A música como recurso cênico de palhaços: Cia. Teatral Turma do Biribinha e Circo Amarillo

Pós-graduação em Artes - IA

Um brinde pra mim: rivalidade e concepção de talento dos hip-hoppers de Marília

Pós-graduação em Ciências Sociais - FFC

O simbolismo na poesia de Jorge de Lima

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)

O discurso pedagógico na obra infantil de Cecília Meireles

Pós-graduação em Letras - FCLAS

Batuque: reverberação da memória na vidência de identidades afro-amazônicas

Esta dissertação é o produto de um estudo analítico do livro de poemas Batuque, de Bruno de Menezes, com foco nas narrativas de memória. Tomam-se como referência as manifestações culturais de origem africana representadas no livro, em consonância com teorias pautadas sob uma ótica direcionada à conexão entre a subjetividade literária e a objetividade histórica, tendo como referência os conceitos de História Social, propostos por Peter Burke, a ideia de cultura de Terry Eagleton e a identidade cultural, de Stuart Hall. Esses instrumentos possibilitam a observação da presença africana como elemento de composição de uma identidade cultural na Amazônia, sob três aspectos: o primeiro, relacionado ao lirismo, demonstrado, sobretudo, nos poemas “Mãe Preta” e “Pai João”; o segundo, direcionado à musicalidade, observada em poemas como “Batuque” e “Alma e ritmo da raça”; e o terceiro versa sobre a religiosidade, apresentada em poemas como “Toiá Verequête” e “Oração da Cabra Preta”. Destes três aspectos, o que mais despertou nossa atenção foi a religiosidade, em especial quanto à relação entre sagrado e profano e à visão de bem e mal, muito evidentes na obra. Os resultados obtidos dão-nos a ideia de que, pela leitura das narrativas de memória do autor e de sua relação com o ambiente em que viveu, as influências do meio na criação artística do poeta e na produção de uma obra voltada para as manifestações culturais contribuem, significativamente, para a melhor compreensão da presença negra na cultura brasileira.

A produção da "música cabocla": a polifonia formadora do Carimbó nas representações de literatos, jornalistas e folcloristas no Pará (1900-1960)

Este texto aborda o percurso histórico de debates artísticos e intelectuais desenvolvidos em torno da transformação do carimbó em expressão típica da musicalidade cabocla do Pará e da Amazônia. O intercâmbio de ideias entre folcloristas, jornalistas e escritores promoveu, entre 1900 e 1960, os sentidos que se articularam em torno da ideia do carimbó como manifestação folclórica tipicamente regional.

A dança como mediadora na formação da criança

This paper analyzes the dance, considered the oldest of the Arts, inserted in Art and Education. When you talk about dance as art, sought to articulate dance, body movement and music, because all these aspects are crucial when it comes to education in dance. Thus, this paper, by analyzing the meaning of dance over time, also made a parallel with the evolution of the concept of body that, throughout history, became the focus of sin, to currently be seen in optical freedom and autonomy, looking up from childhood, the formation of body awareness and embodiment, as a basis for identity and the formation of a positive self-image. In describing the evolution of dance, between different societies, it was shown that the tool is the dancer's own body and that for its use, it is necessary to look at its interior, human vitality, musicality and sensitivity. Proved that dance since the beginning, has been seen as a medium body, as well as desires and deepest sorrows of humanity, linked to religion, ritual or ceremonial, reaching today the freest expression of body, in modern dance. Given these considerations, based on theoretical frameworks, emphasized the importance of dance in middle school, focusing on their educational role and liberating, showing that it must be used as a tool for teaching and learning, and the development of children , given its interdisciplinary character, this Crosscutting Themes in elementary school and early childhood education curriculum benchmark. The paper concludes that, despite legislation and official documents require training for dance in the school curriculum, very little is done in this direction, which shows that there is still a choice of schools, the immobility of the pupils

Dança: biologia e comunicação no processo de socialização humana

A importância da dança e das artes no geral para a espécie humana é evidenciada pela sua marcante presença em todas as sociedades, primitivas ou civilizadas, aparecendo na maioria de suas atividades.A dança faz parte do mundo da comunicação não verbal, expressando, transmitindo muitas informações e apresentando-se com diferentes significados, geralmente associados à comunicação e à interação entre indivíduos. Como movimento ordenado e rítmico,a dança pode ter por base nossas manifestações biológicas, podendo ser considerada como um evento inato e hereditário.Nesse contexto, apresentou-se uma revisão bibliográficaque trata da dança sob uma perspectiva biológica e evolutiva,caracterizando-a nos processos de comunicação e socialização humana. O panorama traçado baseou-se em diferentes áreas de estudo, tentando organizar as ideias e proposições de diferentes autores a respeito deste tema, ainda não tão discutido e nem tão difundido na literatura. Foram consultadas diferentes áreas, em especial a Etologia e a Psicologia Evolucionista, que fazem uma abordagem evolutiva de aspectos da natureza humana.Não foi possível encontrar na literatura uma definição única de dança que a contemplasse da maneira com a qual se gostaria de trabalhar nesta pesquisa.Por isso, foi proposta uma conceituação para as discussões posteriores, tratando a dança sob os seguintes aspectos: comportamento onipresente nos grupos humanos, desde tempos bastante remotos;comportamento significativo para os grupos que a apresentam, sob diferentes aspectos;comportamento que necessita de especialização e desenvolvimento cognitivo para sua realização; comportamento atrelado à sensação de prazer; comportamento que representa um processo de comunicação altamente complexo e especializado; comportamentoritmado, que possa ser tratado num complexo de musicalidade, que envolva a dança... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)

