regard critique sur les interfaces de spatialisation sonore et positionne la composition de musique spatiale, un champ d’étude en musique, à l’avant plan d’une recherche en design. Il détaille l’approche de recherche qui est centrée sur le processus de composition de musique spatiale et les modèles mentaux de compositeurs électroacoustiques afin de livrer des recommandations de design pour le développement d’une interface de spatialisation musicale nommée Centor. Cette recherche montre qu’un processus de design mené à l’intersection du design d’interface, du design d’interaction et de la théorie musicale peut mener à une proposition pertinente et innovatrice pour chacun des domaines d’étude. Nous présentons la recherche et le développement du concept de spatialisation additive, une méthode de spatialisation sonore par patrons qui applique le vocabulaire spectromorphologique de Denis Smalley. C’est un concept d’outil de spatialisation pour le studio qui complémente les interfaces de composition actuelles et ouvre un nouveau champ de possibilités pour l’exploration spatiale en musique électroacoustique. La démarche de recherche présentée ici se veut une contribution au domaine du design d’interfaces musicales, spécifiquement les interfaces de spatialisation, mais propose aussi un processus de design pour la création d’interfaces numériques d’expression artistique.

Progress report from the strategic sanctuary for the destruction of free will

Progress Report from the Strategic Sanctuary for the Destruction of Free Will presents a new work combining film, music and installation that juxtaposes the setting of the institution with the aesthetics of psychedelia.Progress Report from the Strategic Sanctuary for the Destruction of Free Will is an installation, film and sound work that takes over the gallery. Using plain white card, it distorts the structure of the gallery’s architecture, producing a paranoid shrunken space. Inside this space, performers in cardboard costumes re-enact abstracted, broken gestures drawn from video documentation of acid trips, psychedelic dancing, rehab sessions and radical psychotherapy workshops. Progress Report from the Strategic Sanctuary for the Destruction of Free Will has been formed through Pil and Galia Kollectiv’s research into the anti-psychiatry movement, their interests in counter cultural movements and their studies around biopolitics and the proliferation of societal medication. In 1958, having had a life changing experience with LSD, former alcoholic Charles Dederich founded Synanon, a drug rehabilitation program based on residential care and an aggressive form of group therapy called ‘The Game’. The organisation gradually evolved into a controversial alternative community, described in a critical pamphlet as creating Strategic Sanctuaries for the Destruction of Free Will, “a subversive program for mixing delinquents and lefties”. In 1984, anti-psychiatrist R. D. Laing described tranquillizers as chemical straight jackets. With our growing understanding of the plasticity of the brain and the potential to shape it, the tension between liberation and control in the struggle over the mind continues to define our relationship to labour, culture and production. Interrogating these ideas, the exhibition poses the question of whether a collective body can overcome the solipsism of the incommunicable experience of the individual mind.

O canto do povo de um lugar: uma leitura das canções de João do Vale

Pós-graduação em Letras - IBILCE

Benjamin, BitTorrent, Bootlegs: auratic piracy cultures?

Seventy-five years ago, Walter Benjamin showed us that the line between "production" and "reproduction" had begun to blur. Reproduction was no longer optional, consequential and degrading (the shredding of the original’s aura), but was instead being transformed into a principle of production itself: something was produced bearing in mind how it was to be reproduced. No longer did the original exist (in photography, film, music recordings), but instead diffusion, exhibition. The work existed precisely at the time and place of its enjoyment. Today, the cultural pirates of the new digital era take this principle to the extreme, with a certain characteristic also foreseen by Benjamin: a yearning to participate, to post-produce something captured in order to later return it to the Internet, modified in some way and made available to others. This postproduction is what is now often mixed up with reception, just as production and reproduction used to be in Benjamin’s day. Postproduction on the receiver’s side, which somehow augments and extends the received work, in other words creates an etymologically rigorous author-ization (auctor as the root of both author and augmentation). The cultural pirate only deserves redemption thanks to this creative augmentation.

Sexualité et corporéité féminines dans le cinéma de réalisatrices contemporaines : une lecture féministe

Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement cinématographique de la sexualité et de la corporéité féminines dans le travail de réalisatrices contemporaines. Il prend appui sur les films Anatomie de l’enfer (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), et Klip (Maja Milos, 2012). Notre hypothèse est que ces réalisatrices adoptent une posture féministe, affirmée ou non, par leur révision des stéréotypes de genre relatifs au corps et à la sexualité féminine. Dans un premier temps, nous nous intéressons à la dynamique érotique entretenue, à travers l’Histoire, entre la femme comme objet de désir et l’homme comme sujet désirant, au cinéma comme ailleurs. Puis, nous analysons la déconstruction des stéréotypes de genre féminins de pudeur et de passivité au sein du corpus choisi. Nous démontrons ainsi qu’en révisant ces stéréotypes, les réalisatrices déjouent volontairement le spectateur dans son expérience érotique. Enfin, nous examinons les stratégies d’auto-réification du corps féminin récurrentes chez les cinéastes étudiées. Nous estimons que les cinéastes s’inscrivent de la sorte dans une tendance à la subversion observable dans les pratiques artistiques féministes contemporaines.

Sexualité et corporéité féminines dans le cinéma de réalisatrices contemporaines : une lecture féministe

Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement cinématographique de la sexualité et de la corporéité féminines dans le travail de réalisatrices contemporaines. Il prend appui sur les films Anatomie de l’enfer (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), et Klip (Maja Milos, 2012). Notre hypothèse est que ces réalisatrices adoptent une posture féministe, affirmée ou non, par leur révision des stéréotypes de genre relatifs au corps et à la sexualité féminine. Dans un premier temps, nous nous intéressons à la dynamique érotique entretenue, à travers l’Histoire, entre la femme comme objet de désir et l’homme comme sujet désirant, au cinéma comme ailleurs. Puis, nous analysons la déconstruction des stéréotypes de genre féminins de pudeur et de passivité au sein du corpus choisi. Nous démontrons ainsi qu’en révisant ces stéréotypes, les réalisatrices déjouent volontairement le spectateur dans son expérience érotique. Enfin, nous examinons les stratégies d’auto-réification du corps féminin récurrentes chez les cinéastes étudiées. Nous estimons que les cinéastes s’inscrivent de la sorte dans une tendance à la subversion observable dans les pratiques artistiques féministes contemporaines.