Arquitetura da imersão: por uma arquitetura de verdade

No início do trabalho, quando comecei a desenvolver a idéia de estudar a sonoridade musical e misturá-la com a Arquitetura, eu pensava mais em utilizar as características fluidas do som, essa facilidade que ele tem de se movimentar livremente no ar e, por isso, se dispersar por entre as pessoas muito facilmente, chegando até elas a todo o momento, sem que nenhum empecilho físico o impeça de atingi-las. Então, sabendo da alta sensibilidade que os humanos têm ao som, devido à sua própria natureza estrutural vibratória, eu partiria para uma análise mais particular de como a Música poderia influenciar as pessoas em seu dia-a-dia, de como as pessoas reagem a certos sons. E então utilizar isso dentro da Arquitetura, seja na sua composição, seja na interação e vivência usuário-espaço. Porém, com o andamento dos estudos e com o desenvolvimento do projeto, ocorreu que não poderia deixar certos aspectos de lado, como por exemplo, estudar técnicas que usamos para compor ambas as Artes, como as estruturações utilizadas, elementos rítmicos, harmônicos, proporcionais, estudar o próprio som e a matéria, fundamentais na Música e na Arquitetura, assim como a questão da temporalidade e da espacialidade. Ainda assim, não via o trabalho como completo. Por isso optei por acrescentar mais uma parte a ele, complementar a todo o desenvolvimento já elaborado e às questões já estudadas, porém de fundamental importância para a conclusão do projeto. Será o capítulo intitulado Musicalidade Aplicada, o qual ainda é subdividido em Música & Arquitetura, onde apresento alguns projetos exemplares, nos quais os autores de alguma forma se utilizaram de música na composição e/ou execução de suas obras; e Música & Urbanidade, onde finalmente apresento a sonoridade musical como um meio de mudança da perspectiva humana, mudança de posicionamento e olhar do homem para o próprio homem e do meu olhar para a arquitetura

Inter-relações entre Performance e Musicologia Histórica: perspectivas para a interpretação musical

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)

O galope nordestino diante do parque industrial: o projeto estético do Quinteto Armorial no Brasil moderno

Pós-graduação em História - FCHS

Música, mídia e identidade nacional na Guiné-Bissau: da revolução armada à independência

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)

Cantar com expressão, para tocar com expressão

Relatório de Estágio Profissional apresentado à Escola Superior de Artes Aplicadas do Instituto Politécnico de Castelo Branco para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Ensino de Música, variante de Instrumento e Música de Conjunto.

Dar a ver Sertão e Sevilha: matizes hispânicas na poética de João Cabral de Melo Neto

Dar a ver Sertão e Sevilha: matizes hispânicas na poética cabralina is a study on the lyric reading possibilities of Cabralian poetry, from the work of the poet from Pernambuco, that shows the intercultural dialogue and the Spanish poetical approach absorbed by João Cabral de Melo Neto during his Andalusian experience. Hispanic interfaces incorporated by the Cabralian poetry through literature or through the direct contact with the culture are registered on the 133 poems that have Spain as theme, in which we can see the matrix of Hispanic tradition, rich in its diversity, was the preponderant element for the poet João Cabral to discover the core of his lyric backwards. From Hispanic corpus, it will be explored the aesthetical assimilation of Spanish poetry in the work of João Cabral de Melo Neto, with the objective of demystifying the issues of lyrical dullness and anti musicality on Cabralian poetics in which, from the appropriation of Hispanic elements investigated as a signal of lyrics and musicality, originates a reading unattached from the constructivist signal, tessitura evidenced by the critic Antonio Candido since the origin of JCMN poetry with the poem Pedra do sono (1942). The mentioned aesthetics was adopted later on by the literary critics that named it as “brain poetry” for its hermetical configuration, tessitura of rigor, concreteness of language and stiff metrics. The results obtained from this study aim to induce a reading that favors the lyrical acoustic of the Cabralian poetry in the effort to ease the aspects of the arid construction.

Les lauriers sont coupés: a exibição do pensamento e da linguagem

Ce travail a comme point de départ l’oeuvre Les lauriers sont coupés, de l’écrivain Edouard Dujardin. Le livre, écrit en 1887, n’est devenu connu qu’en 1924, lorsque James Joyce a déclaré s’inspirer de cette œuvre pour écrire le monologue de Molly Bloom, personnage d’Ulysse, en utilisant une technique nommée monologue intérieur, qu’aucun écrivain n’avait jusqu’alors utilisée. Dujardin s’est proposé d’écrire un livre où le personnage dévoile sa pensée avant même de subir une quelconque censure. Ecrit à la fin du siècle, Les lauriers sont coupés présente des caractéristiques du symbolisme: la synesthésie, la musicalité, le jeu de mots et la subtitution du sentiment, propre aux romantiques, par les sens. Pour une génération d’écrivains ayant vécu à Paris à la fin du siècle, la métaphore est remplacée par la métonymie. Dans ce sens, notre auteur se trouve inséré dans son temps, c’est-à-dire, à la fin du XIXe siècle, subissant l’influence de Mallarmé et de Wagner dans l’écriture de son oeuvre. A Canção dos Loureiros, titre de la traduction en portugais d’Élide Valarini (1989), de l’oeuvre Les lauriers sont coupés, a été analysée, en essayant à la fois d’identifier les éléments du Symbolisme et de montrer que l’auteur, en écrivant cette œuvre, suppose que le lecteur, partage la pensée du personnage principal en employant la technique du monologue intérieur. Outre cette analyse, nous faisons la traduction en portugais d’un essai de Dujardin, qui n’avait pas été traduit jusqu’à présent et où il a pu lui-même revoir son œuvre et où il explique comment il a eu l’idée de travailler la technique adoptée ainsi que la réception de cette œuvre auprès de ses contemporains.